HISTOIRE DES GRANDS ORCHESTRES DU MONDE

Orchestre baroque

Orchestre de chambre

Orchestre symphonique

Orchestre philharmonique

Les orchestres, tout un monde

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Qu’est-ce qu’un orchestre ?

Un orchestre est un ensemble de musiciens, qui se réunissent pour interpréter des œuvres musicales devant un public. Il existe plusieurs types d’orchestres : orchestre de chambre, ensemble baroque, orchestre symphonique ou philharmonique… Comment les différencier ?
 
Les différents types d’orchestres

 L’ensemble baroque

• L’ensemble baroque, comme son nom l’indique, est un ensemble destiné à interpréter des œuvres du répertoire des XVIIe et XVIIIe siècles.
• « La notion d’orchestre en musique baroque correspond tout simplement à une « collection » d’instruments. » selon William Christie.

 L’orchestre de chambre

• L’orchestre de chambre est composé d’une vingtaine à une cinquantaine de musiciens. Cet orchestre, couramment appelé « orchestre Mozart » interprète des œuvres du XVIIème au XIXème siècles. Il est organisé autour du quintette à cordes : premiers violons, seconds violons, altos, violoncelles et contrebasses. L’orchestre de chambre est dirigé soit par le premier violon soit par un chef d’orchestre.

 L’orchestre symphonique

• L’orchestre symphonique a un effectif plus important que l’orchestre de chambre. L’effectif varie selon le répertoire interprété. Pendant la période romantique, l’effectif augmente considérablement : le piccolo, le cor anglais, la clarinette basse, le saxophone, le contrebasson, les trombones ou le tuba s’ajoutent à l’effectif classique. Au XXe siècle, l’orchestre peut atteindre un effectif de 100 musiciens ou plus. Lorsque l’orchestre symphonique interprète des opéras ou des ballets, il est placé dans la fosse d’orchestre afin de laisser l’espace de la scène aux chanteurs/danseurs et à tout ce qui concerne la représentation scénique (décors, costumes, lumières et déplacements). Placé au centre de la fosse, sur un podium surélevé, le chef d’orchestre dirige à la fois les musiciens et les chanteurs. Il veille à réaliser un équilibre entre la scène et l’orchestre.

 L’orchestre philharmonique

• L’orchestre philharmonique est le plus important des orchestres classiques. Les instruments sont plus nombreux que dans l’orchestre symphonique (tuttistes et solistes), la petite et la grande harmonie sont renforcées et/ou dédoublées.

Quels sont les instruments qui composent l’orchestre symphonique ?

 Les cordes

Les instruments à cordes sont à leur tour divisés en plusieurs familles :

• les cordes pincées : la harpe
• les cordes frappées : le piano
• les cordes frottées : les violons, altos, violoncelles et contrebasses
• Notons que les instruments à archet tels que le violon ou la contrebasse, peuvent être aussi joués en pinçant les cordes. On appelle ce mode de jeu « pizzicato ».

 Les instruments à vent

• Les instruments à vent sont tous les instruments dans lesquels il faut souffler pour émettre un son. Ces instruments sont classés en deux catégories : les bois (ou petite harmonie) et les cuivres (ou grande harmonie).

 Les bois comprennent les flûtes

•  les hautbois,
• les clarinettes,
• les bassons…

Ces instruments ont une origine très ancienne et leurs « ancêtres » étaient fabriqués en bois. C’est pourquoi ils sont encore aujourd’hui appelés les bois. Aujourd’hui, les instruments peuvent être en métal ou, comme à l’origine, en bois. Certains sont à hanche simple comme la clarinette, d’autres à hanche double comme le hautbois et le basson.

Les cuivres comportent

• la trompette
• le trombone
• le tuba
• le cor

Les notes s’obtiennent en actionnant des pistons qui ouvrent et referment des tuyaux ou une coulisse (trombone). Le timbre des cuivres dépend de leur facture. Leur ambitus sonore dépend de la longueur de leurs tuyaux.
 
Les percussions

• Les percussions sont des instruments sur lesquels il faut « percuter » pour produire un son. Ces instruments produisent une grande variété de sons : on peut les secouer, les frapper, les frotter… Il existe un nombre illimité de percussions. Les matières utilisées pour les fabriquer sont diverses : bois, peau, métal… Il existe des percussions à sons fixes et des percussions à sons variables. Les percussions ont une fonction principalement rythmique et timbale. Seules quelques-unes peuvent produire de véritables mélodies (les claviers, par exemple xylophone, marimba, etc.). La timbale a un rôle à part dans le pupitre des percussions puisqu’elle est le seul instrument à percussion qui s’accorde.

 
La disposition des instruments de l’orchestre en demi-cercle autour du chef d’orchestre est liée au fait que tous les musiciens puissent voir le chef.

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L'ère du drame et de la grandeur

Lire sur : https://arionbaroque.com/fr/baroque-101/

Les styles, compositeurs et instruments de la musique baroque et ancienne

L’ère baroque désigne une période de l'art et de la musique en Europe qui s'étend approximativement des années 1600 à 1750. Elle succède à la Renaissance et est connue pour sa grandeur, son caractère dramatique et son intensité émotionnelle. La musique baroque utilise des airs entraînants, des sons riches et des changements surprenants pour tenir le public en haleine. Il s'agit d'une conversation entre différents instruments, certains jouant fort et vite tandis que d'autres répondent doucement.

Ce style a contribué à la création de l'orchestre moderne, avec des cordes, des cuivres et des bois jouant tous ensemble. Comparée à d'autres styles musicaux, la musique baroque est plus énergique et met l'accent sur la virtuosité, avec des passages rapides et des lignes solos complexes.

• Les premiers orchestres baroques étaient minuscules par rapport aux ensembles actuels tel les orchestres symphoniques. Les concerts baroques n’étaient souvent que composés que de cordes et d’un clavecin pour l’accompagnement !  
• Les musiciens de l’époque baroque portaient des vêtements qui évoquaient le sérieux et le professionnalisme, reflétant ainsi la grandeur de la musique qu’ils interprétaient.
• L’intégration de l’improvisation et des embellissements dans leur prestation était une norme dans les premiers concerts baroques. Cela ajoutait une couche d’individualité et de spontanéité à leurs interprétations.
• Le rôle du chef d’orchestre, bien que peu répandu au début de la période baroque, est apparu progressivement au fur et à mesure que la taille et la complexité des orchestres augmentaient.
• Les instruments de l’ère baroque ont souvent reçu des surnoms qui reflétaient leurs sons caractéristiques. Par exemple, le basson, connu pour sa sonorité grave, était parfois appelé « doulcine » en raison de sa ressemblance avec le braiment d’un âne.

Instruments de la période baroque

Cordes 

Les violons, les altos, les violoncelles et les violons (grandes basses) constituent la base de la musique. 

Bois

Les flûtes à bec, les cornettes et les cromornes ajoutent une variété de couleurs et de textures à la musique.

Cuivres

Les trompettes et les sacqueboutes (premiers trombones) ajoutent une touche de brillance et de majesté a la musique 

Instruments a clavier 

Le clavecin assure la basse continue, tandis que l'orgue est utilisé pour la musique sacrée et profane 

Luths et théorbes

Les instruments à cordes pincées sont utilisés pour accompagner les chanteurs solistes les petits ensembles pour ajouter un son délicat et intime.

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L'orchestre baroque

Lire sur : https://www.emmdlouvres.com/copie-de-l-orchestre-symphonique

William Christie :

La notion d’orchestre en musique baroque correspond tout simplement à une « collection » d’instruments. À son émergence, au XVIIe siècle, on parle d’un orchestre qui peut compter une dizaine de personnes. En 1730-40, un orchestre qui alimente un grand oratorio de Haendel comprend une cinquantaine de personnes. À l’apogée d’un Lully ou d’un Rameau, c’est plutôt un orchestre d’une soixantaine de personnes… J’appelle « orchestre » une petite formation qui serait tout simplement impossible à l’époque plus moderne. Par exemple, quand je fais Acis and Galatea de Haendel avec deux hautbois, deux violons, un basson, un continuo, eh bien, en musique baroque, c’est un orchestre. Ce serait impensable d’imaginer de qualifier ce type de formations pour un Mendelssohn, un Berlioz ou un Brahms. Ce serait tout simplement une formation pour de la musique de chambre.

Alors, oui, il y a plusieurs orchestres baroques. Parce que cette notion d’orchestre répond à une question de sonorité, mais aussi à une question d’époque et de répertoire. L’orchestre baroque est beaucoup plus spécifique que celui du XIXe siècle selon la période qu’il couvre et le type de compositions qu’il aborde.

Lire sur : https://www.emmdlouvres.com/copie-de-l-orchestre-symphonique

MUSIQUE DE CHAMBRE

Écrit par

Pierre BRETON : musicographe
Marc VIGNAL : musicologue, journaliste  Sur : https://www.universalis.fr/encyclopedie/musique-de-chambre/

Au sens moderne, « musique de chambre » est une expression générique s'appliquant à des compositions pour un petit nombre d'instruments solistes. Jusqu'à la fin du xviie siècle, avant l'apparition des concerts publics, le terme désigne une musique destinée à être jouée chez un particulier, fût-ce un roi, par opposition à la musique d'église et à la musique de théâtre (Louis XIV crée la charge de maître de la Musique de la Chambre du Roy). La musique « de chambre » est alors instrumentale ou vocale, et elle est écrite soit pour solistes, soit pour de nombreux effectifs ; mécènes et interprètes amateurs jouent dans son processus de production un rôle important. Au milieu du xviiie siècle, la distinction entre musique de chambre, au sens moderne, et musique d'orchestre est encore assez floue (quatuors pour orchestre de Carl Stamitz, 1770 et 1774). Elle devient nette vers 1770, époque à partir de laquelle Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart écrivent consciemment des symphonies pour orchestre jouées en public par des professionnels, d'une part, et des quatuors à cordes conçus essentiellement à l'usage des amateurs, d'autre part. Paradoxalement, les seconds ne le cèdent pas aux premières en complexité, bien au contraire. Et la dédicace par Mozart, en 1785, de six de ses plus grands quatuors à un autre compositeur (Haydn), puis la fondation des premiers « quatuors » de professionnels (par Ignaz Schuppanzigh, vers 1804) témoignent en la matière de la revanche définitive aussi bien du créateur sur l'interprète amateur que de la salle de concert sur les intérieurs privés. La situation restera sensiblement la même tout au long du xixe siècle : production abondante, avec les duos, trios, quatuors, quintettes, sextuors, septuors, octuors et nonettes de Beethoven, Schubert, Spohr, Weber, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Smetana, Dvořák, Tchaïkovski, Saint-Saëns, César Franck et de bien d'autres ; exécution de cette musique aussi bien au concert (phénomène de la « petite salle ») que chez soi ; frontières en principe bien tracées entre musique de chambre et musique d'orchestre, en fait parfois assez peu étanches (orchestration « musique de chambre » de la Quatrième Symphonie de Brahms et sonorités « orchestrales » de ses sonates pour piano ; souvent, chez ceux qui adoptent les deux tendances, les audaces harmoniques et formelles sont plus grandes encore dans la musique de chambre, dans les quatuors de Beethoven, par exemple, que dans la symphonie) ; typologie particulière de l'auditeur (pour ne pas parler de l'interprète amateur) de musique de chambre, en général plus compétent techniquement que l'habitué des concerts. Enfin, aux alentours de 1900, se produit un nouvel éclatement : Mahler a tendance à traiter en soliste chaque membre d'un orchestre aux effectifs pourtant très nombreux ; Schönberg, avec La Nuit transfigurée (Verklärte Nacht, 1899), fait relever la musique de chambre (il s'agit d'un sextuor à cordes) du poème symphonique, avant de faire scandale avec ses Quatuors à cordes no 1, opus 7 (1904-1905) et no 2, avec voix, opus 10 (1907-1908) – points de départ de la musique du XXe siècle – et sa Symphonie de chambre no 1, opus 9 (1906), au titre symbolique : avec cette dernière (15 instruments solistes), la musique de chambre lâche définitivement les amateurs et les intérieurs privés tout en rejoignant l'orchestre sur un terrain nouveau. Il y a bien au même moment les quatuors de Debussy et de Ravel ; il y aura ceux de Bartók et de Berg, le Livre pour quatuor de Boulez et Archipel II de Boucourechliev : le début du xxe siècle n'en voit pas moins se poursuivre la tendance, déjà assez nette dans les deux derniers tiers du xixe, à la disparition du quatuor à cordes comme centre de gravité de la musique de chambre, cela malgré tout son prestige. La tendance s'est cependant inversée et de nombreux compositeurs des dernières décennies du xxe siècle ont repris goût à l'écriture d'une musique de chambre. Qu'il suffise de citer John Cage, Elliott Carter, Morton Feldman, Henry Cowell, Brian Ferneyhough, György Ligeti, György Kurtág, Luigi Nono, Horatio Radulescu, Giacinto Scelsi, Iannis Xenakis, Helmut Lachenmann, Harrison Birtwistle, John Adams... 

