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Les meilleurs albums des années 60 (2)
Bob Dylan, Aretha Franklin, Albert Ayler, le Velvet Underground, Eric Dolphy, Dusty Springfield et les autres artistes qui ont changé la musique pour toujours
Lorsque l'on considère l'ensemble de la musique du 20ème siècle, les années 1960 sont particulièrement importantes. Une partie de l’importance accordée à la musique de la décennie s’explique par la démographie (la génération massive de baby-boomers née après la Seconde Guerre mondiale et l’âge de l’écoute musicale) et la technologie (le secteur de l’électronique grand public créait de nouveaux espaces télévision et les avancées en matière de sonorisation ont rendu possibles de grands concerts). Néanmoins, il est indéniable que la musique des années 60 a eu un impact énorme à l'époque et n'a jamais vraiment disparu. Dans les années 1950, les albums étaient dominés par des chanteurs à l'écoute facile tels que Bing Crosby et des comédies musicales sans fin, des disques qui n'ont plus qu'un auditoire de niche. Mais autant de grands albums des années 1960 continuent de captiver les auditeurs anciens et nouveaux,
En tant que no show sur les playlists de rock classique, les débuts de Pink Floyd sont rarement le point de départ de quiconque avec le groupe. Mais même si le groupe britannique avait fini avec le limogeage du premier dirigeant, Syd Barrett, après la libération de Piper aux Gates of Dawn , leur place dans le rock psychédélique serait assurée. L’album est l’une des plus grandes réussites de la mode, trouvant de la place pour des contes de fées fracturés et des angoisses interstellaires de 10 minutes tout en produisant un son tout aussi altérant (et effrayant). Cela fait également du héros tragique, troublé et finalement condamné, un héros tragique. Cinquante ans plus tard, il est possible de voir Pink Floyd comme tout ce que le punk et le rock indépendant cherchaient à détruire ainsi qu'une influence fondamentale sur ces mêmes mouvements. –
Dans les années 1960, on parlait du Swinging London, pas du Swinging Paris. Tellement peu de gens auraient pu s’attendre à ce qu’un Français qui a eu 40 ans en 1968 réalise l’un des albums les plus élégants de la décennie. Enregistré en grande partie à Londres, Initials BB associe le sens sans pareil de la mélodie dramatique de Serge Gainsbourg à la meilleure production pop orchestrale des années 1960, intégrant des éléments de jazz, de yé-yé, de chanson et de la pop baroque de la rive gauche soupçon d' âme en caoutchouc–Er Beatles. Des cordes en cascade et des cuivres impériales de la chanson titre à la joue émouvante de «Marilu», la chanson d'amour déchirante et condamnée «Bonnie and Clyde» à la critique environnementale virulente de «Torrey Canyon», pas une seconde n'est perdue dans cette tension, Chef-d'œuvre de 31 minutes. Il évoque le brouillard londonien et l'élan parisien, la pop contemporaine et l'éternelle splendeur orchestrale, de manière à donner aux groupes de pop anglo-américains les plus modernes de la mode une apparence incroyablement maladroite. –Ben Cardew
Dans une décennie obsédée par la mode, Simon & Garfunkel, un duo de livres qui semblait vouloir être plus à la maison en train de se pencher sur des livres d'histoire folklorique que de laisser tomber de l'acide à Haight-Ashbury, était plutôt cool. Cette studiousness s'insinue parfois dans Sounds of Silence, leur deuxième album, qui comprend des chansons inspirées d’un poème d’Edwin Arlington Robinson («Richard Cory») et d’un article de journal sur un suicide («A Most Peculiar Man»), ainsi que la couverture d’un morceau de guitare instrumentale du groupe britannique le revivaliste folk Davey Graham («Anji»). Cependant, des chansons comme «Le son du silence», «Avril viens elle va» et «Je suis un rocher» surmontent tout sentiment de fastidieux intellectuel qui parlent de vérités humaines universelles comme la solitude, la dépression et l'impossibilité de communiquer. via des arrangements épurés et des harmonies cristallines qui laissent respirer les mélodies célestes. L'effet est discrètement dévastateur et il semble approprié qu'un album contenant de telles vérités émotionnelles durables ait été préservé par la Bibliothèque du Congrès afin que les générations futures puissent aussi les appeler. –Ben Cardew
À la fin des années 1950, Antônio Carlos Jobim et João Gilberto et Rio de Janeiro ont entamé une révolution tranquille. Jobim, connu pour ses compositions «douces et sophistiquées», a fait équipe avec le chanteur-guitariste Gilberto pour créer la bossa nova, qui téléporte les rythmes balancés de la samba brésilienne dans un cadre plus intime. Le saxophoniste américain Stan Getz, dont l'approche à la fois somptueuse et discrète dans le monde du jazz s'appelle simplement «le son», était un choix naturel. Lorsque Jobim, Gilberto et Getz se sont rencontrés, le résultat a été le couronnement de bossa nova.
