La guitare classique ses compositeurs et interprètes

L’Ère de la Guitare Classique (fin du XVIIIe – début du XIXe siècle)

Extrait de l'article  " les secrets des guitares classiques histoire et choix " 

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https://www.guitaristmag.fr/les-secrets-des-guitares-classiques-histoire-et-choix/#Quest-ce_que_la_guitare_classique

La guitare classique, également connue sous le nom de guitare espagnole, est apparue à la fin du XVIIIe siècle. Elle se caractérisait par une caisse de résonance plus large, des cordes en boyau ou en soie et une rosace décorative sur la table d’harmonie. La période de la guitare classique a vu l’émergence de grands compositeurs de musique pour guitare classique tels que Fernando Sor et Mauro Giuliani. Luthier espagnol renommé, Antonio de Torres Jurado a apporté des améliorations techniques à la guitare classique, notamment en augmentant la taille de la caisse de résonance et en utilisant des éclisses incurvées, ce qui a permis d’améliorer la sonorité et la projection de l’instrument.

Pour mieux comprendre l’évolution de la guitare classique, il est important de se pencher sur les caractéristiques qui rendent cet instrument unique. La caisse de résonance, souvent fabriquée à partir de bois de qualité supérieure, joue un rôle essentiel dans la production du son. Sa forme, sa taille et sa construction influencent directement la sonorité de la guitare. Les cordes en boyau ou en soie, utilisées traditionnellement sur les guitares classiques, contribuent également au timbre chaud et résonnant de l’instrument.

Les luthiers, artisans spécialisés dans la construction de guitares classiques, ont joué un rôle clé dans le développement de cet instrument. Ils sont chargés de sélectionner les meilleurs bois, de façonner la caisse de résonance avec précision et d’ajuster les détails techniques pour obtenir la sonorité désirée. Des luthiers renommés tels qu’Antonio de Torres, Ignacio Fleta et Hermann Hauser ont laissé leur empreinte dans l’histoire de la guitare classique grâce à leur expertise et à leur savoir-faire.

Quelle est l’origine de la guitare classique ?

La guitare classique trouve ses origines dans l’évolution du luth, un instrument à cordes pincées populaire pendant la Renaissance. Au fil des siècles, le luth a évolué pour devenir la guitare baroque, puis la guitare classique.

Quels sont les types de bois utilisés dans la fabrication des guitares classiques ?

Les luthiers utilisent généralement des bois de qualité pour la fabrication des guitares classiques. Les types de bois couramment utilisés comprennent le cèdre, l’épicéa, le palissandre, le noyer, l’érable et l’acajou.

Quel est l’impact des cordes de guitare sur la sonorité de l’instrument ?

Les cordes de guitare ont un impact significatif sur la sonorité de l’instrument. Les cordes en boyau ou en soie offrent un son plus chaleureux et vintage, tandis que les cordes en nylon ou en acier produisent un son plus brillant et plus moderne.

Quel est le rôle des luthiers dans la création des guitares classiques ?

Les luthiers sont des artisans spécialisés dans la fabrication des instruments de musique. Ils jouent un rôle crucial dans la création des guitares classiques en choisissant les meilleurs matériaux, en façonnant le corps de l’instrument et en réglant minutieusement chaque détail pour obtenir la meilleure sonorité possible.

Quels sont les avantages et les inconvénients d’une guitare classique par rapport à une guitare acoustique ?

Les guitares classiques sont souvent recommandées pour leur facilité de jeu, leur répertoire varié, les techniques de jeu spécifiques à cet instrument et leur prix abordable. Les guitares acoustiques offrent une plus grande polyvalence, une meilleure projection sonore, des techniques de jeu modernes et un esthétisme attrayant.

Extrait de l'article  " les secrets des guitares classiques histoire et choix " 

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Ana Vidovic

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Ana Vidovic possède un talent qui la place dans l'élite des guitaristes, voire des musiciens, du monde. Ana Vidovic a donné plus d'un millier de représentations publiques depuis ses débuts sur scène en 1988. Sa carrière internationale comprend des récitals à New York, Londres, Paris, Vienne, Salzbourg, Rome, Budapest, Varsovie, Tel Aviv, Oslo, Copenhague, Toronto, Baltimore, San Francisco, Houston, Austin, Dallas, entre autres.

Ana Vidovic a remporté un nombre impressionnant de prix et de concours internationaux, notamment les premiers prix du Concours international Albert Augustine de Bath, en Angleterre, du Concours Fernando Sor de Rome, en Italie, et du Concours Francisco Tarrega de Benicasim, en Espagne. Parmi les autres récompenses notables figurent le concours Eurovision pour jeunes artistes, le concours Mauro Giuliani en Italie, le Printemps de la Guitare en Belgique et les auditions internationales de jeunes concertistes à New York. En Croatie, le guitariste s'est produit avec les Solistes de Zagreb et l'Orchestre Philharmonique de Zagreb et avec l'Orchestre Symphonique de la radio et de la télévision croates, en plus d'avoir participé à trois documentaires télévisés de l'éminent réalisateur croate Petar Krelja.

Ana Vidovic  vient de la petite ville de Karlovac, près de Zagreb, en Croatie, et a commencé à jouer de la guitare à l'âge de 5 ans et à 7 ans, elle a fait sa première prestation publique. À 11 ans, elle se produit sur la scène internationale et à 13 ans, elle devient la plus jeune étudiante à fréquenter la prestigieuse National Academy of Music.  à Zagreb, où elle a étudié avec le professeur Istvan Romer. La réputation d'Ana en Europe l'a amenée à étudier avec Manuel Barrueco au Conservatoire Peabody où elle a obtenu son diplôme en 2005.

Je ne peux pas m'imaginer le nombre d'heures et d'années de dévouement à la musique et à la pratique de la guitare classique nécessaires pour parvenir à ce niveau.

Quel jeu magnifique ! Quel talent incroyable ! 

JL D.

PROGRAMME :

Partita de flûte en la mineur, BWV 1013 
par Johann Sebastian Bach
(Transcrit par Valter Despalj)
3:06 - Allemande
8:40 - Corrente

Sonate pour violon n° 1, BWV 1001 
par Johann Sebastian Bach
(arr. par Manuel Barrueco)
12:44 - Adagio
16:38 - Fuga
21:19 - Sicilienne
24:25 - Presto

27:36 - Un Dia de Noviembre de Leo Brouwer

32:17 - Gran Sonata Eroica, op. 150 de Mauro Giuliani

Deux sonates de Domenico Scarlatti
41:39 - Sonate en mi majeur, K. 380, L.
46:28 - Sonate en ré mineur K.1, L. 366

48:55 - Olly par Slavko Fumic

Encore -
53:49 - Asturias par Isaac Albeniz

Enregistré dans l’église luthérienne Saint-Marc, San Francisco, CA

Production vidéo par
Matthew Washburn
http://www.WashburnImagery.com

Mastering audio par
Sienna Digital, Half Moon Bay, CA
http://www.sienna.com

Filmé en direct à l’église luthérienne St. Marks à San Francisco, CA https://www.stmarks-sf.org

Enregistré le 15 mars 2021 (En raison des strictes réglementations covid de San Francisco à l’époque, seules l’équipe du film et de l’enregistrement était autorisée à être présente lors de la réalisation de ce concert)

Fondation Omni pour la série des arts du spectacle Commanditaires :
D’Addario, Fondation Augustine, Hill Guitar Company, Salon International de la Guitare, Solo de Guitare

Sans le « Concerto d'Aranjuez » de Rodrigo, il est impossible de rendre dignement hommage au répertoire de la guitare. Ana Vidović,  rend hommage à cet instrument trop rare dans la musique classique.

JL D.

RODRIGO Joaquin
(1901-1999)
Epoque moderne

Par Stéphane Friédérich
Publié le 11/10/2018  Modifié le 05/08/2022 Lire sur : https://www.radioclassique.fr/compositeurs/joaquin-rodrigo/biographie/

L’œuvre de Rodrigo est un hommage aux cultures de l’Espagne, à la diversité des sources folkloriques et des influences reçues tout au long de l’histoire du pays. Elle domine la seconde moitié du XXe siècle et s’impose avec un optimisme jamais pris en défaut.
Joaquin Rodrigo en 10 dates :
1901 : Naissance à Sagunto, province de Valence
1904 : Perte de la vue
1923 : Premières compositions
1927 : Cours avec Paul Dukas à l’Ecole normale de musique de Paris
1935 : Sonada de adiós dédiée à Paul Dukas
1939 : 1er septembre, retour en Espagne
1940 : Création du Concerto d’Aranjuez, le 9 novembre
1954 : Fantaisie pour un gentilhomme
1967 : Concerto andalou
1999 : Mort à Madrid

Aveugle, le compositeur écrit ses oeuvres en braille ou les dicte
Fils d’une famille modeste de dix enfants, Joaquin Rodrigo perd la vue à l’âge de trois ans en raison d’une épidémie de diphtérie. Cinq ans plus tard, il  débute des études de musique : piano, violon et composition sous la férule de professeurs du Conservatoire de Valence. Dès ses premières œuvres, Rodrigo écrit en braille. Par la suite, il les dictera. De 1923 datent Deux Esquisses pour violon et piano, une Suite pour piano et Siciliana pour violoncelle et piano. Juglares est la première œuvre symphonique du jeune musicien. Elle est créée à Valence puis redonnée à Madrid, en 1924. Avec 5 piezas infantiles, il reçoit le Diplôme d’honneur au Concours national qui le signale à l’étranger. A Paris, l’Orchestre Straram programme sa pièce.

​​​​​​​Par Stéphane Friédérich
Publié le 11/10/2018  Modifié le 05/08/2022 Lire sur : https://www.radioclassique.fr/compositeurs/joaquin-rodrigo/biographie/

Le répertoire guitaristique de Joaquín Rodrigo, souvent éclipsé par le mythique Aranjuez !

"À son arrivée à Paris, Joaquín Rodrigo entre dans la classe de Paul Dukas en 1927. Il s'imprègne de l'effervescence culturelle de la capitale, fréquente le pianiste créateur de la plupart d...

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/guitare-guitares/le-repertoire-guitaristique-de-joaquin-rodrigo-souvent-eclipse-par-le-mythique-aranjuez-6739994

Guitare de Légende ... Tres Canciones "Adela" de Joaquín Rodrigo (1901-1999)

"Rodrigo aimait la voix, il a composé beaucoup de mélodies, parmi elles une dizaine pensées pour être accompagnées à la guitare : Coplas Del Pastor Enamorado, Romance de Durandarte, Tres ...

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/guitare-de-legende/guitare-de-legende-tres-canciones-adela-de-joaquin-rodrigo-1901-1999-4142870

Le "Poème Harmonique" de FRANCISCO GUERAU (1649 – 1722)

Article rédigé par Camilo López García Publié par MusicaAntigua Dimanche 29 avril 2018. Lire sur https://musicaantigua.com/el-poema-harmonico-de-francisco-guerau-1649-1722/

Francisco Guerau (1649 – 1722) est, avec Gaspar Sanz et Santiago de Murcia, l’un des trois grands de la guitare baroque en Espagne. Ce compositeur baroque, né à Palma de Majorque, entra au Collège royal des enfants de chœur de la Chapelle royale en 1659 comme enfant de chœur.

Dix ans plus tard, en 1669, il entra à la Chapelle royale comme contralto et, en 1693, il obtint un poste de chambriste auprès de Charles II. La même année, son livre « Poème harmonique composé de plusieurs figures par le tempérament de la guitare espagnole » fut publié à Madrid en 1694 et il fut nommé maître de chœur des enfants. Il occupa ce dernier poste jusqu'en 1701, date à laquelle il fut remplacé par le nouveau maître de chapelle, Sebastián Durón.

Le livre de Guerau (« Poème Harmonique ») contient exclusivement des pièces en style pointé, précédées d'une introduction qui explique les principes de la notation en tablature et conseille sur divers points techniques, l'exécution des ornements, etc. Les 40 compositions de Guerau, toutes appartenant au genre de la variation, sont divisées en dix œuvres basées sur des danses espagnoles (jácara, canarios, españoleta, folías, marionas, etc.) et 30 longues pasacalles louées par Santiago de Murcia dans son «Sommaire de l'accompagnement de la partie avec la guitare» (1714).