Est-il un mot qui, en matière musicale, recouvre un domaine plus vaste que celui de la musique de chambre ? N'appelait-on pas, au début du xviie siècle – moment où celle-ci voit le jour – « musica da camera » tout ce qui n'était ni opéra, ni musique religieuse, ni partition destinée aux festivités solennelles ? Bientôt cependant elle reçoit une définition plus explicite : musique jouée par un petit nombre d'interprètes dans un cadre intime. Définition plus précise, certes, mais encore bien floue, les formations qui s'y dédient exigeant un effectif qui varie de deux exécutants, pour les sonates, à la vingtaine de musiciens que rassemblent les orchestres dits « de chambre », en passant par toutes les formations intermédiaires : trios, quatuors, quintettes, sextuors, septuors, octuors, nonettes et dixtuors. Les premières pièces de cette famille, signées William Byrd ou John Dowland, s'intéressent d'abord au chant accompagné ainsi qu'aux ensembles de violes. Jusqu'à la moitié du xviiie siècle, le genre s'enrichit rapidement, souvent autour du clavecin, sous la plume de Henry Purcell, d'Antonio Vivaldi, de François Couperin le Grand, de Jean-Sébastien Bach et de Georg Friedrich Haendel. Il connaît pendant les quelque cent cinquante ans qui suivent un véritable apogée, marqué par des partitions majeures signées Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn, Franz Schubert, Robert Schumann et Johannes Brahms. La création d'œuvres nouvelles prospère jusqu'à la fin de la première moitié du xxe siècle, offrant une infinie multiplicité de configurations : le piano s'associe aux cordes, aux vents ou à la voix, les cordes se marient entre elles, les vents entre eux, claviers, cordes, vents et voix se rejoignent en combinaisons plus inattendues les unes que les autres. La musique de chambre semble ensuite se tarir. Il est vrai qu'elle ne retrouve plus dans les vastes salles de concert le cadre intime qui lui était nécessaire.

Cependant, en dépit de leur étonnante diversité, ces partitions présentent de nombreux points communs. Née de l'union de la monodie et de la basse continue, la musique de chambre, malgré l'évolution d'une écriture qui accueillera au fil du temps le contrepoint ainsi que les expériences harmoniques et rythmiques les plus avancées, saura préserver le règne de la ligne mélodique. Dès son origine, elle se destine à des praticiens amateurs, pour le seul plaisir d'une exécution domestique devant un public familial ou d'amis. Les œuvres sont donc d'un abord aisé et visent plus la simplicité que la haute virtuosité. Bien sûr, la complexité de leur facture s'est rapidement accrue et les enrichissements techniques sont venus augmenter la difficulté de pièces qui, dès le début du xixe siècle, sont confiées à des professionnels. Il n'en reste pas moins vrai que ce qu'elles valorisent n'est ni l'exploit du compositeur, ni celui des interprètes. Ce qui est privilégié, c'est la fluidité du dialogue entre les instrumentistes, le naturel de leur jeu et cet « esprit de conversation », détendu ou passionné, hérité des origines. La beauté ne naît pas ici de la réussite individuelle ni de l'addition de plusieurs d'entre elles, mais de l'instauration d'une véritable communion. Il existe un « esprit musique de chambre », fait de discrétion des effets et d'humilité devant la partition. L'émotion n'est pas accaparée par les voltiges d'un soliste vedette mais doit circuler sans entrave entre des partenaires égaux. L'évolution de ce jeu collectif est évidemment liée aux modifications du style pratiqué par chaque instrument pris isolément. Elle l'est bien plus encore aux tribulations de cet esprit de musique chambre, à la qualité de son rayonnement. Après avoir connu jusqu'au début du xxe siècle une période de total épanouissement, il semble perdre une bonne part de sa vitalité et ne connaît un début de renouveau qu'au commencement des années 1970.

L'âge d'or

Quand on considère les critiques publiées dans la presse et les traces sonores qui nous sont parvenues, une évidence s'impose : l'interprétation de la musique de chambre a connu du début du xixe siècle jusqu'à la Seconde Guerre mondiale un véritable âge d'or. Les musiciens les plus prestigieux lui consacrent une part essentielle de leur carrière et s'y investissent avec un sens du collectif et une passion qui élèvent leurs interprétations – du moins celles dont l'enregistrement aura pu être préservé – au rang d'incontournables références. Les noms se bousculent sous la plume : Alfred Cortot-Jacques Thibaud-Pablo Casals, Adolf Busch-son frère Hermann Busch-Rudolf Serkin, Jascha Heifetz-Arthur Rubinstein-Emanuel Feuermann, ou Edwin Fischer-Wolfgang Schneiderhan-Enrico Mainardi (en sonates et trios) ; pour les seules sonates, sont entrées dans la légende les associations Wilhelm Backhaus ou Arthur Schnabel-Pierre Fournier, Eugène Ysäye-Raoul Pugno ou Yves Nat, Joseph Szigeti-Béla Bartók, Fritz Kreisler-Serge Rachmaninov, Lili Kraus-Szymon Goldberg, Yehudi Menuhin et sa sœur Hephzibah. Au royaume du quatuor à cordes, l'abondance est plus grande encore : les Quatuors Joachim, Rosé, Geloso, Ysäye, Kolisch, Poulet, Busch, Capet, Beethoven, Calvet, de Budapest, Flonzaley, Amar, de Hollywood, Lener, Roth, Pro Arte, Tchèque, Wiener Konzerthaus, Hongrois, Bohémien... Bien longue serait la liste de tous ces ensembles dont l'ombre plane sur la musique de chambre comme le souvenir d'un paradis perdu. Tous semblaient détenir le secret d'un accord des tempéraments et des sensibilités trop souvent inaccessible de nos jours. Un état de grâce dont les causes sont multiples.

Tempo : Andante

Les conditions d'existence des artistes sont bien différentes de celles d'aujourd'hui. Leur réputation se construit lentement. Les études sont longues et, à de rares exceptions près, les carrières ne sont guère précoces. Il est admis – mis à part les fulgurantes envolées d'enfants prodiges comme Yehudi Menuhin, Vladimir Horowitz, Jascha Heifetz ou Nathan Milstein – qu'un grand talent, comme un grand vin, doit arriver prudemment à maturité. On travaille le temps nécessaire au conservatoire local avant de « monter » – pour les meilleurs – dans les grandes capitales européennes et de s'imprégner des leçons de maîtres reconnus. Il ne faut pas jeter tous les ans de nouvelles étoiles – ou supposées telles... – en pâture au public, aujourd'hui célèbres, demain oubliées. Les débuts sont souvent difficiles. Un long séjour dans les orchestres est quasi obligatoire pour les violonistes et les violoncellistes. Il sont parfois contraints – Jacques Thibaud et Pau Casals pouvaient en témoigner –de jouer dans les cafés et les restaurants. Il faut du temps pour parvenir à une notoriété qui se gagne au concert, dans les salons de la bourgeoisie ou de la noblesse et par une intense activité professorale. Les médias modernes – la radio est balbutiante et la télévision n'existe pas – sont alors bien incapables d'amplifier les réputations ou de les promouvoir hors des frontières. Les carrières sont donc d'abord nationales. La lenteur des transports – train ou bateau – ne permet guère la multiplication des tournées à l'étranger. Les grands solistes sont donc plus disponibles qu'aujourd'hui et peuvent consacrer le temps nécessaire à la mise au point technique et à l'approfondissement expressif d'œuvres qui les valorisent tout autant que leurs performances personnelles. La composition des équipes – qu'il s'agisse de sonates, de trios ou de quatuors – est d'une rare stabilité. Faut-il chercher ailleurs les raisons de cette respiration commune et de la permanence de cette écoute réciproque que nous admirons tant aujourd'hui ?

Des familiarités avec la musique

Les limites qui séparent la musique savante des musiques populaires de « consommation courante » ne sont à l'époque ni précises, ni étanches. Les mélodies exotiques ou sentimentales, mises en scène dans des arrangements au goût du jour, remportent tous les suffrages. C'est bien souvent entre La Prière d'une vierge (de Tekla Badarzewska-Baranowska) ou La Sérénade andalouse (d'Auguste Panseron) que se glissent Bach, Mozart, Mendelssohn ou Schumann. Le grand répertoire n'a pas alors l'évidence qu'il a gagnée depuis lors. On mesure mal de nos jours toute l'énergie et l'abnégation qu'il a fallu déployer pour que, grâce à Artur Schnabel, Fritz Kreisler ou Claudio Arrau, s'imposent à un public plutôt demandeur d'aimables futilités des compositeurs jugés aussi austères que Beethoven ou Brahms. Aux confins de ces deux mondes se développent, dans les pays germaniques, le charme puissant du lied et, en terres françaises, les raffinements de la mélodie. Les grandes partitions sont souvent abordées avec la même absence de complexe que les romances à la mode. On n'hésite pas à les adapter, dans des transcriptions parfois incongrues, pour des formations qui ne présentent plus que de lointains rapports avec les intentions du compositeur, mais qui peuvent être réunies dans les villes les plus éloignées des grands centres culturels. On ajoute, on retaille pour se mettre en harmonie avec les envies du moment. On ne craint ni de placer une partie de piano sous les sonates pour violon seul de Bach ou les Caprices de Paganini – Robert Schumann lui-même s'est livré à cet exercice... –, ni d'interpréter au violon ou au violoncelle les pages pour piano les plus célèbres de Chopin. Fleurissent sous les formes les plus diverses une nuée de paraphrases ou de fantaisies inspirées des airs d'opéras à la mode. Il n'est pas jusqu'au pudique Claude Debussy qui ne transcrive sa Plus que lente – initialement pour piano seul – pour un orchestre de salon. Bref, une liberté parfois proche de la licence et dont les résultats sont clairement datés. Certes, les plus grands ensembles de musique de chambre ne se livraient guère à d'aussi condamnables excès et, bien au contraire, se distinguaient par la rigueur avec laquelle ils abordaient le grand répertoire. Il n'en reste pas moins vrai que l'air du temps et le voisinage de ces œuvres légères et pièces de virtuosité facile n'ont pas été sans influence sur leur jeu. La rigueur du tempo n'est pas considérée comme une règle inflexible. Un espace de liberté est offert aux interprètes, qui abordent les pages les plus exigeantes sans respect paralysant, avec une souplesse expressive voisine de l'improvisation et le souci premier de transmettre l'émotion dans toute son intensité. Face à ce but suprême, quelques menues privautés – glissandos appuyés, ralentis exagérés, accrochages techniques variés – sont de peu d'importance. Le disque, privé des possibilités de retouche, est compris comme le prolongement du concert, dont il préserve le naturel et la spontanéité. Il conserve des « premières fois » qui ont une allure, une fraîcheur d'inspiration et une sorte de regard émerveillé sur la musique qui les rendent souvent inestimables. Des familiarités avec la musique ? Peut-être ! Mais quel triomphe pour la musique de chambre !

