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Cette année la !.... 1969
J'ai terminé l'année 1968 avec Léo Ferré et je vais commencer l'année 1969 avec Léo Ferré.
« Dans la famille coup de poing, Ferré, c’est le père, Ribeiro la fille, Lavilliers le fils. Et moi la mère »
Colette Magny
la chanson française engagée
https://bibliotheques.paris.fr/userfiles/file/chanson%20engag%C3%A9e.pdf
Les événements de mai 68 ont suscité un tel sentiment de renouveau et de contestation que cette courte période, certes troublée, mais riche en idées novatrices et libertaires, a vu arriver un nouveau courant dans la chanson engagée. Une génération d’artistes
revendicatifs s’est imposée alors que d’autres chanteurs, déjà en place, avaient précédé ce mouvement social mais aussi culturel. Cela dit, qu'elle soit écolo, politique ou sociale, la chanson engagée a toujours fait partie du paysage musical français bien avant les événements de 68. D'hymnes révolutionnaires du 18ème
siècle (La Marseillaise…) aux chansons d'artistes contemporains, l'engagement de certains est passé par la chanson. Bien que l’on ne puisse les rassembler sous une étiquette de purs chanteurs engagés, ils ont eux aussi contribué plus ponctuellement à enrichir ce répertoire.
Noël Lopez sur :
https://bibliotheques.paris.fr/userfiles/file/chanson%20engag%C3%A9e.pdf
Publié le 11/05/2018 Mis à jour le 11/05/20
Sur https://www.francetvinfo.fr/economie/emploi/metiers/art-culture-edition/l-histoire-d-une-chanson-c-est-extra-de-leo-ferre_2747883.html
France 2 s'intéresse à la chanson mythique "C'est extra", de l'anarchiste Léo Ferré. Un slow qui fera danser en 1969 les soixante-huitards.
Les débuts difficiles, les chansons interdites. En 1968, il a presque tout connu, Léo Ferré, et voilà que cet anticonformiste fait un tube, presque comme un banal chanteur de variété. Un Léo libertaire et libertin. C'est extra est l'un de ses œuvres les plus populaires. En 1968, on attend Léo Ferré sur le terrain des révoltés, et d'ailleurs, il ne s'est pas dérobé. Il vient d'offrir aux anarchistes une chanson comme un nouvel étendard. Pour ses chansons politiques, il a souvent payé cher son audace. Merde à Vauban : censuré. La maffia : censuré. C'était plus fort que lui, raconte son fils. Cette révolte, elle coulait dans son sang.
Une dose de révolte, un soupçon d'érotisme
L'anarchie de Léo, l'érotisme de Ferré : les deux sources d'inspiration de l'artiste. Dans C'est extra, l'écriture poétique dissimule à peine l'intention érotique de Ferré. Il faut bien faire attention aux paroles. C'est d'ailleurs comme cela qu'il s'est fait connaître : en écrivant une chanson coquine pour Juliette Gréco. À tel point que dans les années 1960, on entend des mises en garde à la télévision. Seize ans après Jolie môme, Léo Ferré prépare donc C'est extra. Une dose de révolte, un soupçon d'érotisme : dans son répertoire de 1968, Léo Ferré a parfaitement compris les aspirations de la jeunesse. Avec C'est extra, il attire à lui un nouveau public, qui ne le quittera plus.
Par Lionel Sisti Sur : https://www.musanostra.com/cest-extra-leo-ferre/
Léo Ferré, c’est plus de quarante ans de chansons, de poésie, de musique, et pour le grand public deux titres passés à la postérité : « Avec le temps » et « C’est extra ».
Souvenez-vous : « 69 année érotique ». En 1968, Claude François chante « Comme d’habitude », mais l’année suivante, ce n’est plus « je me lève et je te bouscule », plutôt, « je me lève et je te bascule ».
En écho au mouvement de Mai, l’année 69 est inondée de chansons dont le texte plus cru, même s’il est parfois métaphorique (Il faut échapper à la censure.) rompt avec la pudibonderie alors régnante. En 1969, ou peu après, nous entendrons Johnny Hallyday chanter « Que je t’aime », Serge Gainsbourg et Jane Birkin « Je t’aime, moi non plus », Michel Polnareff « L’amour avec toi »,…Mais cette année là, le plus bel hymne au désir sexuel sera « C’est extra » de Léo Ferré.