La musique de Guerau est d'une grande qualité et d'une énorme difficulté technique, comme il sied au répertoire éminemment cultivé d'un instrument qui avait déjà fait des progrès techniques considérables. Guerau écrit dans son livre                                    (p. 4, AVERTISSEMENTS AUX DÉBUTANTS) :  « Je n'avais pas l'intention de mettre dans ce Livre des rudiments pour débutants, car en vérité, ce qu'il contient est plutôt destiné à ceux qui ont la main libre et habile, non à ceux qui manquent de pratique. ».

INDEX DES ŒUVRES CONTENUES DANS CE POÈME HARMONIQUE 

• 1.-  Dix-sept différences de la Passacaille de Compassillo par le premier ton, (folio 1)
• 2.-  Dix-sept autres de la Proporcion par le même ton, (folio 2)
• 3.- Seize différences de la Passacaille par le second ton de Compassillo, (folio 3)
• 4.-  Seize autres de la Proporcion par le même ton, (folio 5)
• 5.-  Treize différences de la Passacaille par le second ton, de Compassillo, (folio 6)
• 6.-  Treize autres de la Proporcion par le même ton, (folio 7)
• 7.-  Dix-neuf différences de la Passacaille par le troisième ton, de Compassillo, (folio 8)
• 8.-  Dix et six de la Proporcion par le même ton, (folio 10)
• 9.-  Quatorze différences de la Passacaille par le quatrième ton, de Compassillo, (folio 11)
• 10.-  Seize de la Proporcion par le même ton, (folio 12)
• 11.-  Quinze différences de Passacaille par cinquième ton, d'après Compassillo, (folio 13)
• 12.- Douze de Proportion par le même ton, (folio 15)
• 13.-  Quatorze différences de Passacaille par sixième ton, d'après Compassillo, (folio 15)
• 14.-  Quatorze autres de Proportion par le même ton, (folio 16)
• 15.-  Dix-neuf différences de Passacaille par septième ton, d'après Compassillo, (folio 17)
• 16.-  Dix-huit de Proportion par le même ton, (folio 19)
• 17.-  Quatorze différences de Passacaille par huitième ton, d'après Compassillo, (folio 20)
• 18.- Quinze de Proportion par le même ton, (folio 21)
• 19.-  Quatorze différences de Passacaille par octavo aigu, d'après Compassillo, (folio 22)
• 20.-  Autre Quatorze de Proportion par le même ton, (folio 24)
• 21.-  Quatorze Passacailles de Patilla, du huitième point élevé, de Compassillo, (folio 25)
• 22.-  Quatorze autres de Proportion par le même ton, (folio 26)
• 23.-  Douze Passacailles par le premier ton, point bas, de Compassillo, (folio 27)
• 24.-  Treize de Proportion par le même ton, (folio 28)
• 25.-  Treize Passacailles par le huitième point élevé, point élevé, de Compassillo, (folio 29)
• 26.-  Treize autres de Proportion par le même ton, (folio 30)
• 27.-  Quatorze Passacailles par le septième ton, point élevé, de Compassillo, (folio 31)
• 28.-  Treize de Proportion par le même ton, (folio 32)
• 29.-  Douze Passacailles sur le second ton, point bas, de Compassillo, (folio 33)
• 30.-  Douze autres de Proporcion, dans le même ton, (folio 34)
• 31.- cTrente-neuf différences de Xacara, (folio 35)
• 32.-  Vingt-neuf différences de Xacara de la Costa, (folio 37)
• 33.-  Douze différences de Mari-Zápalos, (folio 39)
• 34.-  Huit différences d'Españoleta, (folio 42)
• 35.-  Douze différences de Pavana, (folio 45)
• 36.-  Treize différences de Gallarda, (folio 49)
• 37.-  Douze différences de Folias, (folio 51)
• 38.-  Dix-huit différences de Mariona, (folio 53)
• 39.-  Treize différences de Canario, (folio 54)
• 40.-  Treize différences de Villano, (folio 55)

THOMAS SCHMITT écrit (« Francisco Guerau, Poème harmonique, étude, transcription et fac-similé », 2000) 

« On a peu écrit sur Guerau, comparé à d’autres guitaristes : peu sur sa vie, peu sur son œuvre. Bien que quelques avertissements concernant Guerau apparaissent dans de nombreuses « Histoires de la musique » ou livres sur la guitare, ils sont, pour la plupart, très généraux, voire superficiels ou purement descriptifs […]  Guerau semble avoir passé presque toute sa vie à Madrid, du moins les meilleures années de sa vie, où il peut donner le meilleur de lui-même.

Il entra au Royal College of Choirboys comme enfant de chœur en 1659 et, lorsqu'il changea de voix en 1669, il resta comme joueur de contralto dans la chapelle pendant près de 25 ans, jusqu'à ce qu'il obtienne un poste plus élevé comme maître des enfants de chœur la même année où le « Poème harmonique » fut publié.

La vie d'enfant de chœur était assez dure (pour nous aujourd'hui), même s'il faut tenir compte du fait qu'à cette époque, c'était l'une des rares opportunités d'obtenir un emploi permanent, et, de plus, dans une cour importante comme celle de Madrid.

Ce furent des années de grande famine parmi la population, des années de disette pour la plupart des gens, c'est pourquoi il était considéré comme très chanceux d'obtenir un poste relativement permanent en termes économiques.

Nous ajoutons ici quelques informations sur le Royal College of Choirboys telles que fournies par Begoña Lolo dans son étude sur « La Chapelle Royale » :

L'école des enfants de chœur fut fondée en 1590 par Philippe II, afin d'assurer l'approvisionnement en voix aiguës de la Chapelle Royale. Cette institution, qui fonctionnait comme un pensionnat, était régie par des « Constitutions établies par ordre du roi Philippe II ». Ces constitutions, inchangées depuis Philippe II jusqu'à Ferdinand VI, réglementaient une organisation dirigée par le directeur de l'école, sous la surveillance économique et religieuse du patriarche des Indes, avec pour fonctions pédagogiques un professeur de grammaire et de latin et un professeur adjoint ou professeur de musique.

A l'imitation des constitutions de la Chapelle Royale, celles de l'école des enfants de chœur régleront les obligations de ses membres, ainsi que la répartition du temps dans la vie scolaire et la vie quotidienne des enfants.

Le collège était composé d'un directeur, d'un professeur adjoint, d'un professeur de musique, d'un professeur de grammaire et d'autres employés qui exerçaient divers métiers. 

Francisco Guerau occupa alors le poste de maître de musique pendant six ans jusqu'à la rénovation de la chapelle en 1701.

Cette charge fut supprimée et Guerau fut probablement victime de la réforme […] En 1701, comme nous l'avons dit, la Chapelle royale fut réformée par Philippe V, ou bien de nombreuses charges furent unifiées (par exemple, la charge de maître de chapelle avec celle de maître des enfants de chœur).

Le nouveau maître de chapelle à partir de 1701 fut Sebastian Durón, qui cumula les fonctions de maître de chapelle avec celles de recteur et de maître de musique pour les enfants de chœur […]

Être simple chanteur (ou enfant de chœur) sans diplôme ecclésiastique n'était pas la meilleure option pour un musicien et comportait certains inconvénients. C'est peut-être pour cette raison qu'en 1685, Guerau aspirait à devenir clerc, plus précisément prêtre.

C'était l'une des conditions nécessaires (bien qu'officieuses) pour accéder au poste de maître de chapelle. « Ne pas avoir de profession (c'est-à-dire une fonction civile) ou de bénéfice (un privilège ecclésiastique) devint synonyme d'incapacité personnelle » […]

Mais que devaient faire les enfants de chœur et, étroitement lié à leur vie, leur professeur ? Les enfants étaient choisis après un examen d'entrée organisé par le patriarche : les enfants « entiers » ne pouvaient pas avoir plus de 9 ans ; les enfants « castrés » pouvaient être plus âgés, car ils avaient l'avantage de ne pas avoir changé de voix.

Comme nous l'avons vu, la voix de Guerau changea, si bien qu'en 1669 il fut accepté comme joueur de contralto, c'est-à-dire vers l'âge de 20 ans.

Pour tous les enfants, un sérieux problème commença précisément avec la mutation de leur voix : seuls quelques-uns purent rester chanteurs dans la chorale (comme Guerau) ou instrumentistes à la chapelle. Les autres furent renvoyés chez eux […]

Peut-être la guitare n'avait-elle pas d'importance dans la Chapelle Royale ; il n'y avait pas de poste pour un guitariste ; seulement, certaines années, un archiluth faisait son apparition.

Fonctionnellement, le joueur d'archiluth faisait partie du groupe de basse continue.

Même s'il n'y avait pas de place disponible pour un guitariste, cela ne veut pas dire que la guitare n'a pas été utilisée.

De nombreux musiciens, y compris des chanteurs, jouaient de plusieurs instruments, en fonction des besoins de la pièce en question.

Le fait qu'il y ait eu des guitares n'est pas étrange en soi, mais cela attire notre attention sur le fait qu'un chef de chœur a composé de la musique pour cet instrument et, plus encore, qu'il a même réussi à publier la musique.

On sait que de nombreux musiciens d'une chapelle, tant le chef de chœur que les instrumentistes, et même les copistes, composaient de la musique « fonctionnelle » destinée aux besoins d'une chapelle musicale : chants de Noël, musique pour le service, etc. : en général, de la musique vocale qui était habituellement jouée tout au long de l'année.

Mais un instrument soliste comme la guitare ne rentre pas dans ce schéma.

Il n’y a aucune logique – en gardant toujours à l’esprit le principe d’utilitarisme d’une œuvre de ces années-là – pour la publication de Poema Harmónico […] C’est pourquoi cela restera probablement une question pour toujours ; car si nous considérons la publication sous la devise de quelque chose de fonctionnel, nous pouvons argumenter : Murcie, en tant que Maître de Guitare à la cour de Philippe V, a compilé des compositions de guitaristes français et italiens ; Sanz nous offre un enseignement sur la basse continue.

Mais chez Guerau nous ne trouvons aucune indication en faveur d’une publication pour guitare, aucun document ne mentionne jamais cet instrument ni ne parle de l’instrument qui devait être le préféré – du moins il nous semble aujourd’hui – de ce prêtre.

Au final, il ne nous reste que des idées vagues sur la raison d'être du Poème Harmonique : on peut le considérer à la fois comme le fruit d'un Maître d'enfants de chœur qui n'avait la possibilité d'exprimer de « petites » œuvres musicales que dans des compositions pour guitare, et dans le sens de quelque chose de très personnel et introverti, voire d'une certaine manière contraire à ce qui était normal.

Ou, dans un sens plus profane et pragmatique, en raison de circonstances défavorables, d’incapacités ou de facteurs organisationnels qui ont rendu impossible à Guerau de composer une autre musique – à l’exception de celle de la guitare.

Quoi qu'il en soit, le « Poème Harmonique » permet les deux possibilités dans sa compréhension interprétative et artistique et nous offre, malgré tout, la musique d'un grand compositeur.

Passacalle au quatrième ton – Francisco Guerau (1649 – 1722). (« Poème Harmonique », Madrid, 1694).

Interprète : Xavier Díaz-Latorre (guitare baroque). En direct, Séville 2010.

Marizápalos - Francisco Guerau (1649 – 1722).

(« Poème Harmonique », Madrid, 1694).

Interprète : HOPKINSON SMITH : guitare baroque

MARIONAS - Francisco Guerau (1649 - 1722). (« Poème harmonique composé de plusieurs figures au tempo de la guitare espagnole », Madrid, 1694).                                        Interprète : José Miguel Moreno (guitare baroque).

CANARIOS – Francisco Guerau (1649 – 1722).
(« Poème harmonique composé de plusieurs figures sur l’air de la guitare espagnole » (Madrid, 1694).

Interprète : José Miguel Moreno (guitare baroque).

François Campion (1686 - 1748)

lire sur: https://www.free-scores.com/free-sheet-music.php?compositeur=francois-campion#

François Campion (Rouen 1686– Paris 1747)1, (ou pseud. M. L'abbé Carbasus) est un guitariste, théorbiste, luthiste compositeur baroque français et théoricien français.