Un public séduit

Entre la musique de chambre et son public, c'est une véritable lune de miel. Dans les programmes, la « musique sérieuse » et celle qui l'est moins sont intimement mêlées. Les auditeurs passent sans difficulté de Schön Rosemarin de Fritz Kreisler à la Sonate « à Kreutzer » de Beethoven, de Cécile Chaminade à Mozart. Ce cocktail au goût sucré plait à tous les palais et, pour de bonnes ou de mauvaises raisons, la séduction opère. Le public, plus restreint que celui que nous connaissons aujourd'hui, se recrute essentiellement dans les couches aisées de la population. Dans les salons de l'élite parisienne comme dans ceux de la petite bourgeoisie de province trône le piano, instrument pivot de nombreuses formations de musique de chambre. On s'y réunit souvent, simples amateurs et pratiquants de niveau divers, autour de sonates ou mélodies. Le genre se valorise. Au-delà des chefs-d'œuvre hérités des périodes classiques et romantiques, il continue, à la fin du xixe siècle et au début du xxe, à s'alimenter régulièrement en partitions nouvelles. Piotr Ilitch Tchaïkovski, Gabriel Fauré, César Franck, Edward Elgar, Georges Enesco, Bedřich Smetana, Antonín Dvořák, Leoš Janáček, Joaquín Turina, Zoltán Kodály, Ernest Chausson, Guillaume Lekeu, Vincent d'Indy, Bohuslav Martinů, Albéric Magnard, Max Reger, Claude Debussy, Frank Bridge ou Maurice Ravel offrent des pages qui sont rapidement adoptées par un large public. Béla Bartók, Paul Hindemith, Serge Prokofiev, Alban Berg, Anton von Webern, Arnold Schönberg, Charles Ives et Alexander von Zemlinsky proposent parallèlement des œuvres plus exigeantes qui ouvrent de vastes perspectives. Rares sont les interprètes qui, comme Vladimir Horowitz, ne s'y adonnent qu'épisodiquement. Pierre Monteux – de même que le compositeur et altiste Paul Hindemith – fait partie d'un quatuor ; des chefs d'orchestre comme Bruno Walter, Wolfgang Sawallisch et Wilhelm Furtwängler ou des pianistes aussi réputés que Walter Gieseking, Edwin Fischer et Alfred Cortot se font un devoir de tenir le clavier au cours de soirées de mélodies ou de lieder. La musique de chambre a déjà émigré dans les salles de concert mais elle offre encore ce contact chaleureux qui était réservé jusque là aux auditoires restreints des salons.

Écrit par

Pierre BRETON : musicographe
Marc VIGNAL : musicologue, journaliste  Sur : https://www.universalis.fr/encyclopedie/musique-de-chambre/

Compositeur : Jacob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy (3 février 1809 - 4 novembre 1847) 
Interprètes : Beaux Arts Trio 
Année d'enregistrement : 2004 

Trio pour piano n° 1 en ré mineur, op. 49 (pour piano, violon et violoncelle) écrit en 1839. 

•  00:00 - I. Molto allegro ed agitato 
•  10:05 - II. Andante con moto tranquillo 
•  17:54 - III. Scherzo : Leggiero e vivace 
•  21:50 - IV. Finale : Allegro assai appassionato

Le 1er Trio pour piano a été publié en 1840 et a depuis été reconnu comme l'une des meilleures œuvres de chambre du compositeur (avec son Octuor, op. 20) et est l'une de ses plus populaires. C'est une pièce vivante et mélodique qui est satisfaisante à interpréter. Après son travail initial sur le Trio, op. 49, Ferdinand Hiller, pianiste et ami de Mendelssohn, a suggéré au compositeur de réviser la partie de piano pour la rendre plus brillante. C'est cette pièce qui a incité Schumann, dans une critique, à affirmer que « Mendelssohn est le Mozart du XIXe siècle, le plus éclairant des musiciens... » 

• Sans introduction, le violoncelle énonce le thème principal, chantant, du premier mouvement sur un accompagnement syncopé au piano. Plus tard, le violon le rejoint avec une version déformée du thème. Des variations du thème remplissent la transition vers le second sujet, une mélodie arquée sur la dominante, également introduite par le violoncelle. Mendelssohn fragmente et superpose les deux thèmes dans le développement, qui ne s'éloigne guère de ré mineur, la tonalité sur laquelle le mouvement se termine. Dans la réexposition, Mendelssohn ajoute une contre-mélodie au violon pour soutenir le retour du thème principal.
• Le piano introduit le deuxième mouvement, Andante con moto tranquillo, avec la mélodie à la main droite et l'accompagnement réparti entre les mains, comme dans plusieurs Lieder sans paroles de Mendelssohn (notamment l'opus 62, n° 1). En dessous, la ligne de basse au piano avance méthodiquement et doit être soigneusement équilibrée avec la figure d'accompagnement et la mélodie. Après que le piano a énoncé le thème lyrique de huit mesures, le violon le reprend avec un contrepoint au violoncelle.
• Le Scherzo de Mendelssohn est concis et léger. Comme dans l'Andante, le piano énonce d'abord le thème principal, qui se réduit presque aussitôt à des fragments. Un germe rythmique du premier thème imprègne le mouvement, sauf dans la section centrale, plus lyrique, dont le thème rappelle le matériau du premier mouvement.
• Après les premières pages, le Finale commence à paraître lourd, en grande partie à cause de la partie de piano chargée. Toutes les formes d'écriture pour clavier sont présentes dans le mouvement, des accords en position rapprochée aux arpèges tourbillonnants et aux octaves chromatiques. Les passages cantabile sont rafraîchissants, tout comme le passage en ré majeur peu avant la conclusion.

la première question qui se pose

" existe t-il une différence entre un orchestre symphonique et un orchestre philharmonique "

that is the question.....

Quelle est la différence entre un orchestre symphonique et un orchestre philharmonique ?

Par Clémence Lengagne  Publié le mardi 24 mars 2020 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/quelle-est-la-difference-entre-un-orchestre-symphonique-et-un-orchestre-philharmonique-8783788

Connaissez-vous la différence entre l'Orchestre national de France et Orchestre philharmonique de Radio France ? Entre l'Orchestre symphonique allemand ou l'orchestre philharmonique de Berlin ? Contrairement à l'idée reçue, ce n'est pas (forcément) la taille qui compte...

Lorsque l’on parle d’un orchestre philharmonique, on pense en premier lieu à un grand orchestre symphonique (avec ou sans chœur) qui interprète les œuvres du répertoire romantique, post-romantique et moderne. Mais en réalité, si différence il y a, il faut regarder du côté historique.

Quels sont les différents types d’orchestre ? 

Il existe diverses façons de nommer un orchestre : baroque, de chambre, harmonique, symphonique et philharmonique. Le baroque se distingue des deux autres par les instruments et le répertoire joués qui correspondent à une certaine période de l'histoire de la musique. L'orchestre de chambre diffère des autres formations par son nombre restreint d'instrumentistes. Quant à la distinction entre symphonique et philharmonique, les frontières semblent plus floue.  

Un orchestre symphonique et un orchestre philharmonique sont tous deux composés de toutes les familles d’instruments : cordes, bois, cuivres  et percussions. La formation dite classique de l’orchestre pour lequel Haydn ou Mozart écrivent est composée du quintette à cordes traditionnel (violon 1, violon 2, alto, violoncelle, contrebasse), des vents par deux (deux flûtes traversières, deux hautbois, deux clarinettes, deux bassons, deux cors et deux trompettes) et de timbales. 

En 1830, Berlioz ajoute la harpe dans sa Symphonie Fantastique, le trombone passe de simples interventions à une véritable place dans l’orchestre. L’ensemble des cuivres tels que nous les connaissons vont venir s’ajouter, et les timbales ne sont plus les seules percussions  présentes, les bois ne sont plus nécessairement par deux. L’effectif de  l’orchestre ne fait que croître (parfois avec des ajouts de chœurs), et les pupitres de cordes doivent être augmentés en conséquence : c’est souvent cet effectif qui est qualifié de « philharmonique ». 

La petite histoire de la philharmonie

Le mot philharmonie provient du grec -phile qui signifie aimer, ami, personne qui aime ; et harmonie qui signifie union, agrément, jonction, mais aussi musique dans une traduction plus récente. C'est pour cela que les salles de concert reprennent le terme de philharmonie, car en son sein, se réunissent les amoureux de la musique.

Si l’on conjugue toutes ces définitions, une philharmonie est donc un rassemblement de personnes qui aiment la musique. Ces réunions se font au sein de sociétés philharmoniques, une « association musicale d'amateurs ou de professionnels, destinée à donner des concerts » (Larousse). Les orchestres philharmoniques peuvent donc désigner un ensemble issu de cette tradition associative ou qui veut s'affilier à celle-ci. De façon plus pragmatique, il peut aussi s'agir d'une formation qui veut se démarquer d'un ensemble symphonique déjà présent. 

Ces associations réunissent beaucoup d'adhérents dont des chanteurs. Ils peuvent jouer des répertoires qui réunissent les deux ensembles, souvent utilisés au XIXe et dans la première moitié du XXe siècle. Les orchestres philharmoniques sont associés à un répertoire plus moderne que l'orchestre symphonique qui renvoie à un répertoire classique jusqu'aux débuts du romantisme, lorsqu'il commence à s'étoffer. 

Par Clémence Lengagne  Publié le mardi 24 mars 2020 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/quelle-est-la-difference-entre-un-orchestre-symphonique-et-un-orchestre-philharmonique-8783788

Orchestre philharmonique de Dublin

Différence entre symphonie et philharmonique

Sur :

https://fr.differkinome.com/articles/music-entertainment/difference-between-symphony-and-philharmonic.html

Symphonie vs Philharmonique

La différence entre symphonie et philharmonique réside dans la manière dont les joueurs de symphonies aiment se référer à eux-mêmes. Nous verrons comment cela se passe. Le mot orchestra est très ancien et vient d'un mot grec qui signifie une zone devant la scène qui est généralement réservée au refrain. Dans les temps modernes, on en vient à faire référence à un groupe de musiciens qui s'assoient ensemble et jouent de divers instruments de musique. Quand la taille de l’orchestre est petite et qu’il y a environ 50 joueurs, on parle de orchestre de chambre, avec une taille de 80 à 100 joueurs, on peut appeler cela un orchestre symphonique ou un orchestre philharmonique. Beaucoup de gens restent confus quant aux différences entre symphonie et orchestre philharmonique. Cet article va tenter de trouver des différences, le cas échéant. Cependant, à la fin de l’article, vous verrez qu’il n’ya pas lieu d’être confus..

Qu'est-ce qu'un orchestre symphonique??

La plupart du temps, c’est l’orchestre de chambre qui joue de la symphonie devant une foule régulière, mais il arrive parfois qu’un plus grand nombre de musiciens se réunissent pour jouer une symphonie. Un tel orchestre s'appelle orchestre symphonique et compte généralement 80 musiciens, mais leur nombre peut être plus ou moins fonction du morceau de musique ainsi que de l'occasion ou du lieu. Orchestre symphonique joue de la musique symphonique. En outre, il transporte différents types d'instruments tels que les instruments à cordes, à vent, en cuivre et à percussion. Le London Symphony Orchestra est un exemple d’orchestre symphonique..

Qu'est-ce qu'un orchestre philharmonique??

Un orchestre philharmonique est aussi un orchestre symphonique. Il a le même nombre de joueurs. elle se situe également entre 80 et 100. Un autre facteur commun est la variété des instruments appartenant à de nombreuses catégories telles que les instruments à cordes, les bois, les cuivres et les instruments à percussion..

Pour déterminer s'il existe une différence entre symphonie et orchestre philharmonique, prenons l'exemple de l'orchestre philharmonique de Londres et de l'orchestre symphonique de Londres. Ici, on constate que ces deux orchestres différents jouent bien connus, de même que des compositions obscures et qu’ils ont tous deux le même nombre de musiciens allant de 80 à 100 comparé à l’orchestre de chambre, qui compte généralement une cinquantaine de musiciens. Donc, il s’agit vraiment d’une question de nomenclature; rien de plus quant à pourquoi un orchestre s'appelle symphonie ou philharmonique. En fait, cela revient souvent à ce qu'un groupe de musiciens aime être appelé par d'autres. Il est arrivé que des symphonies se soient effondrées, pour ensuite renaître sous forme d'harmonies philharmoniques..