The Sound rencontre le nouveau son de Jazz Samba ( 1962) , un album au top du classement mettant en vedette le guitariste Charlie Byrd. Ensuite, ce qui aurait pu ressembler à une lubie s’est épanoui en Getz / Gilberto . Les douces mélodies de l'interprète américain de bossa nova se fondent parfaitement dans la voix de berceuse de l'artiste qui l'avait définie. Une partie du piano et la plupart des huit chansons (sur les étoiles, les mers, l'amour, le clair de lune et une certaine fille d'Ipanema) sont de Jobim. L’effet général est saudade , un mot portugais très intraduisible pour désigner le désir mélancolique qui apparaît dans le titre du premier disque de bossa nova de Jobim et Gilberto. Cela est accentué par l'élégance décontractée de la femme de Gilberto, Astrud, qui fait ses débuts dans le chant. –Marc Hogan
Le 15ème album d'Aretha Franklin, Aretha Now , est entré dans un monde en feu. Les États-Unis étaient dans la tourmente en 1968 à la suite des assassinats de Martin Luther King Jr. et de Robert Kennedy; Au milieu des protestations et des soulèvements, les troupes ont fait la guerre au Vietnam. Peut-être délibérément, Franklin a-t-elle reflété ces tensions sur sa chanson d'ouverture, "Think", une âme volcanique qui aspire à la liberté.
L'histoire raconte qu'Aretha Now a été enregistrée en cinq jours sous la surveillance du producteur Jerry Wexler, qui a également supervisé son film Lady Soul plus tôt dans l'année. Aretha Now s'est avéré être un brûleur à gazon à part entière, légèrement éclipsé par son prédécesseur, mais non moins puissant. Par exemple, sur «Vous êtes un homme doux», Franklin semble particulièrement résonant, et sa reprise de «Hello Sunshine» pourrait être meilleure que celle de Wilson Pickett. Aretha Now capture Franklin en pleine ascension, lui permettant de décrocher le titre qui lui revient en tant que reine de l'âme. –Marcus J. Moore
eune homme, Jacques Brel s'est éloigné de la bourgeoisie, abandonnant sa famille belge étouffante pour les cabarets des cabarets des années 1950 à Paris. En 1966, il était une icône internationale, emballant des salles de concert à New York, à Londres et dans toute l’Union soviétique. Cette année-là, une douzaine avant sa mort, le maître compositeur avait menacé de se retirer de la musique, mais pas avant la sortie de Ces Gens-là., un classique de la chanson glissante. Dans des vignettes charismatiques, Brel présente un casting de narrateurs imparfaits et peu fiables - des amants jaloux, des ivrognes inspirés, des prétendues superstars. Son spectacle théâtral cache des observations intimes et il exorcise les rêves non réalisés de ses personnages au moment même où nous pourrions nous interroger sur leurs motivations. Sur la chanson «Jef», les cordes traversent une corde raide de discorde, reflétant l'amitié précaire entre un alcoolique au cœur brisé et son sauveur assoiffé de gouttières. Sur la piste titre, le narrateur fait la satire délicieusement d'une famille de bourgeois dégénérés: imite leur baveuse soupe de porc, déplore leur impatience pour la mort d'un parent riche. Quand les cordes se détachent du ciel, il annonce le crime le plus grave de la famille: interdire sa relation avec Frida, la fille de la famille. Son commentaire de classe vicieux était-il une farce? D'une manière ou d'une autre, une dernière tournure valide quelque peu leurs réserves: notre narrateur - passionné, adorablement imparfait - avoue à moitié avoir tranché la gorge de chats. «Ils ne sentaient pas bon», raisonne-t-il. Brel ne pouvait pas, à tout le moins, être accusé d'avoir écrit des caractères de stock. –Jazz Monroe
La Beatlemania était bien avancée lorsque les Fab Four ont créé A Hard Day's Night; ils étaient également en train de tourner simultanément leur premier long métrage, et l'activité débordante a obligé l'équipe de composition de John Lennon et Paul McCartney à se concentrer sur la création de leur premier album de morceaux originaux. Certaines chansons font écho à leurs chansons et influences précédentes - groupes de filles, Motown et même Tin Pan Alley - mais en synthétisant ces sons, les Beatles se sont retrouvés avec un style qui semblait être le début de quelque chose de nouveau. Ce ne sont pas que des chansons, ce sont des notes de grâce: les voix à double piste de «Any Time at All», l'allure country-rock de «I'll Cry plutôt», sont à la mesure des 12 cordes de George Harrison. L'album a également ouvert la voie à tous les groupes de battements et combos de blues à l'affût au Royaume-Uni, prêts à traverser l'Atlantique une fois que l'Amérique serait prête à les entendre. Chaque groupe de l’invasion britannique a une dette non seulement envers les Beatles, maisUne nuit difficile : c'est le disque qui a créé un tout nouveau monde. –Stephen Thomas Erlewine