François Campion est généralement considéré comme le plus important guitariste baroque français après Robert de Visée. Il succède à Maltot comme guitariste et théorbiste dans l'orchestre de l'Académie royale de Musique de 1703 ou 1704 à 1719. Maltot lui transmet la règle de l'octave qu'il consignera plus tard dans son Traité d'Accompagnement (1716). Il reçoit alors le titre Maître de guitare et de théorbe à l'Académie royale de Musique de la part du roi Louis XIV (on pense qu'il a bénéficié la protection du duc de Noailles). Il utilise des tablatures, très courantes à cette époque, pour l'écriture de ses pièces pour guitare. Il emploie 8 accords. On considère ses compositions comme claires et riches en modulations et développant le jeu de l'instrument.

La mode des chansons à boire l'incite à en composer deux recueils à succès.

En 1731, il obtient une permission pour se rendre en Angleterre pendant 6 mois, ce que certains historiens interprètent comme le signe d'une éventuelle filiation avec Thomas Campian.

Le 21 janvier 1734, il fait imprimer les Avantures Pastorales Meslees de Chansons ainsi que d'autres ouvrages de musique dont un Traité de Composition et d'Accompagnement par la Règle de l'Octave.

Œuvres

• Nouvelles Découvertes sur la Guitare (Paris, 1705).
• Traité d'Accompagnement pour le Théorbe (Paris, 1710)
• Traité d'accompagnement et de composition selon la règle des octaves de musique [archive] (Paris: G. Adam, 1716; ré-Ed. Genève: Minkoff 1976) - préfacée d'une Lettre du Sieur Campion à un Philosophe Disciple de la Régle de l'Octave [archive] (Paris: G. Adam, 1716; re-Ed. Genève: Minkoff, 1976) - où apparaissent les premières fugues composées pour guitare, augmenté plus tard de l'Addition en traité d'accompagnement par la règle d'octave [archive] (Paris, 1730; re-Ed., Genève: Minkoff, 1976).
• Avantures Pastorales de Campion (Paris, 1719)2
• Avantures Pastorales Meslees de Chansons (Paris, 1734)​​​​​​​

Traité d'accompagnement et de composition selon la règle des octaves de musique (fac-simile 1re page)

Campion : Nouvelles découvertes sur la guitare, 1705

Pièces en ré mineur dans l'accord ordinaire, Op. 1 : Passacaille · Michel Amoric

Interprète :  Michel Amoric

François Campion (ca 1685 - 1748) Allemande - Sarabande - Menuet

Variations sur les Folias

Recuerdos de la Alhambra, composé par Francisco Tarrega, est interprété sur la guitare Torres 

En musique : la guitare dans tous ses états

Par Léopold Tobisch publié le lundi 30 mars 2020 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/en-musique-la-guitare-dans-tous-ses-etats-3549382

En musique : la guitare dans tous ses états © Getty - FierceAbin

Instrument aux multiples personnalités, la guitare est présente dans d’innombrables genres musicaux différents, du baroque à la musique contemporaine, en passant par le folklore musical latin et la musique du monde. Une playlist France Musique pour découvrir cet instrument sous toutes ses formes.

John Dowland - Come Heavy Sleep

Si la musique de John Dowland semble avoir été imaginée et conçue pour la guitare, tellement l’instrument est capable de faire sonner à merveille cette musique, n’oublions pas que Dowland composa non pour la guitare mais pour le lute, cousin ancien de la guitare. Cependant, un lien spirituel et esthétique existe bel et bien entre ces deux instruments, renforcé au début du XXe siècle par la renaissance de la musique ancienne. Par ce renouvellement d’intérêt pour ce genre, le répertoire pour la guitare a également été augmenté à son tour : l’œuvre musicale pour lute du compositeur anglais est aujourd’hui l’une des plus retranscrites pour la guitare, parfaitement adaptée aux œuvres de Dowland, telles les connotations oniriques de l’air Come Heavy Sleep. 

Domenico Scarlatti : Sonate K.53

Dans la famille des cordes pincées, il y a bien évidemment la guitare mais on y trouve également le clavecin. C’est pour cet instrument que Domenico Scarlatti composa ses célèbres 555 sonates. Si le compositeur italien ne se tourna jamais vers la guitare pour ses sonates, le timbre de l’instrument se fait incontestablement entendre à travers plusieurs sonates pour clavecin. 

En effet, il est fort probable que Scarlatti ait croisé l’instrument lors de ses voyages en Italie et surtout en Espagne où il s’installe définitivement en 1733 au service de la Princesse Maria Barbara, future reine d’Espagne. La transcription de ces sonates pour guitare semble donc tout à fait naturelle.

Andres Segovia, l’un des premiers à transcrire l’œuvre de Scarlatti pour guitare, ne souhaitait pas simplement imiter le clavecin, une « guitare enrhumée » disait-il à son amie Wanda Landowska, mais plutôt d’explorer le répertoire particulier de Scarlatti sous un autre angle, celui de la guitare, afin de faire ressortir de nouvelles textures et couleurs. 

Francisco Tárrega : Gran Jota Aragonesa

L’Espagne : pays indissociable de la guitare et de son patrimoine musicale. S’il y a un nom incontournable dans l’histoire de la guitare, c’est celui de Francisco Tárrega (1852-1909). Le compositeur et guitariste espagnol fut l’un des premiers à élever la guitare au niveau d’instrument soliste à une époque où l’instrument était surtout considéré comme un instrument d'accompagnement pour les chanteurs, offrant ainsi à la guitare un répertoire de ce nom capable de révéler les capacités musicales et techniques de cet instrument singulier.

Par ses nombreuses compositions et transcriptions qui puisent dans le patrimoine mauresque de l’Espagne, telle que la danse Gran Jota Aragonesa, ainsi que son développement d’une technique de jeu moderne, Tárregaest incontestablement le père de la guitare moderne.

Ballake Sissoko : Badjurou 

Ce n’est pas qu’en Espagne et en Amérique Latine que la guitare est devenue un élément incontournable de la culture musicale. Depuis le début du XXe siècle et surtout après la Seconde Guerre Mondiale, alors qu’une ferveur patriotique et nationaliste envahit le continent, la guitare s’est installée en Afrique comme l’un des instruments de prédilection pour exprimer et accompagner les nombreux genres traditionnels des différents pays africains.

Les musiciens africains ont élargi le potentiel technique et expressif de la guitare, ainsi pleinement capable d’interagir dans un style musical typiquement africain. Partenaire idéal pour la kora, instrument à cordes originaire du Mali, la guitare s’adapte parfaitement aux sonorités et aux timbres de la musique traditionnelle malienne.  

Marc Ducret - A l’improviste

Les évolutions technologiques et de style du XXe siècle n’ont pas oublié la guitare, bien au contraire ! Plus qu’aucun autre instrument, la guitare franchit un changement non des moindres lorsqu’elle est électrifiée dans les années 1930. Cette évolution ouvre aux compositeurs un nouveau monde de sonorités, de textures et de timbres, permettant à la guitare électrique de devenir un instrument unique à part entière.

Cette nouvelle guitare a bien évidemment dominé les musiques populaires du XXe siècle, mais elle a également trouvé sa place dans les œuvres de compositeurs et d’interprètes de musique contemporaine. Les nombreuses possibilités musicales et techniques de l’instrument deviennent également une véritable cour de récréation pour l’improvisation contemporaine.

Bonus 1 - Saint-Saëns : "Danse Macabre"

Si le poème symphonique _Danse Macabre_est initialement composé pour orchestre symphonique avec violon obbligato, la guitare se prête parfaitement à la musique diaboliquement enjouée de Camille Saint-Saëns, capable même de retranscrire le cliquetis des os initialement réservé au xylophone :

Bonus 2 - Claudio Monteverdi : "La lettera amorosa"  

Monteverdi et guitare électrique : une combinaison pour le moins surprenante ! La légèreté du timbre aérien et la pureté du son de la guitare électrique évoquent ceux de l’archiluth, instrument auquel Monteverdi faisait souvent appel pour accompagner ses airs novateurs a voce sola.

Par Léopold Tobisch publié le lundi 30 mars 2020 sur : https://www.radiofrance.fr/francemusique/en-musique-la-guitare-dans-tous-ses-etats-3549382 ​​​​​​​

15 morceaux de guitare classique

Auteur : Christopher

lire sur : https://fasiladom.fr/morceaux/guitare-classique/

La guitare classique est un instrument d’une grande beauté et d’une richesse musicale incomparable. Avec sa sonorité douce et chaleureuse, elle captive les auditeurs et transmet des émotions profondes. Dans cet article, nous allons explorer 15 morceaux de guitare classique qui méritent d’être découverts et appréciés pour leur virtuosité et leur expressivité.

1. "Jeux interdits" (Fernando Sor - Daniel Fortea)

Ce célèbre morceau, également connu sous le nom de «Romance», est un incontournable du répertoire de la guitare classique. Sa mélodie envoûtante et délicate est un véritable plaisir auditif, et sa simplicité en fait un choix idéal pour les débutants.​​​​​​​

2. "Choro de Saudade" (Agustin Barrios Mangore)

Cette composition du célèbre guitariste paraguayen Agustin Barrios Mangore est empreinte de mélancolie et de nostalgie. La guitare exprime avec finesse les nuances émotionnelles de ce morceau touchant.

3. "Mi Favorita" (Daniel Fortea)

Cette œuvre du guitariste espagnol Daniel Fortea est un exemple de virtuosité et de musicalité. La guitare se déploie avec élégance et agilité, créant une atmosphère envoûtante et captivante.

4. "Romance" (René Bartoli)

Ce morceau romantique de René Bartoli est un véritable joyau de la guitare classique. Sa mélodie envoûtante et sa fluidité technique en font un choix idéal pour les amateurs de musique romantique.

5. "Choros" (Domingo Semenzato)

Cette composition brésilienne de Domingo Semenzato est un mélange envoûtant de rythmes et de mélodies. La guitare offre une interprétation dynamique de ce morceau exigeant, captivant l’auditeur dès les premières notes.

6. "Feste Lariane" (Luigi Mozzani)

Ce morceau du célèbre guitariste italien Luigi Mozzani est une véritable prouesse technique. La guitare déploie une virtuosité impressionnante, offrant un spectacle musical fascinant.

7. "Etude en mi mineur" (Francisco Tàrrega)

Cette étude de Francisco Tàrrega est un exemple classique du répertoire de la guitare classique. La guitare explore différents motifs techniques et mélodiques, offrant aux guitaristes un défi technique et une belle expression musicale

8. "Milonga" (Jorge Cardoso)

Ce morceau du compositeur argentin Jorge Cardoso est un hommage à la musique traditionnelle argentine. La guitare exprime avec finesse les rythmes envoûtants de la milonga, transportant l’auditeur dans les paysages sonores de l’Argentine.

9. "Nardo" (Pedro Antonio Iparraguirre)

Cette pièce du compositeur basque Pedro Antonio Iparraguirre est un exemple de la richesse musicale de la guitare classique espagnole. La guitare exprime les nuances émotionnelles de ce morceau avec passion et sensibilité

10. "Andantino Op. 60 n°3" (Matteo Carcassi)

Cette composition de Matteo Carcassi est un exemple classique de l’époque romantique de la guitare classique. La guitare offre une interprétation élégante et délicate de ce morceau, captivant l’auditeur par sa beauté intemporelle.

 "Asturias" (Isaac Albéniz)

Cette célèbre composition espagnole d’Isaac Albéniz est un véritable chef-d’œuvre de la guitare classique. Elle offre un mélange envoûtant de mélodies passionnées et de rythmes flamenco, mettant en valeur la virtuosité de l’instrument.

12. "Recuerdos de la Alhambra" (Francisco Tàrrega)

Ce morceau emblématique de Francisco Tàrrega est connu pour son jeu complexe de notes en arpège. La guitare reproduit avec finesse les harmonies évocatrices de l’Alhambra, transportant l’auditeur dans l’atmosphère envoûtante de l’ancienne cité andalouse.

13. "Capricho Árabe" (Francisco Tàrrega)

Cette composition de Francisco Tàrrega est inspirée par la musique mauresque. La guitare exprime avec élégance les mélodies orientales et les rythmes envoûtants, créant ainsi une atmosphère envoûtante et mystérieuse.

14. "Lágrima" (Francisco Tàrrega)

Ce morceau intemporel de Francisco Tàrrega est d’une grande sensibilité et émotion. La guitare transmet les nuances subtiles de cette pièce mélancolique, captivant l’auditeur par sa simplicité et sa beauté épurée.