Quelle est la différence entre Symphony et Philharmonic?

• définition:

Un groupe de musiciens qui s'assoient ensemble et jouent de divers instruments de musique s'appellent un orchestre. Selon le nombre de joueurs, les orchestres peuvent être divisés en deux. Ils sont orchestre de chambre et orchestre symphonique.

• Orchestre de chambre:

L'orchestre de chambre est un petit orchestre qui compte environ 50 joueurs. Pas plus que ça. Comme cet orchestre est très petit, tous les joueurs peuvent jouer des instruments à cordes. Ils jouent également des airs plus anciens qui ont été composés pour les musiciens à jouer dans la salle privée et de tels lieux.

• Orchestre symphonique:

Un orchestre symphonique est un grand orchestre composé de 80 à 100 personnes..

• Orchestre philharmonique:

Parfois, certains orchestres symphoniques s’appellent Philharmonique, au lieu d’utiliser le terme symphonie. C'est une question d'identité. Ceci est fait spécialement pour que le public ainsi que les joueurs s'identifient à un groupe particulier.

Ainsi, il n'y a pas de différence dans le nombre de joueurs, la musique jouée ou les instruments utilisés entre symphonie et orchestre philharmonique. La différence est uniquement dans le nom comme moyen de s'identifier.

Comme vous pouvez le constater, la différence entre orchestre symphonique et orchestre philharmonique réside uniquement dans son nom. Cette différence est utilisée par différentes symphonies afin qu'elles puissent s'identifier séparément des autres. Si les deux groupes symphoniques londoniens, que nous avons pris comme exemple, avaient le même nom que le London Symphony Orchestra, comment allons-nous les identifier? Cette différence de nom se retrouve principalement dans les grandes villes où se trouvent plusieurs symphonies. Comme ils jouent tous les deux le même genre de musique, vous pourrez vous amuser de la même manière, que vous choisissiez une symphonie ou un orchestre philharmonique..

Sur :

https://fr.differkinome.com/articles/music-entertainment/difference-between-symphony-and-philharmonic.html​​​​​​​

L’ orchestre symphonique et philharmonique

Sur : https://pedagogie.acorleanstours.fr/documents/pdf/orchestre.pdf

 L'orchestre symphonique et l’orchestre philarmonique sont constitués de trois familles d'instruments : les cordes, les vents (les bois et les cuivres), les percussions.

La composition précise de l'orchestre dépend de l'œuvre exécutée ​​​​​​​ Chaque famille comprend un premier soliste dont le rôle est de jouer les parties solo d'une partition orchestrale, mais aussi de diriger des répétitions partielles de son pupitre. Les autres musiciens sont appelés des tuttistes. Dorénavant, orchestre symphonique et philharmonique sont identiques ; ces termes servent principalement à faire la différence entre deux orchestres basés dans une seule ville.
 Si l’on se réfère à l’histoire des orchestres,-l’orchestre
 symphonique avait pour mission de savoir jouer une symphonie,-l’orchestre philharmonique désigne la réunion de musiciens qui souhaitaient se réunir et jouer ensemble. Cet orchestre est géré par une association philharmonique

20 mars 2018  Orchestre Philharmonique de Radio France Antonín Dvořák Madame Marzena Diakun

Marzena Diakun dirige l'Orchestre philharmonique de Radio France dans la Symphonie n°9 « Du Nouveau Monde » d'Antonín Dvořák. Enregistré le 15 mars 2018 à l'Auditorium de la Maison de la Radio (Paris).

Antonín Dvořák 

Marzena Diakun Orchestre Philharmonique de Radio France 

00:00 - Début du concert
00:36 - 1er mouvement : Adagio - Allegro molto
13:30 - 2ème mouvement : Largo 
25:57 - 3ème mouvement : Scherzo molto vivace 
33:27 - 4ème mouvement : Allegro con fuoco

Par la Neuvième Symphonie, créée en 1893 au Carnegie Hall, Dvorak veut montrer l’exemple à ses nouveaux élèves du Conservatoire de New York, dont il est fraîchement nommé directeur. Il veut “poser les premières pierres d’une musique nationale” américaine tout en restant dans une structure classique. 

On trouve dans sa symphonie des chants et des danses indiennes, ainsi que des spirituals. Toutefois les influences de la musique tchèque se font très présentes, ainsi sa symphonie est le témoignage d’un exilé qui parle de son pays d’accueil tout en se souvenant du sien. De plus, aucun thème authentique n’est utilisé, Dvorak bâtit ses propres thèmes sur les caractéristiques de la musique populaire. 

Loin de grands éclats grandiloquents, la symphonie commence par un murmure interrogatif. Lentement, le thème se dessine avant d’être exposé en tutti. Il s’efface derrière une autre idée qui servira à l’unification de tout l’édifice, possiblement inspirée du Chant de Hiawatha, poème épique d’Henry Wadsworth Longfellow. Dans le deuxième mouvement, un motif issu du Scherzo de la Neuvième de Beethoven soude les influences slaves et amérindiennes de la scène de danse. En bâtissant un pont entre l’ancien monde et le nouveau monde, le finale célèbre la naissance de la musique américaine avec un chef d’œuvre de la musique tchèque.

Sur https://www.francemusique.fr/concerts

Qu’est-ce qu’un orchestre symphonique ?

Par Sixtine De Gournay publié le 24/01/2020 Modifié le11/12/2020  sur :

https://www.radioclassique.fr/histoire/instruments/quest-ce-quun-orchestre-symphonique/

Vous êtes déjà allé au concert d’un orchestre ou vous rêvez de vous y rendre un jour. Mais cette masse de musiciens vous laissent perplexe. On vous aide à comprendre ce qu’est un orchestre symphonique et à quoi il sert.

Cordes, bois, cuivres et percussions : ils sont tous réunis dans l’orchestre symphonique

Les cordes jouent la mélodie principale (souvent dévolue aux premiers violons, même si ceux-ci se trouvent aussi confrontés à des passages rapides de grande difficulté qu’on appelle des traits) et l’accompagnement (en général les seconds violons, altos, violoncelles et contrebasses). Les vents (bois et cuivres) assument la même polyvalence, mais sont plus souvent solistes. Lorsqu’ils assument l’accompagnement, les cuivres apportent alors soutien et volume sonore. Les percussions ponctuent le discours musical et varient beaucoup d’une œuvre à l’autre, en fonction de la fantaisie du compositeur – hormis les timbales, toujours fidèle au poste. A partir du XIXème, il faut encore ajouter à tout cela la harpe, et parfois même le piano (dans Petrouchka de Stravinsky, par exemple) ou le célesta (la Danse de la fée Dragée, dans Casse-Noisette de Tchaïkovsky). A partir de cette large palette de timbres, le compositeur soigne les mélanges d’instruments et leurs juxtapositions – c’est-ce qu’on appelle l’orchestration.

Un orchestre symphonique doit-il toujours être constitué d’un grand nombre de personnes ?

Face à un orchestre symphonique, on est frappé par le nombre de personnes sur scène. Pourquoi autant de monde alors qu’il ne faut que trois musiciens pour un trio de Schubert ? Une blague célèbre dans le monde musical raconte qu’un inspecteur totalement néophyte en musique classique aurait préconisé, pour faire des économies, de réduire les nombreux violons à un seul. Motif : ils jouent tous la même chose. Pourtant, le nombre de musiciens sur scène est soigneusement choisi et dépend de l’œuvre interprétée. Question d’équilibre sonore entre les parties. Le nombre d’instrumentistes à cordes est calculé en fonction de celui des instrumentistes à vent. Pour jouer Wagner, on se retrouve ainsi avec un orchestre total de plus de cent personnes alors qu’une symphonie de Haydn rend très bien avec trois fois moins de musiciens !

L’orchestre symphonique

Quelle différence entre un orchestre symphonique et philharmonique ? Qu’en est-il de l’orchestre d’harmonie ?

Au XIXème, un orchestre était appelé “philharmonique” quand ses musiciens étaient réunis au sein d’une association, une philharmonie. Un chœur y était aussi parfois attaché. Aujourd’hui on ne fait plus vraiment de différence entre les deux termes. Ils servent plutôt à distinguer deux orchestres dans la même ville. C’est le cas par exemple à Vienne, où le Philharmonique et le Symphonique sont tout à fait autonomes l’un de l’autre. Rien à voir en revanche avec un orchestre d’harmonie ! Là vous trouverez des bois, des cuivres, des percussions… et des contrebasses, seul instrument de la famille des cordes à y figurer. On ne peut donc pas jouer avec un orchestre d’harmonie une œuvre écrite pour un orchestre symphonique. A moins d’y apporter de nombreux changements :  on parle alors de transcription, mais certaines œuvres s’y prêtent mieux que d’autres. Qu’il s’agisse d’un orchestre symphonique ou d’harmonie, les musiciens doivent en tout cas toujours suivre le chef d’orchestre !

Opéra, symphonie, concerto… Quel est le répertoire d’un orchestre symphonique ?

Un orchestre n’est pas toujours seul en scène. Dans le cas d’un concerto, un soliste (voire plusieurs) tien(nen)t la vedette. L’orchestre est alors là pour l’accompagner, ce qui n’exclue pas de beaux dialogues entre le soliste et certains instruments de l’orchestre – souvent la flûte ou le hautbois. Même chose quand il s’agit d’un opéra. Mais si c’est une symphonie, alors l’orchestre donne sa pleine mesure. Il sait que le public n’écoute que lui. Le style varie en fonction des époques et des pays des compositeurs. Les musiciens n’ont pas de quoi s’ennuyer ! C’est le directeur musical de l’orchestre – souvent son chef principal – qui choisit les œuvres interprétées durant l’année, parfois en concertation avec des représentants des musiciens. D’autres partitions viennent encore agrémenter le programme des concerts, se rattachant à tel ou tel genre. Dans les œuvres vocales, on trouve par exemple la musique sacrée. Le répertoire d’un orchestre est quasi infini  !

Hélène Grimaud (piano) et l’Orchestre de chambre d’Europe dirigé par Vladimir Jurowski (Concerto en sol de Ravel)

Quels sont les orchestres les plus célèbres dans le monde ?

Si vous demandez à un instrumentiste – tout au moins un européen – quel est le Graal pour un musicien d’orchestre, il y a fort à parier qu’il vous réponde “le Philharmonique de Berlin”. Outre les grands noms qui y sont associés, comme Karajan et Abbado, c’est l’un des concours d’entrée les plus difficiles. Si vous interrogez un collectionneur de disques, il évoquera avec émotion la sonorité des bois du Concertgebouw d’Amsterdam, la brillance des cuivres d’orchestres américains comme Boston, New York et Chicago, ou l’homogénéité du Philharmonique de Vienne. En France, l’un des orchestres qui fait le plus rêver est celui de l’Opéra de Paris, peut-être parce qu’il est indissociable dans l’imaginaire du public du magnifique écrin de l’Opéra Garnier. On aimerait parfois faire le tour du monde… des orchestres. 

Par Sixtine De Gournay publié le 24/01/2020 Modifié le11/12/2020  sur :

https://www.radioclassique.fr/histoire/instruments/quest-ce-quun-orchestre-symphonique/​​​​​​​

La préhistoire de l'orchestre

L'orchestre symphonique est une invention du XIXe siècle. Mais des chapelles princières aux écuries royales, en passant par les premières sociétés indépendantes comme Le Concert spirituel, i...

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/au-coeur-de-l-orchestre/la-prehistoire-de-l-orchestre-3685254

Combien de musiciens y a-t-il dans un orchestre ?

Par Léopold Tobisch publié le vendredi 18 février 2022 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/combien-de-musiciens-y-a-t-il-dans-un-orchestre-5680850

La question peut nous sembler anodine mais sa réponse nous invite à retracer l’histoire même de l’orchestre et son évolution à travers l’histoire de la musique.