Sur un 45 tours, extrait de l’album « L’été 68 », en face A, il y a « La nuit » et en face B « C’est extra ». En face B, car cette chanson tranche dans l’œuvre de ferré, « ça pourrait faire un tube, mais chanté par Ferré… ». Cette chanson, elle avait quekchose de « vendue au système ». Oui, mais voilà, cette face B va devenir un slow culte. Le poète nihiliste, solitaire et colérique allait être aimé du plus grand nombre comme Cloclo et Hallyday.
Il enregistre ce titre le 7 janvier 1969, et le grave à la gloire des Moody Blues « Nights in white satin ». « Ces Moody blues qui chantent la nuit comme un satin de blanc marié. » A la fin du texte, on lit aussi « Les Moody blues qui s’en balancent. Cet ampli qui n’veut plus rien dire. » Si les Moody Blues s’en balancent, c’est peut-être parce que Léo Ferré ne put collaborer avec ces derniers comme il l’avait souhaité. Il s’est quand même fait photographier avec eux. Il jouera avec le groupe Zoo et ce sera extra. (Qui se souvient de Zoo ?)
On danse donc l’été 69 des slows et on drague avec ardeur sur « C’est extra ». C’est une chanson commerciale, certes, mais néanmoins du grand Ferré. De quoi est-il question dans ce texte ?
Au début, il y a une fille qui tangue comme un matelot sur un air anglais, « sur ce jazz qui jazze dans le noir ». (Les Moody Blues, ce n’est pas du jazz, ce n’est pas grave, c’est extra quand même.) « Et dans le port de cette nuit », soudain la lumière et les couleurs, « ces mains qui jouent de l’arc-en-ciel sur la guitare de la vie, et puis ces cris qui montent au ciel, comme une cigarette qui prie », ou comme « une fille qui tangue et vient mouiller », jouir, mourir dans la musique du silence, non pas nue, mais habillée de musique, « ses bas qui tiennent haut perchés », « ses cheveux qui tombent comme le soir », « d’la musique en bas des reins », et, « sous le voile à peine clos, cette touffe de noir jésus qui ruisselle dans son berceau ».
Un matin gris succède à la nuit, « et dans la musique du silence », si elle tangue encore, c’est de plaisir et de fatigue. Et c’est extra ! Non ?
Il était une fois, deux 45 tours :
C’est Extra et Avec le Temps de Léo Ferré
26 avril 2015 Julien Sterckx Sur :
https://www.lesuricate.org/etait-deux-45-tours-cest-extra-temps-de-leo-ferre/
En 1969, Léo Ferré est déjà un artiste reconnu, considéré comme un « grand » de la chanson française.Il a déjà une dizaines d’albums à son article et son premier 45 tours, Paris Canaille, sorti sur son ancien label Odéon, est déjà sorti depuis 15 ans.
Depuis 1960, Léo Ferré a signé sur le label d’Eddie Barclay, avec lequel tout ne se passait pas trop mal jusqu’en 1967. Cette année là, Barclay censura la chanson A une chanteuse morte que Léo Ferré avait composé pour Edith Piaf. Cette affaire se retrouva même devant un tribunal mais Barclay l’emporta et la chanson ne sortir pas. Un an plus tôt, Léo Ferré c’était attelé à la mise en musique de son vieux recueil de poèmes Poète, vos papiers, qu’il avait écrit dans les années 50. Le résultat sera écoutable sur deux 33 tours L’été 68 et Amour Anarchie, sortis respectivement en 1969 et 1970.
Le premier des deux albums, L’été 68 regorge de chansons intéressantes, mais contient surtout, caché sur sa face B, la chanson C’est Extra qui deviendra un des classiques de l’artiste. Inspirée du tube Nights in White Satin des Moody blues, cette chanson est née de l’envie de Léo Ferré de moderniser le son de sa musique en s’inspirant donc entre autre des Moody Blues et de Procol Harum.
Le résultat est superbe mais l’artiste n’ose pas imposer son titre à Barclay qui se contente de la publier, encore une fois en face B, sur premier 45 tours issus de l’album dont la chanson principale est intitulée La Nuit.