15. "Prelude No. 1" (Heitor Villa-Lobos)

Ce prélude du compositeur brésilien Heitor Villa-Lobos est un exemple remarquable de la guitare classique du XXe siècle. La guitare explore des harmonies riches et des textures variées, créant une ambiance captivante et complexe.

Conclusion

Ces 15 morceaux de guitare classique représentent une sélection diversifiée du répertoire de cet instrument enchanteur.

Que vous soyez un amateur de musique classique ou un guitariste passionné, ces compositions vous transporteront dans un univers musical riche en émotions et en virtuosité.

Découvrez la beauté et l’expressivité de la guitare classique à travers ces morceaux emblématiques et laissez-vous envoûter par la magie de cet instrument intemporel 

Auteur : Christopher

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Thibault Cauvin Guitare

Thibault Cauvin est né avec une guitare, celle que lui a tendue son père, lui-même musicien. De là, tout s’est enchaîné avec un parfait naturel. Il étudie au conservatoire de Bordeaux et au Conservatoire National Supérieur de Paris, d’où il sort avec les honneurs.
Puis il remporte 36 prix internationaux, dont 13 premiers (Los Angeles, Malaga, Vienne, …). A 20 ans, il devient le guitariste le plus titré au monde. Les concerts se multiplient, le monde veut entendre « le Petit Prince de la six-cordes ».
Depuis Thibault voyage, plus de 120 pays visités pour près de 1500 représentations, des scènes les plus prestigieuses aux lieux les plus atypiques, du Carnegie Hall de New York à la Tour Eiffel, du Tchaïkovski Hall de Moscou à la Cité Interdite de Pékin, du Queen Elizabeth Hall de Londres à l’Acropollium de Carthage. La guitare de Thibault n’a pas de frontière, plus de limite, un soir 40 000 personnes peuvent l’entendre sur la plage de Royan, deux jours après il joue dans un temple en ruine aux confins de l’équateur pour quelques 200 privilégiés. La diversité, les contrastes, l’aventure, les découvertes, la liberté, les rencontres, tant de sujets chers à Thibault, qu’on entend dans sa musique.
Son jeu universel et sa personnalité attachante charment et rassemblent tous les publics. Les médias sont unanimement séduits par le « phénomène Cauvin », qu’ils soient généralistes comme Yann Barthès qui le qualife de « Superstar de la guitare », Claire Chazal qui souligne la dimension « hors du commun » de ses concerts, Léa Salamé qui le présente comme « l’un des meilleurs guitaristes classiques du monde », ou spécialisés comme France Musique qui lui consacre chaque année de nombreuses émissions, Guitare Classique Magazine fidèle de
la première heure, et tant d’autres. « Le Petit Prince » a grandi et son rêve d’enfant de jouer des notes capables de
toucher tous les cœurs semble se réaliser.
Après avoir consacré des albums aux grands compositeurs classiques Scarlatti, Albéniz puis Vivaldi enregistré avec l’Orchestre de Chambre de Paris à la Philharmonie de Paris, Thibault propose en 2018 un disque très personnel : CITIES II. Il y a pour invités des artistes venus de différents mondes musicaux tels que Matthieu Chedid, Didier Lockwood, Ballaké Sissoko, Erik Truffaz ou encore Thylacine. Cet album est un succès et s’ensuit une tournée de plus de 150 concerts sur tous les continents, dont 3 représentations à Paris en 2019 affichées complet au Théâtre de la ville, à la salle Gaveau et au Palace. Thibault revient en 2020 avec un album consacré aux Estudios Sencillos de Leo Brouwer, compositeur cubain qui a écrit ce légendaire cycle joué par tous les guitaristes du monde. Leo Brouwer à 81 ans ponctue ce cycle, avec 3 nouveaux opus dédiés à Thibault, qui figurent sur l’album. Ce projet, cette rencontre, et l’histoire unique autour de cette série, ont donné l’envie à Thibault de créer un spectacle entre concert et théâtre, qu’il joue régulièrement depuis. En 2021 sort FILMS, un projet expérimental dans lequel il nous présente encore une nouvelle facette de son ouverture. Avec pour prétexte les grands thèmes du cinéma, Thibault connecte sa guitare classique à divers effets et pédales sonores, inspirés des guitares électriques. En novembre 2022, est attendu un album consacré aux œuvres pour luth de Jean-Sébastien Bach.

En février 2022 sort aux Editions du Rocher « À cordes et à cœur », le livre autobiographique de Thibault coécrit  avec François Deletraz, écrivain et journaliste culturel historique du Figaro. Dans ce livre, Thibault raconte son parcours unique, sa vision de la musique, et nous confe ses préoccupations et interrogations diverses.

D I S C O G R A P H I E

• Films — Sony Music, 2021
• Thibault revisite les chefs-d’œuvre du cinéma avec une guitare agrémentée d’effets et autres pédales sonores.
• Cauvin plays Brouwer 33 Estudios Sencillos — Sony Music, 2020
• Durant le confinement, Thibault lance un jeu sur les réseaux sociaux autour des Estudios Sencillos de Brouwer qui prend des proportions incroyables. Il décide d’en faire un disque, Leo Brouwer lui dédie 3 nouvelles compositions.
• Cities II — Sony Music, 2018
• Album invitant au voyage composé de solos et duos avec -M-, Erik Truffaz, Ballake Sissoko, Didier Lockwood, Lea Desandre, Thylacine, …
• The Vivaldi Album — Sony Music, 2016
• Les concertos de Vivaldi enregistrés avec l’Orchestre de chambre de Paris à la Philharmonie de Paris
• Thibault Cauvin — Sony Music, 2015
• Album en hommage à la guitare classique, sous toutes ses formes…
• Le voyage d’Albéniz — Sony Music, 2014
• Le voyage espagnol de I. Albéniz arrangé par Thibault
• Danse avec Scarlatti — Sony Music, 2013
• 14 sonates de D. Scarlatti arrangées par Thibault

Lea Desandre & Thibault Cauvin -

Sì dolce è'l tormento

Scarlatti : Sonate en la majeur, K. 322: Allegro (Live à Paris 2013)

Lucienne Renaudin-Vary (trompette) et Thibault Cauvin (guitare) interprètent Chiquilin de Bachin de Astor Piazzolla. Une émission enregistrée le 13 février 2021 au Théâtre de l'Alliance Française et présentée par Clément Rochefort.

Concerto pour 2 mandolines en sol majeur, RV 532 : I. Allegro Thibault Cauvin Antonio Vivaldi Orchestre de chambre de Paris Julien Masmondet Yang Xueifei

L’Album de Vivaldi

Fernando Sor (1778 1839)
Interprète romantique espagnol, compositeur et professeur de guitare

Écrit par Naomi Blumberg

Vérifié par Les rédacteurs de Encyclopédie Britannica.                 Lire sur : https://www.britannica.com/biography/Fernando-Sor/additional-info#history

Etait un interprète, compositeur et professeur de guitare romantique catalan, connu pour avoir été l'un des premiers à jouer de la guitare comme instrument de concert classique et pour avoir écrit l'un des premiers ouvrages de méthodologie de jeu . Il était un virtuose reconnu de la guitare.

Dès son plus jeune âge, Sor fut initié à l'opéra italien et à la guitare, cette dernière étant alors considérée comme plébéienne et inférieure aux instruments d'orchestre. Il fréquenta l'Escolania de Montserrat, la manécanterie du monastère de Montserrat , et, à 18 ans, il fréquenta l'école militaire de Barcelone pendant quatre ans. En 1797, il mit en scène son premier opéra, Il Telemaco nell'isola di Calipso (« Télémaque sur l'île de Calypso »). Suite à ce travail, il s'installa à Madrid en 1798 , où il bénéficia du soutien de la duchesse d'Albe jusqu'à sa mort en 1802. Lorsque Napoléon et l'armée française envahirent l'Espagne en 1808, Sor soutint d'abord le camp espagnol. Il changea ensuite d'allégeance après la défaite de l'Espagne et accepta un poste auprès du nouveau gouvernement français. Suite à la défaite de Napoléon en 1813, Sor quitta l'Espagne pour la France et resta en exil jusqu'à la fin de sa vie.

Sor enseigna et joua de la guitare à Paris . En 1815, il s'installa à Londres , où il resta jusqu'en 1823. Là, il composa une musique prolifique. Il publia 33 ariettes italiennes pour voix et piano (11 publications de trois pièces chacune) et y fit produire quatre ballets , notamment son Cendrillon , monté à Paris en 1822 et qui , après un succès retentissant, fut présenté au Théâtre Bolchoï de Moscou . Sor se rendit à Moscou pour superviser la production et revint à Paris vers 1826. En 1830, il publia la Méthode pour la guitare .Méthode pour la guitare espagnole (traduite en anglais en 1832), recueil de 30 études pour guitare, considéré encore, au début du XXIe siècle, comme une contribution majeure à l'étude de la guitare classique. Jusqu'à la fin de sa vie, Sor fut un professeur et un interprète très recherché à Paris.

Après sa mort, les compositions de Sor tombèrent dans l'oubli, tout comme la guitare classique, jusqu'à ce que l'instrument et le répertoire de Sor soient relancés au XXe siècle par le guitariste et compositeur espagnol Andrés Segovia. On savait très peu de choses sur la vie de Sor (sa tombe est restée anonyme jusqu'en 1934) jusqu'à la publication de la biographie de Brian Jeffery, Fernando Sor : compositeur et guitariste , en 1977. Bien que Sor ait composé des centaines d'œuvres, dont des opéras, des ballets et des pièces pour voix, guitare, piano et autres instruments, il est surtout connu comme un compositeur et interprète de musique pour guitare et comme celui qui a contribué à donner à cet instrument une certaine respectabilité. La Grande Sonate en ut majeur , op. 22 (écrite vers 1808) et l'Introduction, thème et variations sur un thème de « La Flûte enchantée » de Mozart, op. 9, pour guitare ( vers 1820-1823), comptent parmi ses œuvres les plus connues.

l’oeuvre de Fernando sor

Barcelone 1778-Paris 1839 (Integrale Des Etudes Par Alain Prevost)
Composé par Fernando Sor

Les guitaristes semblent jeter leur dévolu sur l’oeuvre de Fernando Sor, le plus important des maîtres anciens de la guitare, et dont les récents travaux de Brian Jeffery ont révélé la richesse. L’originalité d’Alain Prévost est de jouer sur une copie d’instrument d’époque. La sonorité rêche, peu résonante, s’accorde au caractère intimiste de ces études, nanties par Raymond Devos d’une étrange renommée et passage obligé de tout guitariste. Les quelques cent vingt Etudes témoignent d’une exigence inspirée qui dépasse la simple scolastique et qui s’élève bien au-dessus des platitudes des pièces similaires de l’époque. La maîtrise d’Alain Prévost lui permet de transcender la virtuosité en véritable expression. La souplesse de son phrasé rend justice à la diversité de coloris et aux changements d’atmosphère, démontrant ainsi sa science parfaite de ce répertoire.