L'orchestre tel que nous le connaissons aujourd’hui a été au cœur de la musique occidentale depuis près de trois siècles. Il est l'un des ensembles essentiels de la musique classique et son répertoire constitue bon nombre des plus grands chefs-d’œuvre de la musique occidentale. Mais si l’orchestre est une institution familière, il est néanmoins difficile de répondre même à la plus simple des questions concernant sa forme, et plus précisément sa taille.

En 1788 Wolfgang Amadeus Mozart signe sa célèbre Symphonie no.40 pour un orchestre d’environ 35 musiciens, dont une flûte, deux hautbois, deux clarinettes, deux bassons, deux cors et un ensemble cordes. 122 ans plus tard, le 12 septembre 1910, Gustav Mahler dirige la création de son immense Symphonie no.8. Surnommée la symphonie « des Mille », elle présente un effectif de plus de 1000 interprètes, dont un orchestre d’environ 150 musiciens et plusieurs centaines de choristes.Ces œuvres sont toutes deux composées pour des orchestres dits « symphoniques » mais pourtant ces ensembles ne se ressemblent point : la taille des cordes seules de Mahler dépasse largement la taille de l’orchestre entier de Mozart. Alors, combien y a-t-il de musiciens dans un orchestre ? Il y a autant de réponses à cette question qu’il y a d’orchestres et d’œuvres pour orchestre. Il serait ainsi mieux de demander « que détermine la taille d’un orchestre ? » 

De la Renaissance à l’orchestre « classique »

À l'aube du XVIIe siècle, il n’existe pas d'ensemble à l'image de l'orchestre. Les premiers « orchestres » sont plutôt des ensembles d’instruments divers, principalement assignés à des rôles d’accompagnement à l’opéra et au théâtre. Les partitions d’ensembles indiquent rarement une instrumentation précise, ni le nombre d’interprètes.  En 1607, pour son célèbre opéra L’Orfeo, le compositeur italien Claudio Monteverdi sera l’un des premiers compositeurs à noter une sélection précise d'instruments, arrangés en groupes. L'opéra de la Renaissance posera la première pierre des fondations de l'instrumentation orchestrale.

Les ensembles d'opéra et de théâtre deviennent progressivement plus formels à mesure que des théâtres de cours aristocratiques, puis des opéras publics, sont créés. Les paramètres de l'orchestre ne sont alors pas encore décidés mais une chose semble néanmoins se concrétiser : les cordes sont au cœur de l'orchestre, autour desquelles sont ajoutés des vents et un clavier continuo. La transformation de ces ensembles instrumentaux en orchestres commence notamment en France vers le milieu du XVIIe siècle, mais aussi en Italie et en Allemagne à l’Ecole de Mannheim, avant de se propager à travers l'Europe. Un siècle plus tard, les plus grandes villes et cours royales affichent chacune leur propre ensemble qu’ils nomment « orchestre » (ou qui ressemblent à des orchestres sans porter le nom). 

Cependant, la taille et la constitution instrumentale des orchestres varient en fonction de conditions autant pratiques que financières.  Les orchestres pour des oratorios sont habituellement plus grands que les orchestres interprétant des symphonies, qui sont à leur tour plus grands que les orchestres de concertos. D'autres nuances séparent les orchestres par pays : les orchestres français ont tendance à avoir plus de violoncelles que de basses, et les orchestres italiens plus de basses que de violoncelles.

Ce n’est qu’avec la diffusion internationale au cours du XVIIIe siècle de compositeurs et d’œuvres pour orchestres qu’une idée précise de la forme de l’orchestre se concrétise progressivement à travers l’Europe. L'instrumentation se standardise notamment à travers les œuvres composées pour l’orchestre, dont notamment les symphonies de Haydn, Mozart et Beethoven. Ce sont ainsi les compositeurs, et plus précisément leurs œuvres pour orchestre, qui déterminent la taille et les composants de l’orchestre au cours du XVIIIe siècle.

L’orchestre du XIXe siècle : toujours plus grand

Les évolutions et révolutions technologiques du XIXe siècle annoncent de grands changements pour l’orchestre "classique" de l'époque. Les avancées de la fabrication instrumentale permettent à de nouveaux instruments de rejoindre la famille des bois, dont la flûte piccolo, le cor anglais, la clarinette basse et le contrebasson.

L’arrivée des pistons chez les cuivres déclenche une croissance rapide de cette famille dans la musique symphonique. Arrivent également le tuba et le trombone, ce dernier jusqu’alors souvent limité aux contextes de la musique liturgique. Cette croissance des vents, sans oublier la montée en puissance de la percussion, nécessite un agrandissement de la famille des cordes afin de retrouver un juste équilibre entre les différentes sections de l’orchestre. 

À cela s'ajoute l'agrandissement général des salles de concert. Alors que les premiers orchestres jouent principalement dans des cours royales et les théâtres pour un public privilégié, ils se retrouvent au XIXe siècle dans des contextes sociaux plus variés, ouverts à un public plus large dans des salles de concert plus grandes, nécessitant ainsi une plus grande force sonore.

Si les bases de l’orchestre sont déterminées par les compositeurs du XVIIIe siècle, elles seront réinventées par ceux du XIXe, dont Beethoven, Brahms, Wagner et Mahler. Ces derniers porteront l’orchestre symphonique vers de nouvelles ampleurs de taille et de complexité musicale sans précédent.

L’orchestre du XXe siècle : une question d’argent

La taille d’un orchestre dépend principalement de la bonne santé de l'origine de son financement. Nombreux sont les orchestres aux XVIIIe, XIXe et XXe siècles obligés de réduire leur effectif ou même de se dissoudre suite aux disruptions sociales ou économiques de l'époque (révolutions, réformes, guerres, krach financiers…).

Au début du XXe siècle, les orchestres symphoniques sont au plus grand, mieux financés et mieux formés. Par conséquent, les œuvres pour orchestre sont plus grandes et plus ambitieuses. Mais les bouleversements politiques et les empires brisés à la suite des deux guerres mondiales secouent les fondements de l'orchestre en tant qu'institution.

Après une période de croissance extrême au XIXe siècle, le XXe siècle annonce une réduction majeure de la taille de l'orchestre professionnel et de ses structures de soutien traditionnelles. Les compositeurs se voient ainsi contraints d'écrire pour des forces plus modestes, pour des raisons plus économiques qu'esthétiques.

À l’issue de la Seconde Guerre mondiale, les petits orchestres de chambre ainsi que les orchestres dits « sinfonietta » (composés en moyenne d’un seul représentant de chaque instrument de l’orchestre) gagnent en popularité en raison de leur petit effectif moins coûteux. La croissance des orchestres symphoniques stagne au courant du XXe siècle pour rester en moyenne autour de 80 musiciens.

Mais les forces orchestrales varient considérablement encore aujourd’hui, selon de nombreuses conditions, dont l'économie générale, la taille et l'acoustique de la salle, les souhaits particuliers du chef ou d’une tradition locale mais surtout le répertoire. Il n’existe donc pas un seul orchestre mais plutôt des orchestres, à choisir selon le compositeur : l’histoire de l'ensemble est ainsi celle de ses instruments et de leur usage à travers les trois derniers siècles. 

« Stokowski shift », une révolution dans        l'histoire de l'orchestre

Leopold Stokowski, créateur de l'orchestre moderne ? © Getty - Transcendental Graphics

Par Léopold Tobisch publié le vendredi 11 février 2022 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/stokowski-shift-une-revolution-dans-l-histoire-de-l-orchestre-8999391

Leopold Stokowski, créateur de l'orchestre moderne ?

Jusqu’au début du XXe siècle, la disposition instrumentale des orchestres était très différente de celle que nous connaissons aujourd’hui. Ce changement intervient avec le « Stokowski shift », implémenté par Leopold Stokowski.

Il existe une configuration traditionnelle de l’orchestre largement acceptée : les violons à gauche du chef d'orchestre, les altos au centre et les violoncelles et les contrebasses à droite, avec les vents et la percussion derrière.

Mais cet arrangement « traditionnel » de l’orchestre tel que nous le connaissons aujourd’hui ne date que d'un siècle seulement, et est le fruit d'une reconfiguration radicale de l'orchestre par le célèbre chef d’orchestre Leopold Stokowski. 

L’orchestre pré-Stokowski

Aux XVIIIe et XIXe siècles, les premiers et seconds violons ne sont pas regroupés à la gauche de la scène mais plutôt placés l’un en face de l’autre, à gauche et à droite, avec les cordes basses au milieu. Cette disposition permet de créer une antiphonie musicale entre les deux groupes de violons, technique surtout exploitée par Joseph Haydn au début du XVIIIe siècle.

En effet, une grande partie de ses œuvres pour orchestre mettent en avant une antiphonie entre les violons, conversation musicale par laquelle les premiers et seconds violons dialoguent. Un effet « stéréo » que l’on peut retrouver dans les œuvres d’innombrables compositeurs, dont Mozart, Beethoven, Brahms, Tchaïkovsky, Elgar et Mahler.

Malgré les nombreuses évolutions que subit l'orchestre au cours du XIXe siècle, cette disposition reste quasiment inchangée jusqu’au début du XXe siècle. Les plans de scène des plus grandes salles, dont le Leipzig Gewandhaus, les Philharmonies de Berlin et de New York, et l’Orchestre de Philadelphia indiquent tous un placement séparé des violons afin d’exploiter cet effet antiphonique. 

Le « Stokowski shift »

Souffle alors au début du XXe siècle un vent de changement du nom de Leopold Stokowski. Le chef d’orchestre britannique, alors à la tête de l'Orchestre de Philadelphie aux Etats-Unis, propose un changement considérable : placer les vents devant les cordes, et les contrebasses au fond de la salle. La radicalité de son idée ne manquera pas d’interpeler la presse nationale américaine :

« Expérimenter avec la disposition de l'orchestre est une vieille histoire, mais de telles expériences ont généralement été menées de telle manière que les traditions de base n'ont pas été perturbées […] En comparaison de ces changements conservateurs, l'action de M. Stokowski est aussi radicale que celle d'un entraîneur de football qui déciderait de placer toute sa ligne de défense légèrement en avant de la ligne d’attaque » écrit le Chicago Tribune le 24 mars 1940.

 La nouvelle disposition radicale de l'orchestre de Leopold Stokowski - The Chicago Tribune

L’idée de Stokowski met en valeur la famille des bois, moins nombreuse et d’un timbre plus doux que le reste de l'orchestre. L’acoustique est rééquilibrée, et cela permet de mieux exposer les instruments à vent que le public connait moins.  Mais le comité de direction de l’orchestre craint que cette mise en avant des vents, dont certains comme les trombones sont moins sollicités que les cordes au cours d’une œuvre, ne donne une image oisive aux yeux du public et des donateurs.

Stokowski n'abandonne pas son idée de trouver la disposition parfaite pour son orchestre. Il décide de regrouper les violons à sa gauche, et de décliner la famille des cordes des plus aigus aux plus graves, de gauche à droite, afin de permettre aux musiciens de mieux pouvoir s’entendre ainsi que de mieux étaler les timbres des cordes.

Cette nouvelle disposition ne sera pas acceptée du jour au lendemain, et certains pays se montrent réticents à l’idée de changer leurs configurations orchestrales, dont l’Allemagne et l’Autriche. Cependant, cette nouvelle disposition,  surnommée le « Stokowski Shift » [le « virage Stokowski »], gagne progressivement en influence et parvient à séduire les autres orchestres américains ainsi que les orchestres britanniques. 

L’impact du « shift »

Un tel changement dans la disposition des musiciens de l’orchestre n’est pas anodin. Le « Stokowski Shift » se fait également ressentir dans les nouvelles œuvres orchestrales, lorsque les compositeurs s'attaquent à cette configuration orchestrale. La Symphonie n°5 de Dimitri Chostakovitch, par exemple, divise les violons en trois voix distinctes, ce qui est impossible à réaliser si les premiers et seconds ne sont pas regroupés en une seule force sonore.

Alors que les symphonies des maîtres du passé mettent en avant un dialogue musical antiphonique entre les violons, le rapprochement des violons en une seule masse sonore change les rôles accordés aux voix aigues des cordes.

