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Les meilleurs albums des années 60 (1)
Bob Dylan, Aretha Franklin, Albert Ayler, le Velvet Underground, Eric Dolphy, Dusty Springfield et les autres artistes qui ont changé la musique pour toujours
Lorsque l'on considère l'ensemble de la musique du 20ème siècle, les années 1960 sont particulièrement importantes. Une partie de l’importance accordée à la musique de la décennie s’explique par la démographie (la génération massive de baby-boomers née après la Seconde Guerre mondiale et l’âge de l’écoute musicale) et la technologie (le secteur de l’électronique grand public créait de nouveaux espaces télévision et les avancées en matière de sonorisation ont rendu possibles de grands concerts). Néanmoins, il est indéniable que la musique des années 60 a eu un impact énorme à l'époque et n'a jamais vraiment disparu. Dans les années 1950, les albums étaient dominés par des chanteurs à l'écoute facile tels que Bing Crosby et des comédies musicales sans fin, des disques qui n'ont plus qu'un auditoire de niche. Mais autant de grands albums des années 1960 continuent de captiver les auditeurs anciens et nouveaux,
MILES DAVIS
1960
À l’hiver de 1959, Miles Davis, l’air de cool, s’assied dans le studio avec un flûtiste, un tromboniste et un trompettiste derrière lui, son collaborateur Gil Evans dirigeant un orchestre à proximité. Avec beaucoup de soin, il commença à sentir les notes, les plaçant avec délicatesse dans l'univers andalou qu'Evans bâtissait autour de lui - un univers de touches flamencas, de musique de Third Stream et de rythmes alternativement droits et balancés qui s'enchaînaient.
Sketches of Spain évoque une atmosphère impressionniste et classique qui va à l’encontre du sommet de Davis de l’année précédente, le Kind of Blue . Bien qu'il soit à l'apogée de sa célébrité à la fin des années 50 et au début des années 60, Davis ne s'installa jamais. Alors, le voilà qui est tombé à terre, réorganisant le concerto pour guitare de Joaquín Rodrigo et adaptant la voix de seatoflamenco traditionnelle à sa trompette. Pour Davis, mettre ces notes sur bande était épuisant; plus tard, il déclara à propos du processus: «J'étais vidé de toute émotion». Pourtant, alors que la tempête du free jazz se préparait au loin, l'esprit de la note écrite et improvisée était à son apogée. –Jeremy D. Larson
Si les dimanches sont intrinsèquement tristes , il est logique que l'un des plus grands albums de jazz live serve également de requiem partiel. Lorsque Bill Evans, le bassiste Scott LaFaro et le batteur Paul Motian sont descendus dans le sous-sol de Village Vanguard lors de ce sabbat d'été, ils ont créé une forme de télépathie musicale aussi originale et animée que la valse Alice au pays des Merveilles qu'ils couvraient.
Avant de former son trio de virtuoses, Evans était le pianiste du sextet immortel qui assombrissait Kind of Blue de Miles Davis . C'était un joueur bouddhiste de formation classique qui tirait sur l'héroïne et qui ressemblait à un comptable conservateur caché dans le sous-sol de Sterling Cooper, mais selon Davis, il jouait comme «des notes de cristal ou de l'eau pétillante». Jusqu'à dimanche au Village Vanguard, les trios de pianos existaient en grande partie comme pièces maîtresses du chef d’orchestre, mais ici, Evans commande une triade aussi attachée psychiquement et aussi détachée que les Mages. Les numéros réinventés de Miles Davis, Cole Porter, George et Ira Gershwin illustrent avec élégance les originaux de LaFaro, dans lesquels il fait jouer la basse avec grâce grâce à une grâce balistique sous la contrainte zen d'Evans. Moins de deux semaines plus tard, LaFaro, 25 ans, mourrait dans un accident de voiture, devenant un mythe tragique immortalisé par un enregistrement dimanche, les applaudissements de son génie résonnant encore à perpétuité. –Jeff Weiss
La scène française «yé-yé» du début des années 60 était principalement composée de jeunes femmes qui chantaient du chewing-gum chargé sexuellement écrit par des hommes plus âgés. Françoise Hardy s'est distinguée en conservant son autonomie sur le seul désir de ses chansons et en écrivant la plupart d'entre elles. Sa musique deviendra de plus en plus complexe et éclectique au fil des ans, notamment dans le chef-d'œuvre de bossa nova de 1971, La Question , mais les raisons pour lesquelles elle a dirigé le règne du yé-yé sont évidentes dans son premier album.
Tous les garçons et les filles échappent à la guitare twangy, à la basse remarquable, aux percussions shuffling et au chant de conversation désarmante de Hardy (même si vous ne parlez pas en français ). Le hit du titre, une valse solitaire du narrateur sans amour dans des rues remplies de couples en adoration, ressemble à l'idéal platonique pour les chansons de ce trope familier. Peut-être a-t-il été traduit tant de fois parce qu'il ne peut pas être amélioré. Mais le reste de l'album trouve également un juste milieu entre le rockabilly shimmy et l'introspection gauloise, offert par la fleur-wallflower la plus glamour de France. –Marc Hogan
La roue libre de Bob Dylan
1963
Avec son deuxième album, Bob Dylan, âgé de 21 ans, a documenté le monde tumultueux qui se déroulait devant lui dans les instants qui ont précédé l’actualité. «Oxford Town» raconte la violence avec laquelle les manifestations du mouvement des droits civiques ont été accueillies; «Talkin 'World War III Blues» voit son protagoniste hanté par la promesse d'une guerre nucléaire; «Blowin 'in the Wind», basé sur le livre spirituel afro-américain «No More Auction Block», transforme les questions philosophiques en un hymne contre-culture.