Pierre-René Serna - Le Monde de la Musique

• 1  12 Etudes, Op. 6: No. 1 in D Major, Allegro Moderato   
• 2  12 Etudes, Op. 6: No. 2 in A-Flat Major, Andante Allegro    
• 3  12 Etudes, Op. 6: No. 3 in E Major, Andante           
• 4  12 Etudes, Op. 6: No. 4 in G Major, Allegretto      
• 5  12 Etudes, Op. 6: No. 5 in C Major, Andante      
• 6  12 Etudes, Op. 6: No. 6 in A Major, Allegro   
• 7  12 Etudes, Op. 6: No. 7 in D Major, Allegro      
• 8  12 Etudes, Op. 6: No. 8 in C Major, Andantino      
• 9  12 Etudes, Op. 6: No. 9 in C Major, Allegro     
• 1012 Etudes, Op. 6: No. 10 in E Major, Moderato Maestoso    
• 11  12 Etudes, Op. 6: No. 11 in E Major, Allegro Moderato     
• 12  12 Etudes, Op. 6: No. 12 in F Major, Andante    
• 13  12 Etudes, Op. 29: No. 13 in B Major, Andante                                     Moderato        
• 14  12 Etudes, Op. 29: No. 14 in F Major, Andante                                     Moderato   
• 15    12 Etudes, Op. 29: No. 15 in A Major, Andantino     
• 16    12 Etudes, Op. 29: No. 16 in F Major, Lento Assai       
• 17    12 Etudes, Op. 29: No. 17 in C Major, Allegro                                      Moderato    
• 18    12 Etudes, Op. 29: No. 18 in E Major, Andante     
• 19    12 Etudes, Op. 29: No. 19 in E Major, Andante   
• 20    12 Etudes, Op. 29: No. 20 in D Major, Moderato        
• 21    12 Etudes, Op. 29: No. 21 in D Major, Lento       
• 22    12 Etudes, Op. 29: No. 22 in E-Flat Major, Andantino   
• 23    12 Etudes, Op. 29: No. 23 in G Major, Allegretto     
• 24    12 Etudes, Op. 29: No. 24 in E Minor, Andante    03:37    
• 1    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 1 in C Major,                               Andante   
• 2    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 2 in C Major,                               Andante        
• 3    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 3 in D Major, Allegro Moderato       
• 4    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 4 in B Major, Andante       
• 5    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 5 in E Minor, Andantino    
• 6    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 6 in E Minor, Andante     
• 7    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 7 in E Major, Andantino   
• 8    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 8 in A Major, Andante      
• 9    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 9 in C Major, Allegretto        
• 10    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 10 in D Major, Cantabile   
• 11    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 11 in F Major, Moderato    
• 12    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 12 in D Major, Andante     
• 13    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 13 in C Major, Andante   
• 14    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 14 in G Major, Andantino    
• 15    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 15 in D Major, Allegretto    
• 16    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 16 in D Major, Moderato   
• 17    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 17 in C Major, Andantino    
• 18    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 18 in B Minor, Moderato    
• 19    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 19 in A Major, Andante    
• 20    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 20 in A Minor, Andante Allegro    
• 21    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 21 in F Major, Andante antabile    
• 22    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 22 in B-Flat Major, Moderato tempo di marcia   
• 23    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 23 in E Major, Mouvement de prière religieuse    
• 24    24 Leçons Progressives, Op. 31: No. 24 in E Major, Allegretto Moderato    
• 25    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 1 in C Major, Andante   
• 26    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 2 in A Minor, Andantino    
• 27    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 3 in A Minor, Larghetto   
• 28    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 4 in G Major, Allegretto   
• 29    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 5 in G Major, Allegretto    
• 30    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 6 in D Major, Andantino   
• 31    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 7 in E Minor, Andante    
• 32    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 8 in E Major, Allegretto    
• 33    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 9 in A Major, Andante    
• 34    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 10 in F Major, Andante    
• 35    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 11 in D Minor, Allegretto    
• 36    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 12 in F Major, Andantino Moderato    
• 37    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 13 in C Major, Andante    
• 38    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 14 in D Minor, Andante    
• 39    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 15 in A Major, Allegretto   
• 40    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 16 in D Major, Moderato    
• 41    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 17 in D Major, Moderato    
• 42    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 18 in E Minor, Andantino    
• 43    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 19 in C Major, Moderato    
• 44    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 20 in A Major, Tempo di Minuetto    
• 45    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 21 in A Major, Andante        
• 46    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 22 in B Minor, Allegreto    
• 47    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 23 in E Major, Andante    
• 48    24 Exercices très faciles, Op. 35: No. 24 in E Minor, Allegro moderato    
• 1    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 1 in C Major, Andante   
• 2    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 2 in C Major, Allegretto   
• 3    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 3 in C Major, Andantino    
• 4    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 4 in C Major, Allegretto moderato    
• 5    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 5 in C Major, Andantino   
• 6    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 6 in G Major, Moderato    
• 7    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 7 in G Major, Andante Allegro    
• 8    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 8 in G Major, Allegretto    
• 9    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 9 in G Major, Andantino    
• 10    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 10 in G Major, Allegretto    
• 11    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 11 in E Minor, Andante    
• 12    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 12 in E Minor, Andantino   
• 13    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 13 in G Major, Allegretto    
• 14    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 14 in D Major, Tempo di menuetto Moderato    
• 15    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 15 in D Major, Andante    
• 16    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 16 in D Major, Andante    
• 17    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 17 in D Major, Cantabile    
• 18    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 18 in D Major, Marche   
• 19    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 19 in D Major, Allegretto    
• 20    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 20 in A Major, Andantino    
• 21    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 21 in A Major, Andante    
• 22    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 22 in A Minor, Andantino   
• 23    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 23 in A Minor, Allegro Moderato    
• 24    24 Petites pièces progressives, Op. 44: No. 24 in A Major, Valse   
• 25    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 1 in C Major    
• 26    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 2 in C Major      
• 27    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 3 in C Major    
• 28    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 4 in C Minor    
• 29    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 5 in A Minor    
• 30    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 6 in C Major   
• 31    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 7 in C Major   
• 32    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 8 in C Major, Allegretto    
• 33    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 9 in C Major    
• 34    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 10 in C Major   
• 35    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 11 in G Major   
• 36    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 12 in G Major    
• 37    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 13 in C Major   
• 38    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 14 in E Minor, Andante    
• 39    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 15 in E Major, Allegro     
• 40    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 16 in G Major, Andantino    
• 41    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 17 in C Major, Allegretto Moderato    
• 42    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 18 in A Minor   
• 43    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 19 in G Major    
• 44    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 20 in B Minor   
• 45    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 21 in C Major, Allegretto    
• 46    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 22 in E Major, Allegretto Moderato    
• 47    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 23 in A Major, Andantino   
• 48    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 24 in D Minor, Allegro Moderato    
• 49    Introduction à l'étude de la guitare, Op. 60: No. 25 in D Major, Andante cantabile    
• 50    Méthode complète pour Guitare, Op. 59: No. 38 in C Major, Chasse    
• 51    Méthode complète pour Guitare, Op. 59: No. 9 in C Major, Andante   

Pierre-René Serna - Le Monde de la Musique lire sur : https://www.librairiecharlemagne.com/musique/1838187-integrale-des-etudes-de-fernando-sor-par-alain-prevost-alain-prevost-fremeaux-et-associes

L’oeuvre de Fernando Sor est très variée. Pour les guitaristes classique les études de Sor présentent un passage obligatoire.

Étude en Si mineur (Op.35 N22) – Fernando Sor
Guitariste: Julian Bream

Fernando Sor (1778-1839):

Variations sur le thème de Mozart par Pierre Lelièvre. Extrait du concert Génération Jeunes interprètes enregistré le 8 avril 2017 au studio 106 de la maison de la Radio. A réécouter sur France Musique

Panorama de la musique de Fernando Sor (1778-1839)

"Fernando Sor compositeur catalan dont l'œuvre se situe au 19e siècle. Instrumentiste virtuose, le guitariste le plus important de cette période, La Guitaromanie en vogue dans les salons des ...

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/guitare-guitares/panorama-de-la-musique-de-fernando-sor-1778-1839-3844631

Michel Beauchamp

Lire sur : https://cammac.ca/professeurs/michel-beauchamp/

Michel Beauchamp a fait ses études au Conservatoire de musique de Montréal. Il y obtient un premier prix en guitare dans la classe de Jean Vallières et complète un diplôme d’études supérieures en écriture sous la direction de Jacques Faubert. M. Beauchamp s’est perfectionné au Canada et en Espagne avec de grands maîtres de la guitare que sont Manuel Barrueco, Alvaro Pierri et David Russell. Il poursuit dès lors une carrière en tant que concertiste, chambriste, chercheur, conférencier et membre de jury au Canada, aux États-Unis et en Europe.

M. Beauchamp enregistre son premier disque sous étiquette ATMA avec la soprano Adrienne Savoie en 2001. Il s’intéresse par la suite au flamenco, qu’il intègre professionnellement en 2003. Après plus de dix ans de spectacles avec sa troupe Pasión Flamenca, il crée l’Atelier de guitare Flamenca.

En 2004, débute une longue période de recherches sur trois compositeurs : Francisco Tárrega, Johann Sebastian Bach et Fernando Sor. Lors du centenaire du décès de Tárrega en 2009 et après cinq années de recherches, paraît Tárrega : Intégrale des compositions pour guitare en partition aux Éditions d’OZ et un CD double chez XXI-21-Universal. En 2011, il enregistre J.S. Bach: Intégrale des œuvres pour luth de à la guitare sept cordes chez XXI-21-Universal et en supervise une édition chez d’OZ. Finalement, Fernando Sor : Les chefs-d’œuvre pour guitare paraît aux Éditions d’OZ en 2017 et vient clore ce triptyque des plus grands corpus pour guitare d’avant le XXe siècle.

Michel Beauchamp fonde le Trio Iberia en 2014 avec la violoniste Johanne Morin et la violoncelliste Julie Trudeau. Cet ensemble dédié à la musique classique espagnole interprète des transcriptions originales faites par Michel Beauchamp. Après avoir été finaliste aux Prix Opus en 2015, le trio fait une tournée avec le Conseil des arts de Montréal en 2017-18 pour laquelle il remporte le prix Choix du public. Le Trio Iberia a enregistré le CD Impressions d’Espagne.

Lire sur : https://cammac.ca/professeurs/michel-beauchamp/

Extrait de concert

• Prélude BWV 1006a de Johann Sebastian Bach
• Sonate op 14 de Fernando Sor
• Recuerdos de la Alhambra de Francisco Tárrega
• Étude no 12 de Heitor Villa-Lobos

Guitare à 7 cordes : René Wilhelmy 2016

Michel Beauchamp

Extraits du concert España Clásica España Flamenca par Michel Beauchamp guitariste classique et flamenco

• Fantasía Árabe de Sabicas
• Fantasía de Alonso Mudarra
• Asturias de Isaac Albéniz
• Soleá (traditionnel flamenco)
• Guitare flamenca: Ramirez 1966

Guitare à 7 cordes: René Wilhelmy 2016

Extrait du CD Impressions d'Espagne
Disponible en écrivant à: michel.beauchamp09@gmail.com

Johanne Morin violon,

Julie Trudeau violoncelle,

Michel Beauchamp guitare 7 cordes

• Fandango de Luigi Boccherini
• Orientale de Enrique Granados
• Farruca de Manuel de Falla

Preludio Americano n° 3 de Abel Carlevaro

par : Michel Beauchamp

Xuefei Yang,

Lire sur : https://askonasholt.com/artist/xuefei-yang

À propos de Xuefei

Xuefei Yang est reconnue comme l'une des meilleures guitaristes classiques au monde. Son parcours fascinant a débuté après la Révolution culturelle, période où les instruments de musique et la musique occidentaux étaient interdits en Chine. Fei a été la première guitariste chinoise à intégrer une école de musique et la première guitariste chinoise reconnue sur la scène internationale.

Son art touche un public bien au-delà du cercle des guitaristes et elle s'est produite dans plus de 50 pays sur des scènes prestigieuses. Elle est fréquemment invitée à jouer avec les plus grands orchestres du monde et à collaborer avec des artistes tels que Ian Bostridge, Johannes Moser, Roberto Alagna et Sir James Galway. Le magazine Gramophone l'a saluée comme l'une des plus grandes innovatrices de sa génération, car elle a continué à enrichir le répertoire de la guitare. Fei a enregistré de nombreux enregistrements salués par la critique pour de grandes maisons de disques. Son premier a été disque d'or et le second a été sélectionné comme Choix de la rédaction par le magazine Gramophone . Parmi ses enregistrements récents, citons Songs from our Ancestors avec Ian Bostridge et les albums solo Summertime , Winter Songs (Apple Music), Sketches of China (Decca) et Magna Carta : l'intégrale des œuvres pour guitare de John Brunning avec le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra (Apple Music). Son dernier enregistrement, X Culture , où des compositeurs explorent des inspirations musicales venues d'autres cultures, reflète son propre parcours interculturel. Son dernier enregistrement, « Songs of Joy and Sorrow », est une nouvelle collaboration avec le violoncelliste Johannes Moser.

Xuefei est basé à Londres

Lire sur : https://askonasholt.com/artist/xuefei-yang

SALLE PHILHARMONIQUE

Voici une vidéo de

« Concerto Magna Carta : III. Intense et énergique »

- le dernier mouvement du concerto pour guitare de John Brunning, écrit pour moi.   Il a été filmé au Liverpool Philharmonic Hall lors de la session d’enregistrement de mon album Magna Carta, avec Clark Rundell dirigeant le Royal Liverpool Philharmonic.  