Les violons passent à une forme d’écriture unie, où les seconds violons sont désormais souvent chargés de soutenir les premiers de façon harmonique et sonore. Les œuvres orchestrales des plus grands compositeurs de l’époque, dont Rachmaninov, Chostakovitch, Stravinsky et Copland, suivent clairement cette nouvelle disposition sonore.

Cependant, un compromis est adopté par certains orchestres qui souhaitent maintenir le rassemblement des violons du « Stokowski Shift » tout en inversant la disposition des cordes basses. Ils placent alors les altos à droite du chef et les violoncelles au milieu, afin de centraliser la puissance grave du son. Courante en Allemagne et en Autriche au cours du XXe siècle, cette disposition est toujours utilisée aujourd’hui entre autres par l'Orchestre philharmonique de Berlin et l'Orchestre de Cleveland.

Si le « Stokowski Shift » s'est enraciné dans l'orchestre moderne, il ne doit pas réécrire l'histoire de la musique. Les œuvres symphoniques des XVIIIe et XIXe siècles profitent incontestablement d'une pensée antiphonique parmi les violons. Afin de mettre en évidence ces caractéristiques, il serait ainsi nécessaire, selon les œuvres programmées, de séparer les violons en deux sections différentes, afin de faire ressortir ces caractéristiques.

Par Léopold Tobisch publié le vendredi 11 février 2022 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/stokowski-shift-une-revolution-dans-l-histoire-de-l-orchestre-8999391

Les cuivres

Cors, trompettes, trombones, tubas : les pupitres qui forment la fanfare passent pour les grandes gueules de l'orchestre, mais la puissance est loin d'être leur seul mode d'expression.

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/au-coeur-de-l-orchestre/les-cuivres-6091133

Les orchestres, tout un monde

Orchestre national d’Île-de-France - 2025

Sur : https://www.orchestre-ile.com/page/les-orchestres-tout-un-monde

Qu’est-ce qu’un orchestre ?

Un orchestre est un ensemble de musiciens, qui se réunissent pour interpréter des œuvres musicales devant un public. Il existe plusieurs types d’orchestres : orchestre de chambre, ensemble baroque, orchestre symphonique ou philharmonique… Comment les différencier ?
 
Les différents types d’orchestres
 
L’ensemble baroque

L’ensemble baroque, comme son nom l’indique, est un ensemble destiné à interpréter des œuvres du répertoire des XVIIe et XVIIIe siècles.
« La notion d’orchestre en musique baroque correspond tout simplement à une « collection » d’instruments. » selon William Christie.
 
L’orchestre de chambre

L’orchestre de chambre est composé d’une vingtaine à une cinquantaine de musiciens. Cet orchestre, couramment appelé « orchestre Mozart » interprète des œuvres du XVIIème au XIXème siècles. Il est organisé autour du quintette à cordes : premiers violons, seconds violons, altos, violoncelles et contrebasses. L’orchestre de chambre est dirigé soit par le premier violon soit par un chef d’orchestre.
 
L’orchestre symphonique

L’orchestre symphonique a un effectif plus important que l’orchestre de chambre. L’effectif varie selon le répertoire interprété. Pendant la période romantique, l’effectif augmente considérablement : le piccolo, le cor anglais, la clarinette basse, le saxophone, le contrebasson, les trombones ou le tuba s’ajoutent à l’effectif classique. Au XXe siècle, l’orchestre peut atteindre un effectif de 100 musiciens ou plus.
 
Lorsque l’orchestre symphonique interprète des opéras ou des ballets, il est placé dans la fosse d’orchestre afin de laisser l’espace de la scène aux chanteurs/danseurs et à tout ce qui concerne la représentation scénique (décors, costumes, lumières et déplacements). Placé au centre de la fosse, sur un podium surélevé, le chef d’orchestre dirige à la fois les musiciens et les chanteurs. Il veille à réaliser un équilibre entre la scène et l’orchestre.
 
L’orchestre philharmonique

L’orchestre philharmonique est le plus important des orchestres classiques. Les instruments sont plus nombreux que dans l’orchestre symphonique (tuttistes et solistes), la petite et la grande harmonie sont renforcées et/ou dédoublées.
 

Quels sont les instruments qui composent l’orchestre symphonique ?
 
Les cordes

Les instruments à cordes sont à leur tour divisés en plusieurs familles :
les cordes pincées : la harpe
les cordes frappées : le piano
les cordes frottées : les violons, altos, violoncelles et contrebasses
Notons que les instruments à archet tels que le violon ou la contrebasse, peuvent être aussi joués en pinçant les cordes. On appelle ce mode de jeu « pizzicato ».
 
Les instruments à vent

Les instruments à vent sont tous les instruments dans lesquels il faut souffler pour émettre un son. Ces instruments sont classés en deux catégories : les bois (ou petite harmonie) et les cuivres (ou grande harmonie).
 
Les bois comprennent les flûtes, les hautbois, les clarinettes, les bassons… Ces instruments ont une origine très ancienne et leurs « ancêtres » étaient fabriqués en bois. C’est pourquoi ils sont encore aujourd’hui appelés les bois. Aujourd’hui, les instruments peuvent être en métal ou, comme à l’origine, en bois. Certains sont à hanche simple comme la clarinette, d’autres à hanche double comme le hautbois et le basson.

Les cuivres comportent la trompette, le trombone, le tuba, le cor… Les notes s’obtiennent en actionnant des pistons qui ouvrent et referment des tuyaux ou une coulisse (trombone). Le timbre des cuivres dépend de leur facture. Leur ambitus sonore dépend de la longueur de leurs tuyaux.
 
Les percussions

Les percussions sont des instruments sur lesquels il faut « percuter » pour produire un son. Ces instruments produisent une grande variété de sons : on peut les secouer, les frapper, les frotter… Il existe un nombre illimité de percussions. Les matières utilisées pour les fabriquer sont diverses : bois, peau, métal… Il existe des percussions à sons fixes et des percussions à sons variables. Les percussions ont une fonction principalement rythmique et timbale. Seules quelques-unes peuvent produire de véritables mélodies (les claviers, par exemple xylophone, marimba, etc.). La timbale a un rôle à part dans le pupitre des percussions puisqu’elle est le seul instrument à percussion qui s’accorde.
 
La disposition des instruments de l’orchestre en demi-cercle autour du chef d’orchestre est liée au fait que tous les musiciens puissent voir

Orchestre national d’Île-de-France - 2025​​​​​​​

Sur : https://www.orchestre-ile.com/page/les-orchestres-tout-un-monde

la Symphonie n° 1 en do majeur, op. 21 de Ludwig van Beethoven.

Elle est ici interprétée au Beethovenfest Bonn 2021 par l'Orchestre symphonique de la radio de Vienne de l'ORF dirigé par Michael Boder au World Conference Center de Bonn (WCCB). ( 00:00 ) I. Adagio molto – Allegro con brio ( 09:17 ) II. Andante cantabile con moto ( 16:18 ) III. Menuetto : Allegro moto e vivace ( 19:50 ) IV. Ludwig van Beethoven (1770-1827) aurait esquissé ses premiers thèmes pour la symphonie en 1794, les développant principalement en 1799, la première ayant lieu à Vienne le 2 avril 1800. La Symphonie n° 1, dirigée par Beethoven lui-même, a rencontré dès le départ le succès public et reste à ce jour l'une des symphonies les plus populaires de Beethoven. Cela est peut-être dû en grande partie au fait que la première symphonie de Beethoven s'inscrit encore formellement dans le style des symphonies classiques de Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart. On peut toutefois déjà présager dès le départ que Beethoven orientera sa propre œuvre symphonique vers de nouvelles directions. En effet, le tout premier accord lui-même est une nouveauté ; Beethoven commence la symphonie non pas en do majeur, mais par un accord de septième dissonant, suspendu tel un point d'interrogation, ne trouvant sa solution qu'après une introduction calme. Seul le thème principal du premier mouvement est en do majeur – la tonalité d'origine de la symphonie. Son rythme de marche rappelle les motifs entraînants de la musique révolutionnaire française. Le caractère dansant et florissant du premier mouvement devient emblématique de la symphonie tout entière. La Première Symphonie de Beethoven : une œuvre classique, pleine d'exubérance, où le style charismatique du compositeur transparaît clairement.

Les instruments incontournables d’un orchestre symphonique

Orchestre Symphonique par Music Classics sur : https://www.musiclassics.fr/les-instruments-incontournables-dun-orchestre-symphonique/

Les instruments d’un orchestre symphonique sont essentiels pour créer une harmonie musicale unique. Chaque musicien joue un rôle crucial en interprétant des œuvres célèbres. Nous allons explorer les instruments à cordes, les instruments à vent, et les instruments de percussion et cuivres.

Ces instruments sont clés pour jouer les pièces orchestrales. Ils apportent une richesse incomparable à la musique classique.

1. Introduction à l’orchestre symphonique

2. Les instruments à cordes dans un orchestre symphonique

• Le violon
• L’alto
• Le violoncelle
• La contrebasse

3. Les instruments à vent de l’orchestre symphonique

• La flûte
• Le hautbois
• La clarinette
• Le basson

4. Les instruments de percussion et cuivres

• Les timbales
• Le cor
• La trompette

5. Les instruments incontournables d’un orchestre symphonique

•  Rôle et importance de chaque instrument
• Équilibre et harmonie au sein de l’orchestre

6. Conclusion

7. FAQ

• Quels sont les principaux instruments d’un orchestre symphonique ?
• Quel est le rôle du violon dans un orchestre symphonique?
• Quel est l’impact des instruments à vent dans la musique orchestrale ?
• En quoi les timbales se distinguent-elles des autres instruments de percussion ?
• Pourquoi l’équilibre entre les instruments est-il essentiel dans un orchestre ?
• Quelle est l’importance des sections d’instruments à cordes dans un orchestre ?
• Comment les instruments à cuivre contribuent ils à l’ensemble orchestral ?

8. Liens sources

Introduction à l’orchestre symphonique

L’orchestre symphonique est un joyau de la virtuose de la musique. Il rassemble des musiciens talentueux pour créer des moments sonores uniques. Depuis le 18e siècle, il a évolué, offrant différents types d’orchestres comme l’orchestre philharmonique et l’orchestre baroque.

Un orchestre symphonique est composé de plusieurs groupes d’instruments. On y trouve les vents, les cuivres, les percussions et les cordes. Ces groupes créent un équilibre sonore parfait. Les virtuoses de la musique jouent partout dans le monde, touchant les cœurs des auditeurs. 

Comprendre l’évolution des instruments dans l’orchestre est crucial. Les orchestrations modernes sont flexibles, adaptant aux compositeurs d’aujourd’hui tout en respectant l’histoire. Cela montre comment l’orchestre évolue tout en restant fidèle à ses racines. 

Type d’orchestre	Caractéristiques principales	Exemples                d’instruments
Orchestre              symphonique	Grande taille avec un large éventail d’instruments	Violons, trompettes,    timbales
Orchestre de chambre	Plus petit, souvent plus intime	Quatuor à cordes, bois
Orchestre baroque	Instruments d’époque, interprétations historiquement informées	Violons, flûtes traversières
Orchestre        philharmonique	Souvent lié à une institution permanente	Vents cuivrespercussions

La musique d’un orchestre symphonique est un mélange d’habileté et d’histoire. L’introduction à l’orchestre symphonique ouvre la porte à un monde musical riche et fascinant.

Les instruments à cordes dans un orchestre symphonique

Les instruments à cordes sont essentiels dans un orchestre symphonique. Ils ajoutent de la chaleur et de la profondeur sonore. Leur diversité crée des harmonies uniques, allant des mélodies douces aux passages forts.

• Le violon
  1. Le violon est le cœur de l’orchestre. Il est composé de 16 premiers violons et 14 seconds violons. Avec 4 cordes, il produit des sons aigus et lumineux, clés de l’expression musicale.