Pour un album composé en grande partie de guitare et de voix, The Freewheelin 'Bob Dylan est vaste, Dylan élargissant ses observations par la méditation poétique et l'humour ironique. Des chansons telles que «Girl from the North Country» et «Ne réfléchis pas, tout va bien» élargissent encore la portée de l'album, plaçant la mélancolie romantique intime sur un pied d'égalité avec l'analyse du chaos politique. Et il tend la main vers le son électrisant et décousu qu'il embrassera bientôt: Poussé par un refrain hurlant, les sept minutes de «Une pluie sévère, A-Gonna Fall» ouvrent les fentes d'un maniérisme traditionnel. Au fil des générations, l’album est devenu un monument vivant d’un moment de la jeunesse américaine, composé de chansons qui peuvent encore nous apprendre à ressentir. –Thea Ballard
Enfin!
1960
Etta James ne demande pas beaucoup pour son premier album, At Last! Tout ce qu'elle veut, c'est un amoureux qui écrit, quelqu'un pour qui elle puisse faire du pain et se régaler, un «genre d'amour du dimanche» qui dure «samedi soir dernier». James a eu une vie difficile au début; elle a été essentiellement abandonnée par sa jeune mère, n'a jamais connu son père et maltraitée par l'homme qui l'a encouragée à chanter. Toujours sur At Last!, elle ouvre son cœur au monde et le micro ne peut guère contenir ses élans de désir. Mais ce n’est que dans son célèbre titre, où l’on retrouve un joyeux soulagement amoureux, que la voix de James savoure dans une douceur débridée. James aurait pu choisir de chanter davantage de standards de célébration au lieu de telles ballades franches, mais peut-être l'ancienne membre du groupe de filles savait-elle déjà qu'elle pouvait diffuser le blues comme personne d'autre. –Quinn Moreland
Comme tant d'autres albums des années 60, Howlin 'Wolf n'a pas été conçu comme un véritable album. Il complète les côtés A et B des six singles que le bluesman de Chicago a publiés entre 1960 et le début de 1962, une période où il était sur une lancée, au moins sur le plan artistique. Wolf n'était plus dans les charts R & B depuis 1956, l'année du rock'n'roll ayant transformé la musique populaire. Pourtant, au moins la moitié de ce disque est composée de chansons connues de tous ceux qui connaissent bien le blues du XXe siècle: «Little Red Rooster». «Wang Dang Doodle», «Back Door Man.» Dans les mains des blues boys britanniques des années 60 - sans parler de tous les Américains qui ont suivi -, ces chansons ont perdu leur tension, passant du solo au solo. Malgré tout, l’appel des 12 chansons de Howlin 'Wolf est le groove sauvage et prolifique du groupe Chess House et, bien sûr, le rugissement pur-sang de Wolf. Qu'il murmure ou hurle, le chanteur semble garder une partie essentielle de lui-même en réserve, raison pour laquelle la musique peut paraître si intimidante tant d'années après son enregistrement. –Stephen Thomas Erlewine
L'album Modern Sounds in Country et Western Music de Ray Charles en 1962 était salué comme une fusion pionnière de Nashville C & W avec le swing R & B pour lequel Charles était connu, mais le LP est bien plus que cela. Avec des cordes douces et des arrangements vocaux délavés de Marty Paich, le producteur Sid Feller a aidé Charles à choisir les chansons à enregistrer, mais a cédé le plein contrôle créatif au chanteur et claviériste génial de 31 ans. S'attaquer à Hank Williams («Vous gagnez encore», «Hé, bonne mine»), à Don Gibson («Je ne peux pas m'empêcher de vous aimer») et à des chansons traditionnelles qu'il pourrait revendiquer comme siennes («Careless Love»), Les performances de Charles révèlent instantanément les frontières illusoires entre les genres.
La simple existence de Modern Sounds était une affirmation: un album de chansons «hillbilly», comme l’appelait autrefois l’industrie de la musique, enregistré par un homme noir alors que les batailles pour les droits civiques se réchauffaient. Et bien que l’album n’ait pas eu d’effet sur les palmarès, son énorme succès populaire a commencé à faire tomber les barrières à Nashville, qu’il s’agisse de la musique ou autre. Cela a contribué à amener une génération d'artistes noirs à la musique country et, dans un sens, béni par le cool de Charles, a même aidé la musique country elle-même à évoluer vers une image plus contemporaine et plus dominante. Modern Sounds in Country et Western Music sont des mélodies sur le sentiment de mal se sentir toujours très bien. –Jesse Jarnow