Xuefei Yang.

Chants d'Espagne, op. 232 : V. Seguidillas. Allegro molto (Arr. pour guitare par Xuefei Yang)

 Cantos de España, Op. 232 : V. Seguidillas. Allegro molto (Arr. pour guitare par Xuefei Yang) · Xuefei Yang Forty Degrees North ℗ 2008 Shanghai Push Sound Music & Entertainment Ltd sous licence exclusive de Warner Classics, Warner Music UK Ltd Guitare : Xuefei Yang

Ingénieur d'équilibrage : John Taylor

Producteur d'enregistrement : John Taylor

Compositeur : Isaac Albeniz Arrangeur : Xuefei Yang 

Suite espagnole n° 1, op. 47 : III. Sevilla (Sevillanas). Allegro (Arr. pour guitare par Xuefei Yang) ·

Xuefei Yang Forty Degrees North ℗ 2008 Shanghai Push Sound Music & Entertainment Ltd sous licence exclusive de Warner Classics, Warner Music UK Ltd

Guitare : Xuefei Yang

Ingénieur d'équilibrage : John Taylor

Producteur d'enregistrement : John Taylor

Compositeur : Isaac Albeniz

Arrangeur : Xuefei Yang 
 

Raphaël Feuillâtre

Raphaël Feuillâtre, nouvelle signature du label Deutsche Grammophon, propose des interprétations originales et inspirées. Né en 1996, il débute la guitare classique à 9 ans auprès d’Hacène Addadi au CRD de Cholet. En 2015, Raphaël Feuillâtre intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) où il obtient une licence d’interprétation dans la classe de Roland Dyens. Lire sur :

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/guitare-guitares/portrait-du-guitariste-surdoue-rafael-feuillatre-26-ans-nouvelle-signature-du-label-deutsche-grammophon-3927154​​​​​​​

Raphaël Feuillâtre
Guitare

Lire sur : https://www.flaneriesreims.com/evenements/biographie-raphael-feuillatre/

Considéré comme le nouveau visage mondial de la guitare classique, Raphaël Feuillâtre fascine le public et les critiques par la profondeur de ses interprétations, son éclatante virtuosité et la richesse de son répertoire.

Premier prix du prestigieux concours de la Guitar Foundation of America (USA – 2018) et Révélation Classique 2021 de l’ADAMI, Raphaël est choisi comme artiste exclusif par le label Deutsche Grammophon en 2022. Il devient ainsi l’un des rares guitaristes à rejoindre ce label mythique. De cette collaboration féconde naissent un premier single intitulé Les Barricades Mystérieuses et un premier album Visages Baroques en 2023, où Raphaël explore différentes facettes de l’esthétique baroque autour de Johann Sebastian Bach et de Jean-Philippe Rameau. 

Considéré comme le nouveau visage mondial de la guitare classique, Raphaël Feuillâtre fascine le public et les critiques par la profondeur de ses interprétations, son éclatante virtuosité et la richesse de son répertoire.

Premier prix du prestigieux concours de la Guitar Foundation of America (USA – 2018) et Révélation Classique 2021 de l’ADAMI, Raphaël est choisi comme artiste exclusif par le label Deutsche Grammophon en 2022. Il devient ainsi l’un des rares guitaristes à rejoindre ce label mythique. De cette collaboration féconde naissent un premier single intitulé Les Barricades Mystérieuses et un premier album Visages Baroques en 2023, où Raphaël explore différentes facettes de l’esthétique baroque autour de Johann Sebastian Bach et de Jean-Philippe Rameau.

Après des débuts remarqués au Carnegie Hall de New York au printemps 2023, il se produit dans les salles et festivals les plus prestigieux du monde, tels que le Concertgebouw d’Amsterdam, la Folle Journée de Nantes, la Beethoven Haus de Bonn, ainsi que dans des événements majeurs du monde de la guitare, comme le Festival International de Guitare de Paris, le Festival Guitarras del Mundo en Argentine et le Festival International de Guitare de Changsha en Chine.

Sa passion pour la musique de chambre et son désir de promouvoir son instrument le conduisent à collaborer avec des musiciens de premier ordre : la flûtiste à bec Lucie Horsch, la trompettiste Lucienne Renaudin Vary, ou encore la violoniste Maria Dueñas lors d’événements comme le Yellow Lounge de Deutsche Grammophon, le Dresden Music Festival et la Società del Quartetto Di Milano – Sala G. Verdi.

Né en 1996 à Djibouti, Raphaël commence la guitare avec son premier professeur, Hacène Addadi à Cholet, avant de rejoindre en 2012 la classe de Michel Grizard au Conservatoire de Nantes. Trois ans plus tard, il intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans les classes de Roland Dyens puis de Tristan Manoukian. Au cours de cette période, Judicaël Perroy joue un rôle essentiel dans son développement artistique.

En plus de son premier prix à la GFA, Raphaël s’illustre dans d’autres concours, tels que le Concours International de Guitare Jose Tomas à Villa Petrer (Espagne – 2017), le Festival International de Guitare de Kutna Hora (République Tchèque – 2017), le Festival International de Musique de Printemps de Viseu (Portugal – 2016), le Concours & Festival de Guitare de Fontenay-sous-Bois (France – 2015), et le Festival International de Guitare Ciudad de Coria (Espagne – 2014).

Ambassadeur de la guitare, soucieux de participer au développement de son répertoire, il sollicite l’arrangement de nombreuses œuvres issues des répertoires qu’il affectionne, notamment pour le piano ou le clavecin, un attrait qui se reflète particulièrement dans le choix de ses programmes enregistrés.

Animé par une profonde envie de transmettre sa passion pour la musique et l’instrument, Raphaël enseigne au Pont Supérieur – Bretagne et cofonde la Lille Guitar Academy, une académie d’été pour guitaristes. Des étudiants du monde entier bénéficient de ses conseils lors de masterclasses données au San Francisco Conservatory, à la Manhattan School of Music de New York, et à la Haute École de Musique de Genève, entre autres. Il s’implique également dans des projets de sensibilisation artistique, notamment lors d’une tournée aux États-Unis qui lui a permis de réaliser des interventions en milieu scolaire et pénitentiaire.

Raphaël Feuillâtre est soutenu par Savarez, fabricant historique de cordes fondé en 1770, et joue sur une guitare du luthier australien Greg Smallman.

Lire sur : https://www.flaneriesreims.com/evenements/biographie-raphael-feuillatre/

Raphaël Feuillâtre – Couperin : V. Les barricades mysterieuses (Arr. Antoine Fougeray pour guitare)

Pas un grain de poussière de musée ne se lève lorsque Raphaël Feuillâtre interprète des musiques du passé lointain. Le guitariste classique français de 26 ans, dont le répertoire englobe tout, de Johann Sebastian Bach et Rameau à des compositions contemporaines de Roland Dyens et Sérgio Assad, possède la maîtrise technique et la vision créative requises pour faire en sorte que les œuvres de toutes les périodes sonnent comme si elles avaient été écrites hier – vivantes, sincères, remplies de couleurs. Salué par Guitar Salon International comme « l’un des guitaristes classiques les plus excitants de sa génération », il fait chanter son instrument avec un mélange rare de clarté et de grâce.

Nouvelles suites de pièces de clavecin, Suite in G Major, RCT 6: VI. Les sauvages (Arr. M. Grizard for Guitar) · Michel Grizard

Guitar Recital: Raphaël Feuillâtre

Artist:          Raphaël Feuillâtre
Composer: Jean-Philippe Rameau
Arranger:    Michel Grizard

Raphaël Feuillâtre | Piazzolla | Talents Adami Classique 2021

𝗥𝗮𝗽𝗵𝗮𝗲̈𝗹 𝗙𝗲𝘂𝗶𝗹𝗹𝗮̂𝘁𝗿𝗲, 𝗴𝘂𝗶𝘁𝗮𝗿𝗲
Astor Piazzolla : Primavera Porteña (arrangement Sergio Assad)
 

- Salle de concert Margaret Comstock, Université de Louisville
Concours international de concerts GFA 2018
Grand prix Rose Augustine : Raphaël Feuillâtre (France)
Performance du tour final

Carles Trepat

Lire sur : https://www.les-jeudis-de-la-guitare.ch/carles-trepat

Carles Trepat

Né à Lleida (Catalogne), il commence ses études musicales dans sa ville natale avec Jordi Montagut. En 1976, il assiste au dernier cours de guitare dirigé par Emilio Pujol à Cervera. Postérieurement, il complète ses études au Conservatoire « Oscar Esplà » d'Alicante avec José Tomas et fut bénéficiaire d'une bourse pour se perfectionner avec Alberto Ponce à l'Ecole Normale de Musique de Paris. Parmi les nombreux prix qu'il a recueilli, notons le prix Tarrega du Concours International « Francisco Tarrega »  de  Benicassim, le  prix spécial du jury du  Concours   International de  la Havane et le premier prix  du Vème Concours   International de Toronto. Carles Trepat a joué à travers la Catalogne et l'Etat espagnol, en France, en Russie, en Autriche, en Angleterre, au Chili, en Australie et au Canada. Parmi ses performances, ressortent celles au Wigmor Hall et au Queen Elisabeth Hall de Londres, au Palau de la Musica de Barcelone, à la salle Glinka de Saint Petersbourg et au Conservatoire Tchaïkovsky de Moscou. Comme soliste, il a joué avec l'Orchestre Symphonique de Barcelone et National de Catalogne, l'English Chamber Orquestra, l'Orchestre de St John Smith Square, et l'Orchestre Ciudad de Granada.

Il a publié diverses pièces originales ainsi que des transcriptions pour guitare. Son oeuvre « Hommage à Baden Powel » fut primée au « Carrefour Mondial de la Guitare de Martinique » en 1994. Récemment, il a enregistré trois CD dédiés à la musique de Quiroga, de Mompou et, en collaboration avec le Choeur de Chambre du Palau de la Musica, le Romancero Gitano de Mario Castelnuovo-Tedesco.

Carles Trepat utilise habituellement deux guitares historiques:

Joseph Pagés (Cadix 1809).

Antonio Torres (Almeria 1892). construite par le célèbre luthier 

Lire sur : https://www.les-jeudis-de-la-guitare.ch/carles-trepat

Carles Trepat au théâtre Colon à La Corogne. 9 janvier 2014. 
Guitare : Antonio Torres (1892) 

Programme

FERNANDO SOR
Andante largo, op. 5 no 5

MIGUEL GARCIA (Père Basilio) 
Minuet (07:02)
Sonate d’Elami (09:17)
 
J. S. BACH (M. Llobet)
Sarabande (14:50)
Bourrée (18:49) (de la Partita I BWV 1002 pour violon)
 
JULIÁN ARCAS
Bolero (23:05)
Soleá (26:00)
---
ISAAC ALBÉNIZ
Caprice catalan (32:50)
 
ENRIQUE GRANADOS
La maja de Goya (36:43)
Le regard de la main (42:22)
 
MANUEL LÓPEZ-QUIROGA
Dos zambras
         La Sauveuse (46:10)
         Et pourtant je t’aime (49:44)
 
JUAN MOSTAZO
Les piconeros (Bulerías du XVIIIe siècle) (53:34)

CONSUELO VELÁZQUEZ
Aimer et vivre (58:12)

MAGÍN ALEGRE
Américaine (1:03:05)

POPULAIRE CATALANE
Le cant dels ocells (1:07:17)

Concert organisé par Nerta Management
Audio et vidéo : rdc productions. A Coruña

« Homenaje a Miguel Llobet – Lo noi de la mare », de Fernando Alonso, est une œuvre qui, après une introduction originale évoquant le style de Llobet, harmonise la chanson populaire catalane « El noi de la mare ». L'Homenaje se poursuit par un autre passage original qui semble évoquer les voyages de Llobet en Argentine. L'introduction est reprise et l'œuvre se conclut sur des échos de la chanson populaire. Dans cette version, Carles Trepat propose une adaptation unique et exquise pour guitare, l'original étant écrit pour guitare à clavier, un système imaginé par Fernando Alonso. Sans recourir à des guitares à clavier ni à des capodastres spéciaux, Trepat rend cette œuvre accessible à tous les interprètes, faisant preuve d'une sagesse et d'une sensibilité qui subliment la composition. Bien que Fernando Alonso n'ait pas pu entendre cette version de son vivant, il serait certainement honoré par la contribution magistrale de Trepat.