• L’alto
  1. L’alto est plus grand que le violon. Il ajoute un timbre grave à l’orchestre. Avec 12 altos, il enrichit l’harmonie. Il joue sur 4 cordes, équilibrant les sonorités.​​​​​​​​​​​​​​

• Le violoncelle
  1. Le violoncelle est connu pour sa profondeur émotionnelle. Il est composé de 10 violoncelles, derrière les seconds violons. Évoluant de 5 à 4 cordes, il est essentiel à l’orchestre.​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​

• La contrebasse
  1. La contrebasse se place à l’arrière. Avec 8 unités, elle crée une base solide. Elle apporte une profondeur et soutient le rythme, enrichissant l’orchestre.

Instrument	Nombre de cordes	Nombre dans l’orchestre
Violon	4	16 premiers, 14 seconds
Alto	4	12
Violoncelle	4	10
Contrebasse	4 ou 5	8

Les instruments à vent de l’orchestre symphonique

Les instruments à vent sont essentiels dans l’orchestre symphonique. Ils apportent une grande variété et une belle richesse sonore. Chacun a un son unique, ce qui rend la musique plus riche.

1. La flûte
   1. La flûte est connue pour son son clair et vif. Elle est souvent en avant dans les morceaux solos. Cela ajoute une touche d’éclat à la musique de l’orchestre.
   2. Les pièces classiques, comme le Concerto pour flûte traversière en Sol de Mozart, mettent en valeur ses capacités techniques et expressives.
2. Le hautbois
   1. Le hautbois est reconnu pour son son vibrant et expressif. Il est souvent utilisé pour des solos mélodiques. Cet instrument s’illustre dans divers styles musicaux.

Les ensembles comme l’orchestre symphonique et le quintette à vent mettent en avant son importance dans le domaine musical.

1. La clarinette
   1. La clarinette a une grande variété de sons et une sonorité chaleureuse. Elle est très polyvalente et s’intègre bien dans différents ensembles. Des œuvres comme le Concerto pour clarinette en La majeur de Mozart sont très importantes pour les clarinettistes.
2. Le basson
   1. Le basson apporte une profondeur et une richesse sonore à l’orchestre symphonique. Il est souvent utilisé pour des passages mélodiques et d’accompagnement. Cela assure l’équilibre sonore dans les sections à vent.
   2. Il participe aussi à des groupes variés, montrant son utilité et sa versatilité.

Les instruments de percussion et cuivres

Les instruments de percussion et cuivres sont essentiels dans un orchestre symphonique. Ils apportent force, couleur et rythme. Cela rend chaque concert unique.

1. Les timbales
   1. Les timbales ont commencé au XIXe siècle. Elles ont évolué pour répondre aux besoins actuels. Elles jouent un rôle clé dans la musique.
   2. Les percussionnistes utilisent les timbales pour créer des ambiances fortes et subtiles. Elles soutiennent le rythme de l’orchestre.
2. Le cor
   1. Le cor est connu pour sa sonorité douce et riche. Il est utilisé dans presque tous les orchestres. Il est souvent mis en avant dans les moments lyriques.
   2. Le cor est plus qu’un simple instrument. Il est une voix soliste qui apporte de l’émotion. Les musiciens de tous horizons jouent le cor, créant une identité sonore unique.
3. La trompette
   1. La trompette est l’instrument le plus aigu des cuivres. Elle est connue pour son éclat. Elle joue un rôle clé dans le jazz et le classique.
   2. La trompette est polyvalente. Elle est utilisée comme moteur rythmique et voix soliste. Elle crée une interaction fascinante avec les autres instruments.

Les instruments incontournables d’un orchestre symphonique

Chaque instrument dans un orchestre symphonique est crucial. Ils créent un son vibrant et mettent en valeur les émotions musicales. Les cordes, vents et cuivres forment un ensemble harmonieux. Cette diversité est essentielle pour jouer des œuvres classiques et modernes.

Rôle et importance de chaque instrument

Les cordes, comme le violon, sont au cœur des mélodies. Leur son expressif et chaleureux enrichit les compositions. Les vents, comme la flûte, apportent une dynamique unique. Les percussions, quant à elles, établissent le rythme.

Chaque instrument a sa propre histoire et son rôle dans l’orchestre. Cela montre l’importance de leur symbiose.

Équilibre et harmonie au sein de l’orchestre

L’équilibre est crucial pour une performance réussie. La répartition des instruments et leur interaction créent une harmonie délicate. Cela permet aux compositeurs de transmettre leurs visions musicales.

Par exemple, dans une pièce de Beethoven, la clarinette et les cordes créent des moments d’intensité palpable. Cet équilibre rend l’orchestre symphonique vivant, capable d’émouvoir et d’inspirer.

Conclusion

Les instruments symphoniques offrent une grande variété de sons. Ils sont essentiels pour créer une harmonie musicale unique. Chaque instrument, comme ceux à cordes, à vent ou à percussion, est crucial dans l’orchestre.

Les compositeurs, de Bach à Beethoven, ont utilisé ces sons pour enrichir leurs œuvres. Ils ont ajouté profondeur et intensité à la musique classique.

Les instruments ont changé au fil du temps, mais gardent leur essence. La flûte traversière et le hautbois ont évolué pour mieux exprimer. Ces changements montrent l’importance de comprendre l’histoire de la musique.

La musique de chambre et les orchestres symphoniques enchantent le monde. Ils inspirent des audiences à travers le globe. Que ce soit dans un concert classique ou une pièce moderne, leur magie réside dans leur dialogue et complémentarité.

FAQ

Quels sont les principaux instruments d’un orchestre symphonique 

Un orchestre symphonique compte des cordes comme le violon et la contrebasse. Il y a aussi des vents, comme la flûte et le hautbois. Les cuivres, comme le cor, complètent l’équipe.

Quel est le rôle du violon dans un orchestre symphonique ?

Le violon est essentiel. Il apporte la mélodie et une grande variété de nuances. Sa capacité à jouer des notes aigues est particulièrement expressive.

Quel est l’impact des instruments à vent dans la musique orchestrale ?

Les vents, comme la flûte, apportent de la couleur et de la dynamique. Ils enrichissent l’expérience musicale avec leur timbre unique.

En quoi les timbales se distinguent-elles des autres instruments de percussion ?

Les timbales se démarquent par leur capacité à jouer des notes précises. Elles permettent à l’orchestre de créer des mélodies tout en rythme et harmonie.

Pourquoi l’équilibre entre les instruments est-il essentiel dans un orchestre ?

L’équilibre est crucial pour un son harmonieux. Il permet aux compositeurs de transmettre leurs idées musicales. Cela assure une performance cohérente pour le public.

Quelle est l’importance des sections d’instruments à cordes dans un orchestre ?

Les cordes, comme le violon et la contrebasse, sont le cœur de l’orchestre. Elles offrent une richesse de sonorités et de textures essentielles.

Comment les instruments à cuivre contribuent-ils à l’ensemble orchestral ?

Les cuivres, comme le cor, apportent de la puissance et de l’éclat. Ils sont souvent utilisés pour des moments dramatiques ou des solos forts.

Liens sources

• https://lh-sounddesign.com/test-banque-de-sons-dorchestre-abbey-road-one
• https://www.ocl.ch/wp-content/uploads/2024/09/Dossier-Pedagogique-General.pdf
• https://www.wunderkammern.fr/les-instruments-les-plus-emblematiques-de-la-musique-classique/

Orchestre Symphonique par Music Classics sur : https://www.musiclassics.fr/les-instruments-incontournables-dun-orchestre-symphonique/

L’orchestre de l’Opéra, peinture d’Edgar Degas, 1868. Photo RMN-Grand Palais - H. Lewandowski

L’histoire de la musique pour orchestre du XIXe siècle à aujourd’hui

Ecrit par Aurélie Loyer sur :

https://pad.philharmoniedeparis.fr/contexte-l-histoire-de-la-musique-pour-orchestre-du-19e-siecle-a-aujourdhui.aspx

L’orchestre dans tous ses états…

Regroupant une ou plusieurs familles d’instruments, d’une dizaine de musiciens à plusieurs centaines, l’orchestre varie dans sa composition et son volume suivant l’époque, le genre musical et le goût des compositeurs. Harmonie, fanfare, orchestre à cordes, son appellation change en fonction de sa constitution. Mais l’orchestre qui inspire le plus les compositeurs depuis 200 ans, c’est l’orchestre symphonique. Toutes les familles d’instruments y sont associées, et son évolution est intimement liée à celle de la musique, particulièrement depuis l’avènement de la symphonie.

Les principaux genres de musique pour orchestre symphonique
Au cours du XVIIIe siècle, les compositeurs sont très préoccupés par les proportions et l’équilibre : des formes musicales, nées parfois dès le XVIe siècle, sont travaillées et « ciselées » dans l’esprit du classicisme. Des compositeurs comme Haydn ou Mozart offrent ainsi à la musique classique occidentale des genres musicaux phares, que ce soit pour soliste, musique de chambre, voix ou orchestre. Parmi eux, la musique symphonique au début du XIXe siècle compte essentiellement la symphonie, le concerto, l’ouverture et la suite orchestrale.

Les principaux genres de musique symphonique au début du XIXe siècle	Caractéristiques
La symphonie	Œuvre pour orchestre symphonique dont la forme courante est en quatre mouvements. C’est l’un des genres les plus emblématiques de la musique classique occidentale depuis la moitié du XVIIIe siècle. Terme d’origine grecque, « symphonie » signifie « sonner ensemble ».
Le concerto	Œuvre pour soliste(s) et orchestre en trois mouvements. Autre genre parmi les plus importants de la musique classique, il exige expression et virtuosité de la part du ou des solistes. « Concerto » vient du latin « concertare », qui signifie « rivaliser ».
L’ouverture	Pièce orchestrale destinée à introduire une œuvre de proportions importantes, comme un opéra. Certaines ouvertures sont des œuvres indépendantes, on parle alors d’ouverture « de concert ».
La suite	À l’origine une suite de pièces aux caractères contrastés, la suite orchestrale devient au XIXe siècle un assemblage d’extraits d’un ballet, d’un opéra ou d’une musique de scène.

La symphonie

Un compositeur vient profondément marquer ce genre à l’aube du XIXe siècle, avec ses neuf symphonies : Ludwig van Beethoven. Tout en conservant son cadre formel hérité de Haydn, il sublime la symphonie et lui apporte une puissance dramatique toute nouvelle. Éloquentes et universelles, ses symphonies sont un modèle de perfection sans qu’aucune ne ressemble à l’autre. Aujourd’hui encore, l’œuvre de Beethoven est vue comme un tournant dans l’histoire de la musique.

Après Beethoven

Succéder à Beethoven est une lourde mission. La symphonie semble avoir atteint son plus haut degré de perfection et son cadre touche à ses limites. Certains compositeurs choisissent cependant de poursuivre dans la même lignée comme Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann ou Johannes Brahms, et montrent que la symphonie offre encore de multiples possibilités. Mais un autre genre se dessine progressivement sous la plume d’Hector Berlioz (1803-1869) et de Franz Liszt (1811-1886) : le poème symphonique.

Le poème symphonique

L’apparition du poème symphonique offre à la musique instrumentale un nouveau cadre d’expression. Il est le plus souvent constitué d’un unique mouvement dont la forme suit librement une idée narrative, poétique ou descriptive. Hector Berlioz, en composant chacun des mouvements de sa Symphonie fantastique comme un épisode d’une histoire, inspire ses contemporains. Mais c’est Franz Liszt qui est connu comme le père de ce nouveau genre symphonique. Camille Saint-Saëns, proche de Liszt,  contribue aussi à l’émergence du poème symphonique en France.

Voici quelques exemples célèbres de poèmes symphoniques :

• Mazeppa (1851) de Franz Liszt, sur un poème de Victor Hugo ;
• Une nuit sur le Mont Chauve (deux versions : 1867 et 1886) de Modeste Moussorgski, d’après une nouvelle de Nicolas Gogol ;
• Danse macabre (1874) de Camille Saint-Saëns, inspirée d’un poème de Jean Lahor ( Jean Caselli, Henri Cazalis 1840-1909 );
• Ainsi parlait Zarathoustra (1896) de Richard Strauss, inspiré d’un poème philosophique de Friedrich Nietzsche.