Carles Trepat, guitariste, compositeur et transcripteur, est une référence unique dans le paysage de la guitare classique d’aujourd’hui. Il a remis au goût du jour l'utilisation des cordes en boyau et en soie et, grâce à sa profonde connaissance de la tradition guitaristique, il perpétue un héritage et une esthétique bien loin des tendances dominantes des conservatoires et des concours de guitare. Trepat inspire les nouvelles générations de guitaristes, laissant une empreinte indélébile sur les interprètes, luthiers et compositeurs en quête d'une connexion authentique avec l'essence de cet art. La guitare utilisée lors de ce concert est une Antonio de Torres, construite en 1892 à Almería, l'une des dernières créations du maître luthier. Cette guitare, intimement liée à Carles Trepat, a permis de faire connaître au monde entier le son incomparable de Torres. Son héritage demeure vibrant et inspire guitaristes, luthiers et mélomanes. Répliquée par de nombreux luthiers, elle occupe une place importante dans l'histoire des guitares Torres, aux côtés de celles d'Arcas, Tárrega, Llobet et Pujol. 

« Vals elegíaco », de Carles Trepat, est une composition émouvante dédiée à son ami et fondateur de Casa Sors, ​​Fernando Alonso Mercader. Cette vidéo est sortie le 1er février 2025, en l'honneur de son anniversaire, date à laquelle il aurait fêté ses 80 ans.

 Lieu :

Enregistrement live du concert du 18/06/2024, Casa Sors Guitars | Barcelone :                  Consell de Cent, 215 – 08011

Guitare Antonio de Torres de 1892 avec cordes en boyau et filage de soie argenté.
 

Introduction & Rondo n°2 op. 2 de Dionisio Aguado (1784–1849).

Par Bradford Werner 2018 lire sur : https://www.thisisclassicalguitar.com/fantasy-for-guitar-op107-malcolm-arnold/

Introduction et Rondo n° 2, op. 2, extrait des Trois Rondo Brillants, op. 2, de Dionisio Aguado (1784–1849).

Aguado était un guitariste et compositeur classique espagnol de la période classique. Il est connu pour ses œuvres de concert et pédagogiques, ainsi que pour ses manuels de méthode (Escuela de Guitarra et Nuevo Método de Guitarra) et ses liens avec d'autres guitaristes de l'époque. 

Comme le mentionne Drew Henderson sur sa chaîne YouTube

Le thème de ce Rondo ressemble de manière frappante à la célèbre sonate "Pathétique" de Beethoven, op. 13 no. 8. Étant donné que cette pièce a été publiée l’année de la mort de Beethoven (1827), peut-être pouvons-nous l’appeler un "hommage". Cependant, la dédicace est au contemporain d’Aguado, François de Fossa. 

Enregistré le 6 mars 2017 à Toronto. 
Guitare de Jeff Sigurdson (Modèle Friederich)

Emanuele Buono Guitar Recital: Introduction and Rondo Brillante Op. 2, No. 2 [Naxos 8.573362]

Introduction and Rondo Brilliante Op.2, No.2 (Dionisio Aguado) by Thu Le

Dionisio Aguado y García (8 avril 1784 - 29 décembre 1849) est un guitariste classique et compositeur espagnol de la fin du classicisme et des débuts du romantisme.
Né à Madrid, il a étudié avec Miguel Garcia. En 1826, Aguado a visité Paris, où il a rencontré et est devenu ami avec Fernando Sor et a vécu pendant un certain temps avec lui.  Le duo de Sor, Les Deux Amis, a commémoré l’amitié : une partie est marquée « Sor » et l’autre « Aguado ».
La principale œuvre d’Aguado, Escuela de Guitarra, est un tutoriel de guitare publié en 1825. Depuis 2011, il est toujours en version imprimée, avec les éditions Tecla qui ont publié une réimpression en 2005. Dans l’Escuela Aguado décrit son utilisation des ongles de la main droite ainsi que son invention d’un « tripodison » : un dispositif qui tenait la guitare et minimisait ainsi l’effet d’amortissement du corps du joueur sur le dos et les côtés de la guitare. Les autres œuvres d’Aguado incluent Trois Rondos Brillants (Opus 2), Le Menuet Affandangado (Opus 15), Le Fandango Varie (Opus 16), ainsi que de nombreuses valses, menuets et autres pièces légères. Les œuvres plus étendues nécessitent une technique virtuose et des étirements de la main gauche qui sont presque impossibles sur les longueurs de corde plus longues des guitares modernes. 
Aguado est rentré chez lui à Madrid en 1837 et y est décédé à l’âge de 65 ans.
Le nom de famille d’Aguado vient du mot espagnol pour « soaked » (C’est parce qu’un ancien parent à lui, qui était chevalier, est revenu après une bataille couverte de boue. Le surnom est ensuite devenu le nom de famille.)

je m’appelle Thu Le et je suis une guitariste classique primée internationalement et professeure de guitare certifiée. Je voudrais partager ma passion pour la guitare classique et vous inspirer avec ma musique. 
J’espère que je peux aussi ajouter de la valeur à la communauté grâce à ma chaîne sur Youtube. 
Allez là où la guitare vous mène... 
Plus d’informations :
website : https://thuleguitarist.com/

Fantaisie pour guitare, op. 107 de Malcolm Arnold
Par Bradford Werner 2020 lire sur : https://www.thisisclassicalguitar.com/fantasy-for-guitar-op107-malcolm-arnold/

La Fantaisie pour guitare op. 107 du compositeur anglais Sir Malcolm Arnold (1921-2006) a été composée en 1971 et se compose de sept mouvements : I. Prélude, II. Scherzo, III. Arietta, IV. Fugetta, V. Arietta, VI. Marche, VII. Postlude . Édité par Julian Bream en 1971. Les autres œuvres pour guitare d'Arnold, toutes écrites pour Bream, comprennent : Sérénade pour guitare et cordes, op. 50 (1955) ; Concerto pour guitare, op. 67 (1959) ; Fantaisie pour guitare, op. 107 (1971). 

Comme pour de nombreuses commandes de Bream, il collabora avec des compositeurs réputés de l'époque, reconnus dans le monde musical. Arnold travailla dans des genres variés, notamment un cycle de neuf symphonies, des concertos, des œuvres de concert, de la musique de chambre, des œuvres pour chœur, des cuivres et des harmonies. Il composa pour le théâtre et reçut de nombreuses commandes du Royal Ballet. Il composa également deux opéras et une comédie musicale. Il composa la musique de plus d'une centaine de films, dont Le Pont de la rivière Kwaï (1957), pour lequel il remporta un Oscar.

Malcolm Arnold -Fantasy for guitar - Opus 107

Malcolm Arnold (1921-2006)

Fantasy for guitar:
-Prélude
-Scherzo
-Arietta
-Fughetta
-Arietta
-March
-Postlude

Dejan Ivanovic : Guitar
 

Malcolm Arnold Fantasy for guitar op.107 I Shani Inbar

Shani Inbar plays Malcolm Arnold Fantasy for guitar, op.107. Recorded for Monterrey guitar festival, Mexico 

Note de l'interprète :

La Fantaisie, op. 107, de Malcolm Arnold, est l'une des pièces les plus mélodieuses et accessibles de tout le répertoire de Bream. Contrairement à la Sonate de Bennett ou à All in Twilight de Takemitsu , elle est tonale et présente de nombreux procédés de composition flatteurs à la guitare : l'utilisation prédominante des cordes à vide, les textures à trois ou quatre voix et les harmoniques des cordes à vide. La pièce emploie également toute la gamme de techniques étendues, tactiquement agréables, comme les rasgueados, la tambura, les harmoniques artificielles et la technique toujours populaire du croisement des 4e et 5e cordes pour imiter le son d'une caisse claire… Les deux Arietta sont particulièrement belles à la guitare avec leurs mélodies chantantes, leur texture épurée et leurs harmonies qui exploitent les cordes à vide.

Collectici Intim de Vicente Asencio

Par Bradford Werner 2017 lire sur : https://www.thisisclassicalguitar.com/fantasy-for-guitar-op107-malcolm-arnold/

Collectici Intim de Vicente Asencio (1908-1979). Vicente Asencio était un compositeur espagnol et a écrit Colletici Íntim en 1965 pour Narciso Yepes. Les mouvements d'Asencio sont basés sur des « affects » : La Serenor (Sérénité), La Joia (Joie), La Calma (Calme), La Gaubança (Délice) et La Frisança (Hâte).

Biographie via Schott : « Vicente Asencio est né à Valence en 1908… En 1934, Asencio a participé à la rédaction du manifeste du « Grupo de los Jóvenes », un mouvement de compositeurs valenciens : « Nous aspirons à la création d’une musique savante valencienne puissante et riche, sous la forme d’une école valencienne productive et pluraliste, qui donne une expression universelle à la subtilité psychologique et à l’univers émotionnel de notre peuple et de notre paysage. » …Asencio, qui se définissait lui-même comme un compositeur de musique « tonale », a composé de nombreuses œuvres orchestrales et ballets, mais il était particulièrement attiré par la musique pour guitare. Ses compositions ont été interprétées par des interprètes célèbres tels que Segovia et Yepes, entre autres… »

Jessica Kaiser

Jessica Kaiser est soliste et chambriste active. Elle s'est produite avec des orchestres dans des salles de concert du monde entier, du célèbre Gewandhaus de Leipzig à la Herkulessaal der Residenz de Munich, en Allemagne, en passant par l'Académie de musique Franz Liszt de Budapest, en Hongrie, et la Philharmonie de Bakou en Serbie. 

« Musicienne de chambre passionnée, Jessica considère sa pratique d'ensemble approfondie comme une recherche artistique visant à une interaction sonore aiguë » 

Parmi les autres temps forts de sa carrière figurent des apparitions dans des festivals et des séries de concerts en Europe, en Amérique du Sud et en Asie. Elle a également participé à plusieurs émissions de radio et de télévision en Allemagne et à l'étranger.

Elle a remporté de nombreux concours internationaux, notamment le Concours international de guitare de Budapest (2017, Prix spécial), le Concours Anna Amalia de Weimar (2009, Premier prix) et le Concours Andrés Segovia de Velbert (2011, Deuxième prix).

Chambriste passionnée, Jessica considère sa pratique d'ensemble comme une recherche artistique visant à une interaction sonore aiguë. Cela se reflète notamment dans deux projets de duo durables et couronnés de succès :

depuis 2006, sa collaboration musicale avec Jakob Schmidt, au sein du duo de guitares KAISER SCHMIDT, est essentielle à la réalisation de ses ambitions musicales. Ensemble, ils ont remporté les premier, deuxième et spéciaux prix lors de concours internationaux à Stuttgart (2010) et Schweinfurt (2014). En janvier 2017, ils ont sorti leur premier CD sous le label AureaVox.

Aux côtés de la violoniste en herbe Johanna Ruppert, Jessica se produit régulièrement sous le nom de Duo Karuna. Depuis leurs débuts en 2016, des concerts les ont conduits dans toute l'Allemagne, en Italie, en Autriche et en Espagne, où ils se sont produits dans des festivals de musique de chambre renommés, notamment le Beethovenfest de Bonn, la Semaine internationale de la guitare de Ségovie et le Festival international de musique de chambre de Monteleon. Français Ils ont remporté le 3e prix du 14e Concours international Enrico Mercatali à Gorizia, en Italie (2017), le 3e prix du Concours international de musique de chambre à Braga, au Portugal, ainsi que le 1er prix du Concours international de musique du Nord (tous deux en 2018).

Jessica a commencé ses études musicales à l'âge de 4 ans. Grâce à ses succès constants avec son ancien professeur Stefan Schmidt, elle a poursuivi ses études avec Thomas Müller-Pering à l'École de musique Franz Liszt de Weimar à partir de 2011. En 2015, ses études de master l'ont conduite à l'Université de musique et des arts du spectacle de Graz, où elle a bénéficié du mentorat de Paolo Pegoraro. Jessica perfectionne actuellement ses compétences tout en préparant un diplôme de soliste à l'École de musique Franz Liszt de Weimar. Depuis octobre 2018, elle poursuit également ses études de doctorat à l'École doctorale de recherche artistique de l'Université des arts de Graz.