L’évolution de l’orchestre symphonique

Le besoin d’expressivité pousse les compositeurs à modifier la composition de l’orchestre symphonique. Des compositeurs comme Wagner, Berlioz, Schumann, Brahms ou Bruckner en augmentent considérablement la puissance en multipliant le nombre d’instrumentistes. Les percussions, qui n’étaient souvent représentées que par les timbales dans l’orchestre classique, s’enrichissent et, toujours dans l’idée d’élargir la palette de timbres, de nouveaux instruments s’ajoutent. La harpe par exemple est essentiellement utilisée dans l’orchestre à partir du XIXe siècle. Beethoven, dans sa Symphonie n° 9, adjoint à l’orchestre des chanteurs solistes et un chœur, comme le fait plus tard, et dans des proportions plus amples, Gustav Mahler : sa Symphonie n° 8 réclame un effectif si important qu’elle a été baptisée la Symphonie des Mille.

Le XXe siècle et la musique symphonique

La musique du XXe siècle connaît de nombreux bouleversements liés à ceux de la société : les deux guerres mondiales meurtrières bouleversent les valeurs. Les règles de la musique classique et romantique sont délaissées, et les compositeurs cherchent de nouveaux modèles et systèmes. Claude Debussy et Maurice Ravel ouvrent la voie de la modernité avec une musique souvent qualifiée d’impressionniste. Mais la musique symphonique reste au centre de leurs compositions, et l’orchestre offre toujours une source d’inspiration où le son est souvent traité comme une matière. La musique s’enrichit aussi de nouveaux courants populaires comme le jazz américain, le swing… et le cinéma est également la source de grandes compositions se rapprochant souvent de la musique descriptive et symphonique du XIXe siècle.

Ecrit par Aurélie Loyer sur :

https://pad.philharmoniedeparis.fr/contexte-l-histoire-de-la-musique-pour-orchestre-du-19e-siecle-a-aujourdhui.aspx

la version originale de Moussorgski, 1867 restée inédite du vivant du compositeur

Interprétée par l'Orchestre Philharmonique [Royal] de Liège sous la direction de Pierre Bartholomée, cette version d'Une nuit sur le Mont Chauve de Moussorgski fut donnée le 30 mars 1995 à la Salle Philharmonique de Liège. Le chef d'orchestre a privilégié la version originale de Moussorgski, restée inédite du vivant du compositeur (elle ne fut publiée qu'en 1968, un siècle après sa composition. Déchaînée, effrayante, fantasmagorique, plus âpre et plus slave que la révision de Rimski-Korsakov, cette version initiale permet une belle mise en valeur de l'OPRL qui brille ici de mille feux.

La Nuit sur le mont Chauve (1867, révisé en 1886 par Nikolaï Rimski-Korsakov)

Orchestre académique d'État de l'URSS dirigé par Evgueni Svetlanov La Nuit sur le mont Chauve (en russe : Ночь на лысой горе, romanisé : Noch′ na lysoy gore), également connue sous le nom de La Nuit sur le mont Chauve, est une série de compositions de Modeste Moussorgski (1839–1881). Inspiré par les œuvres littéraires et les légendes russes, Moussorgski composa un « tableau musical », La Saint-Jean au Mont Chauve (en russe : Иванова ночь на лысой горе, romanisé : Ivanova noch′ na lysoy gore), sur le thème d'un sabbat de sorcières survenu au Mont Chauve la veille de la Saint-Jean. Il l'acheva le soir même, le 23 juin 1867. Avec Sadko (1867) de Nikolaï Rimski-Korsakov, c'est l'un des premiers poèmes symphoniques d'un compositeur russe. Bien que Moussorgski fût fier de son œuvre de jeunesse, son mentor, Mily Balakirev, refusa de l'interpréter. Pour sauver ce qu'il considérait comme un matériau de valeur, Moussorgski tenta d'intégrer sa musique du Mont Chauve, remaniée pour solistes vocaux, chœur et orchestre, dans deux projets ultérieurs : l'opéra-ballet collaboratif Mlada (1872) et l'opéra La Foire de Sorotchintsi (1880). Cependant, Une Nuit sur le Mont Chauve ne fut jamais jouée sous quelque forme que ce soit du vivant de Moussorgski. En 1886, cinq ans après la mort de Moussorgski, Rimski-Korsakov publia un arrangement de l'œuvre, décrit comme une « fantaisie pour orchestre ». Français Certains spécialistes de la musique considèrent cette version comme une composition originale de Rimski-Korsakov, bien qu'elle soit basée sur la dernière version de la musique de Moussorgski, pour La Foire de Sorotchintsi : Je n'ai guère besoin de rappeler au lecteur que la pièce orchestrale universellement connue sous le nom de « La Nuit sur le Mont Chauve de Moussorgski » est une composition orchestrale de Rimski-Korsakov basée sur la version ultérieure de la musique du Mont Chauve que Moussorgski a préparée pour la Foire de Sorotchintsi. — Gerald Abraham, musicologue et autorité sur Moussorgski, 1945 C'est grâce à la version de Rimski-Korsakov que La Nuit sur le Mont Chauve a acquis une renommée durable. Créée à Saint-Pétersbourg en 1886, l'œuvre est devenue un favori des concerts. Un demi-siècle plus tard, l'œuvre a peut-être obtenu sa plus grande exposition grâce au film d'animation de Walt Disney Fantasia (1940), comportant un arrangement de Leopold Stokowski, basé sur la version de Rimski-Korsakov. Le poème symphonique de Moussorgski n'a été publié dans sa forme originale qu'en 1968. Il a commencé à gagner en notoriété et à devenir familier du public moderne. Le titre original russe du poème symphonique, Иванова ночь на лысой горе, se traduit littéralement par « La veille de la Saint-Jean sur le mont Chauve », généralement abrégé en « Nuit sur le mont Chauve ». Cependant, en raison de plusieurs ambiguïtés, la composition est également connue sous plusieurs titres alternatifs en anglais. Le mot russe « ночь » (noch') signifie littéralement « nuit » en français, mais idiomatiquement, il ferait référence à la nuit suivant la Saint-Jean.On l'observe de diverses manières entre le 21 juin (solstice d'été) et le 25 juin. La veille de la Saint-Jean est généralement appelée « Saint-Jean » en anglais ; le russe ne fait pas cette distinction. « Mont Chauve » est la traduction la plus courante de « лысой горе » (lysoy gore) en anglais, et c'est aussi la plus littérale. L'adjectif « bald » est couramment utilisé dans les toponymes anglais pour désigner les collines, montagnes et autres formations arides, et est donc également idiomatique. Cependant, comme l'usage le plus courant de « bald » décrit l'absence de poils, cette partie du titre est également connue sous le nom de « Bare Mountain ». L'utilisation de « bald » pour décrire des paysages arides est courante dans les langues européennes. En français, la pièce est connue sous le titre « Une nuit sur le mont Chauve » et en italien « Una Notte sul Monte Calvo ». Certaines représentations de l'œuvre insèrent également l'article « le » avant « Mont Chauve » ou « Montagne Dénudée ». Les articles ne sont pas utilisés en russe, mais sont souvent appliqués aux noms lors de la traduction du russe dans des langues qui utilisent régulièrement des articles, comme l'anglais et le français. Cependant, le titre de l'œuvre faisant référence à un lieu précis appelé « Mont Chauve », un article ne serait normalement pas utilisé en anglais.

Saint-Saëns, danse macabre op.40 (1874)

A travers les siècles la danse de la mort a été le sujet de nombreuses créations. La Danse Macabre raconte, qu’à minuit, la Mort a le pouvoir d’apparaître dans les cimetières. En jouant de son violon, cette dernière appelle les morts qui sortent de leurs tombes pour danser jusqu’au lever du jour.

Saint-Saëns s’est inspiré d’un poème de Jean Lahor (pseudonyme de Henri Cazalis) pour créer sa Danse Macabre. Il s’essaye d’abord à en faire une pièce pour voix et piano puis en tire par la suite un poème symphonique. Composé en 1874, l’oeuvre est créée le 24 janvier 1875 aux Concerts Colonne à Paris.

L’oeuvre fut apparement très mal reçue. Liszt, plein d’admiration, réalisé une transcription pour piano peu de temps après sa création.

Voici le poème qui inspira Saint-Saëns (seul le texte en gras a été retenu et mis au programme par le compositeur) :

Zig et zig et zig, la mort en cadence

Frappant une tombe avec son talon,

La mort à minuit joue un air de danse,

Zig et zig et zag, sur son violon.

Le vent d'hiver souffle, et la nuit est sombre,

Des gémissements sortent des tilleuls ;

Les squelettes blancs vont à travers l'ombre

Courant et sautant sous leurs grands linceuls,

Zig et zig et zig, chacun se trémousse,

On entend claquer les os des danseurs,

Un couple lascif s'assoit sur la mousse

Comme pour goûter d'anciennes douceurs.

Zig et zig et zag, la mort continue

De racler sans fin son aigre instrument.

Un voile est tombé ! La danseuse est nue !

Son danseur la serre amoureusement.

La dame est, dit-on, marquise ou baronne.

Et le vert galant un pauvre charron – Horreur !

Et voilà qu'elle s'abandonne

Comme si le rustre était un baron !

Zig et zig et zig, quelle sarabande!

Quels cercles de morts se donnant la main !

Zig et zig et zag, on voit dans la bande

Le roi gambader auprès du vilain!

Mais psit ! tout à coup on quitte la ronde,

On se pousse, on fuit, le coq a chanté

Oh ! La belle nuit pour le pauvre monde !

Et vivent la mort et l'égalité !

Analyse :

L’oeuvre commence dans le calme. La harpe sonne les douze coups de minuit avec le son Ré. Puis, les violoncelles et contrebasses font entendre des pizzicati : avec sept sons « sourds », la mort vient de donner le signal de la danse. Elle semble accorder son violon sur des cordes à vides avant l’entrée du premier thème à la flûte. Ce thème 1 est assez rythmé, tout en croches et en notes piquées. Il est ensuite repris par les violons.

Un violon solo émerge ensuite et annonce le second thème sur un rythme de « valse » douloureuse. Le premier thème revient, partagé entre les vents (antécédent) et le violon soliste (conséquent). Pour terminer, le violon énonce un rythme de quatre croches très reconnaissables car il sont basé sur les cordes à vides entendues au début.

En quelques minutes, Saint-Saëns nous a présenté tous les éléments thématiques qui vont construire son poème symphonique. La danse générale peut commencer.

Le thème 1 est entendu aux cordes et vents, puis le second thème aux cordes graves. Le soliste reprend le premier thème agrémenté du xylophone (symbolisant les os des danseurs qui claquent).

Pour la troisième fois, la Mort accorde de nouveau son violon. Le thème 2 est tout de suite entendu, mais pus énergique. Il a perdu son caractère douloureux. Il passe successivement à tous les instruments de l’orchestre : les bassons et violoncelles, les cors et seconds violons, les hautbois, clarinette et premiers violons, puis les trompettes et trombones pour finir.

Saint-Saëns continue toujours avec ce second thème, annoncé aux bois, mais varié. Le rythme reste identique mais la mélodie est changée et rappelle le Dies Irae, le chant des morts liturgique. Les violons reprennent ensuite cette nouvelle mélodie.

Mais le violon solo reprend le second thème initial. La Mort reprend la danse. S’ensuit un divertissement (« le vent d’hiver souffle »), avant la reprise des deux thèmes initiaux. Tout semble se calmer. Le rythme de quatre croches apparaît aux timbales, faiblement, puis les bois entament des descentes chromatiques.

La Mort se raccorde à nouveau, insatiable. Les squelettes se regroupent. La valse reprend, obsédante, plus animée lorsque les deux thèmes initiaux sont joués simultanément. L’animation est à son paroxysme lorsque le chant du coq surgit au hautbois. Après des trémolos en diminuendo, les solistes reprend un dernier chant puis disparaît dans la nuit. Le rythme devient lointain. Les morts ont retrouvés leurs tombes.