Jessica a bénéficié de bourses de l'association caritative Yehudi Menuhin Live Music Now (depuis 2010), du Rotary Club (2010), de la Neue Liszt Stiftung Weimar (2015) et du DAAD (2016/2017). Elle a également reçu le prix pour la promotion des arts décerné par la ville d'Augsbourg (2016).

Elle est actuellement assistante de recherche à l'Université des Arts de Graz.
Source : jessicakaiserguitar.com

lire sur : https://nanaba.art/article-37-jessica-kaiser.html

Jessica Kaiser interprète Collectici Intim de Vicente Asencio (1908–1979)

Jessica Kaiser plays 'Collectici Intim II - La Joia' by Vicente Asencio on a 1973 Daniel Friederich

Jessica Kaiser plays 'Collectici Intim IV - La Gaubanca' by V. Asencio on a 2015 Dietmar Heubner

Confession de Barrios pour guitare

Par Bradford Werner 2020 lire sur : https://www.thisisclassicalguitar.com/fantasy-for-guitar-op107-malcolm-arnold/

Confesion d'Agustin Barrios Mangore (1885-1944) – « Également connue sous le nom de  Confesión de Amor (Confession d'amour) Confesión  est un exemple du genre romanza, une pièce lente et mélodique à deux temps exprimant un sentiment romantique. Barrios a écrit cette œuvre en 1923 et l'a enregistrée le 21 juin 1928. Il place ici la mélodie dans le registre grave avec un accompagnement harmonique dans les voix aiguës. Une connaissance approfondie de l'instrument est nécessaire pour parvenir à ce type d'écriture texturale, et  Confesión , avec sa  Romanza en Imitación al Violoncello , est une démonstration magistrale de virtuosité et de talent. » (Naxos – Rico Stover)

Tariq Harb

Dr Tariq Harb, DMA
Professeur à temps partiel, musique
Professeur particulier de guitare classique et de musique

Le parcours du Dr Tariq Harb vers la gloire dans le monde de la guitare classique a été marqué par des réalisations remarquables et un dévouement indéfectible. Fort de nombreuses distinctions, dont des prix prestigieux lors de concours prestigieux comme le Concours Barrios WorldWideWeb, le Concours international de guitare classique de Montréal et le Concours international de guitare classique de Tokyo, Harb s'est rapidement imposé comme une figure marquante de sa génération. 

Réputé pour sa maîtrise inégalée de la mélodie et de l'émotion, la virtuosité de Harb a été saluée par les sommités du milieu. TED Global a salué ses performances « magistrales », tandis que Patrick Roux, directeur artistique de Guitare Alla Grande, a vanté sa « présence scénique élégante et charismatique » et son « jeu impeccable ». La radio de CBC l'a couronné guitariste NEXT! en 2013, le proclamant « prochaine superstar canadienne de la guitare classique », consolidant ainsi sa renommée internationale.  

Harb donne des concerts dans le monde entier, de l'Amérique du Nord à l'Asie, et partout ailleurs. Ses prestations dans des lieux emblématiques tels que l'amphithéâtre romain antique de Jordanie, la salle de concert Bunka Kaikan de Tokyo, le Concertgebouw d'Amsterdam et le Carnegie Hall de New York ont ​​captivé le public. Il a également partagé son expertise lors de masterclasses, de participations à des festivals de guitare prestigieux et en tant que juge de concours de musique dans le monde entier.

Avec sept albums solo à son actif, couvrant un répertoire varié, les contributions de Harb vont au-delà de la simple performance et incluent des vidéos pédagogiques et des publications visant à enrichir la communauté de la guitare classique. Compositeur et arrangeur, ses œuvres ont été acclamées. Sa suite « Spirit », récemment publiée par Les Productions d'Oz, met en valeur son approche novatrice de la composition pour guitare solo. De plus, son dernier projet, le duo « 17 Strings » avec le virtuose de l'oud Abdul-Wahab Kayyali, promet de repousser les limites et de ravir le public.

Jordano-Canadien d'origine palestinienne, le parcours de Harb, d'une carrière dans la finance à la scène internationale de la guitare classique, témoigne de sa passion et de sa détermination inébranlables. Titulaire d'une maîtrise de l'Université McGill, d'un doctorat en arts musicaux de l'Université de Toronto et d'un poste de professeur à l'Université Concordia, Harb continue d'inspirer les musiciens en herbe tout en bénéficiant du soutien de sponsors de premier plan. Dans un monde où le talent et la persévérance convergent, Tariq Harb se présente comme un modèle d’excellence, invitant les auditeurs à se lancer dans un voyage de découverte musicale et d’expression artistique.

Mars 2024

Augustin Barrios Mangoré: Confesión - Tariq Harb, Guitar​​​​​​​

Le guitariste Tariq Harb joue exclusivement pour CBC Radio 2 dans une session d’enregistrement en direct aux studios Glenn Gould à Toronto, au Canada. C’est une pièce délicieuse appelée " Confession " par le guitariste et compositeur paraguayen, Agustín Barrios Mangoré. 

Bach: Toccata and Fugue, BWV 565 - Tariq Harb, guitar 

Le guitariste Tariq Harb interprète la monumentale Toccata and Fugue de J.S. Bach, BWV 565. Il s’agit d’une adaptation pour guitare solo par Edson Lopes. 

La Toccata et fugue en ré mineur, BWV 565, est une composition musicale en deux parties pour orgue, écrite entre 1708 et 1750 par Johann Sebastian Bach, et connue pour son son majestueux, son autorité dramatique et son rythme entraînant. La pièce est peut-être plus largement connue en raison de son apparition dans les premières minutes du classique culte de Disney de 1940, Fantasia, dans lequel elle a été adaptée pour orchestre par le chef d’orchestre Leopold Stokowski. Il a également une forte association dans la culture occidentale avec les films d’horreur ; il a été inclus dans des films tels que Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1931), The Black Cat (1934) et The Phantom of the Opera (1962).

• Performance: Tariq Harb
• Transcription: Edson Lopes
• Guitar:            Douglass Scott, 2018
• Strings:         Savarez basses and Augustine Regel trebels

Audio and video:  Drew Henderson
Location of recording: Toronto, Ontario, Canada

Si vous souhaitez lire et écouté la suite de l'article de Bradford Werner rendez vous sur :

Répertoire de guitare classique

This is Classical Guitar           ( https://www.thisisclassicalguitar.com/classical-guitar-repertoire/ )

Répertoire de guitare classique avec des vidéos d'interprétation, des enregistrements et des éditions de partitions fiables. Je souhaite offrir un espace unique pour écouter d'excellentes interprétations et recommander des partitions que j'utiliserais ou recommanderais. La musique proposée est généralement de niveau 4 et plus, mais les élèves peuvent également consulter ma page de partitions pour les partitions classées. J'ai également intégré certaines de mes éditions. Le répertoire se concentre généralement sur les œuvres standard du répertoire, mais j'essaierai d'y ajouter occasionnellement de nouvelles œuvres remarquables.                                                                                         Bradford Werner

Bradford Werner

Bradford Werner est un guitariste classique et éditeur de musique originaire de Victoria, en Colombie-Britannique, au Canada. Initialement créé pour ses élèves du Conservatoire de musique de Victoria, il partage désormais son contenu dans le monde entier. La sélection de contenu dédié à la guitare permet aux élèves de s'imprégner de la culture, des idées musicales et de la technique de la guitare classique. Bradford possède également une chaîne YouTube qui compte plus de 100 000 abonnés et 14 millions de vues. Il a enseigné la guitare classique au Conservatoire de musique de Victoria pendant 16 ans et a travaillé en freelance dans le Grand Victoria pendant 20 ans. Il consacre désormais une grande partie de son temps à la sélection de contenu en ligne et à la création de liens au sein de la communauté de la guitare classique. Pour en savoir plus, consultez son site web personnel.

Par Bradford Werner 2017 lire sur : https://www.thisisclassicalguitar.com/fantasy-for-guitar-op107-malcolm-arnold/

Rafael Aguirre, guitariste espagnol

Nous nous pencherons sur le jeu et le répertoire du virtuose espagnol Rafael Aguirre, et notamment sur sa dernière collaboration avec la chanteuse égyptienne Fatma Saïd, avec des œuvres de Man...

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/guitare-guitares/rafael-aguirre-guitariste-espagnol-5096657

Rafael Aguirre : Un voyage entre tradition et évolution dans la guitare classique

Gabriela Gorab
Mexico /06.05.2025 

Lire en intégralité sur : https://www.milenio.com/cultura/rafael-aguirre-tradicion-evolucion-guitarra-clasica

Rafael Aguirre (Málaga, 1984), l'un des guitaristes les plus remarquables de sa génération, a parcouru 47 pays et joué dans les salles les plus prestigieuses du monde et réside désormais au Mexique. Son art a laissé son empreinte sur des scènes emblématiques comme le Carnegie Hall, où il a interprété le Concerto de Aranjuez, l'une des œuvres les plus marquantes de la musique espagnole . Tout au long de sa carrière, Aguirre a connu les émotions et les défis de la scène, aussi bien en soliste qu'avec orchestre, adaptant son style à chaque contexte. Aguirre reconnaît que chaque scène a quelque chose d'unique à offrir, et si le Carnegie Hall revêt une importance historique incontestable, d'autres lieux l'ont également profondément marqué.

L'héritage de grands guitaristes comme Andrés Segovia et Narciso Yepes a été crucial dans le développement d'Aguirre, mais il s'est également efforcé de fusionner la tradition avec de nouvelles influences. Son intérêt pour la transcription d’œuvres pour piano de compositeurs tels que Bach, Ravel et Gershwin reflète son désir d’élargir les possibilités de la guitare. Avec une vision qui fusionne tradition et innovation, Aguirre a trouvé un nouveau foyer au Mexique qui lui permet de continuer à grandir et à s'enrichir culturellement. Rafael Aguirre continue d'élever sa guitare vers de nouveaux sommets, fusionnant les genres et explorant de nouveaux sons, gardant vivante la tradition de la guitare classique tout en ouvrant les portes à l'innovation.
Gabriela Gorab
Mexico /06.05.2025 

Lire en intégralité sur : https://www.milenio.com/cultura/rafael-aguirre-tradicion-evolucion-guitarra-clasica

Rafael Aguire Miñarro

- Guitar Recital

• I. Albéniz - Asturias (0:00)
• F. Mendelssohn - Barcarola Veneziana (6:30)
• R. Schumann - Kinderszenen op.15 
• 1. Von fremden Ländern und Menschen (9:35)
• 2. Kuriose Geschichte (11:31)
• 3. Hasche-Mann (12:40)
• 4. Bittendes Kind (13:12)
• 5. Glückes genug (14:23)
• 6. Wichtige Begebenheit (15:48)
• 7. Träumerei (16:41)
• 8. Am Kamin (17:52)
• 9. Ritter vom Steckenpferd (18:40)
• 10. Fast zu ernst (19:19)
• 11. Fürchtenmachen (21:12)
• 12. Kind im Einschlummern (22:52)
• 13. Der Dichter spricht (25:05)
• F. Tárrega - Gran Jota (27:49)
• G. Gershwin - Three Preludes (36:10)
• J.Rodrigo - Toccata (44:24)
• C.Debussy - Clair de lune (52:16)
• M. de Falla - Danza de "La vida breve" (58:07)
• Paco de Lucia - Guajiras de Lucia (1:01:42)
• 20th Century Fox Home Entertainment (1:04:57)
• John Williams - Star Wars (1:05:17)
• Joaquin Malats (arr. F. Tarrega) - Serenata española (1:11:36)
• I. Albeniz - Sevilla (1:15:18)
• H. Villa Lobos - Etude No.12 (1:20:00)
• A. Lauro - Seis por Derecho (1:22:14)
• Luiz Bonfá - Passeio no Rio (1:25:00)
• H. Villa lobos - Etude No.7 (1:28:05)
• F. Tarrega - Recuerdos de la Alhambra (1:30:19)

Rafael Aguirre, Spain - Germany

Guitar: Stephen Connor, United States

Rafael Aguirre:

Variaciones sobre "El Carnaval de Venecia"   - Francisco Tárrega

Rafael Aguirre

- Málaga originaire de Lecuona

 Voici l'une des malagueñas les plus célèbres, composée par le Cubain Ernesto Lecuona, et le sixième mouvement de sa suite « Andalucía ».