Très vite, radios et fans de l’artistes tombent amoureux de cette chanson, qui lui permet d’ailleurs d’élargir et de rajeunir considérablement son public. La conséquence de ce succès est qu’un 45 tours mettant la chanson à l’honneur en face A voit très vite le jour. Graphiquement, les pochettes de ces différents 45 tours ne sont pas particulièrement intéressantes, puisqu’elles présentent juste la photo de l’artiste assez souriant, sans trop d’originalité. Barclay venait donc de commettre ce qu’on appelle communément une boulette en ne faisant pas confiance au potentiel de cette splendide chanson. On dit souvent que l’important c’est d’apprendre de ses erreurs. Mais manifestement, les représentants de cette maison de disque ne connaissaient pas cet adage et l’année suivante, Barclay commit à nouveau une grosse erreur.
En 1970, sort donc Amour Anarchie, album encore considéré aujourd’hui comme un des plus importants albums francophones de l’histoire. Et pourtant, cet opus aurait pu être encore plus culte si Barclay n’avait décidé qu’une magnifique ballade, portant le titre de Avec le temps n’y avait pas sa place.
Avec le temps sortit dans la précipitation l’année suivante, sur un simple 45 tours et connut un succès encore plus important que C’est extra. Léo Ferré semblait agacé par ce succès, lui qui admettait avoir composé cette chanson vite fait bien fait en deux petites heures. Comme quoi il ne faut pas des mois pour composer un chef d’œuvre. Avec le temps est d’ailleurs cité par pas mal d’artistes francophones comme la plus belle chanson française de tous les temps, rien que ça !
Encore une fois, au niveau graphique, rien de bien particulier à signaler, si ce n’est que Léo Ferré apparait beaucoup plus sombre et torturé. Vu les paroles et la mélodie de la chanson, il aurait été de toute façon assez malvenu qu’il y apparaisse avec un nez rouge et un grand sourire. La suite de la carrière de Léo Ferré fut un enchainement de hauts et de bas, mais jamais, il ne connut un autre succès aussi important qu’avec ces deux superbes chansons.
🎤 Paroles :
Une robe de cuir comme un fuseau
Qu'aurait du chien sans l'faire exprès
Et dedans comme un matelot
Une fille qui tangue un air anglais
C'est extra
Un moody blues qui chante la nuit
Comme un satin de blanc d'marié
Et dans le port de cette nuit
Une fille qui tangue et vient mouiller
C'est extra
C'est extra
C'est extra
C'est extra
Des cheveux qui tombent comme le soir
Et d'la musique en bas des reins
Ce jazz qui d'jazze dans le noir
Et ce mal qui nous fait du bien
C'est extra
Ces mains qui jouent de l'arc-en-ciel
Sur la guitare de la vie
Et puis ces cris qui montent au ciel
Comme une cigarette qui brille
C'est extra
C'est extra
C'est extra
C'est extra
Ces bas qui tiennent hauts perchés
Comme les cordes d'un violon
Et cette chair que vient troubler
L'archet qui coule ma chanson
C'est extra
Et sous le voile à peine clos
Cette touffe de noir jésus
Qui ruisselle dans son berceau
Comme un nageur qu'on attend plus
C'est extra
C'est extra
C'est extra
C'est extra
Une robe de cuir comme un oubli
Qu'aurait du chien sans l'faire exprès
Et dedans comme un matin gris
Une fille qui tangue et qui se tait
C'est extra
Les moody blues qui s'en balancent
Cet ampli qui n'veut plus rien dire
Et dans la musique du silence
Une fille qui tangue et vient mourir
C'est extra
C'est extra
C'est extra
Leo Ferré C'est extra Paroles
FÉVRIER 1969 :
Sur http://weareclassicrockers.com/article/february-1969-tommy-james-crimson-and-clover-goes-over-and-over-charts
Le 8 février 1969, "Crimson and Clover" de Tommy James et The Shondells , un amalgame parfait de soft rock et de pop psychédélique, atterrit au sommet du Billboard Hot 100 et deviendra le single le plus réussi jamais sorti par l'homme qui chantait, a co-écrit et produit la chanson.
Initialement sorti en novembre 1968, « Crimson and Clover » était une tentative manifeste de James d'orienter sa musique dans une direction différente – une tentative adoptée par son label, Roulette Records , qui lui a donné un contrôle artistique complet sur sa musique. Il y a une différence d'opinion quant à savoir qui a trouvé le titre de la chanson : James a dit que c'était une phrase qui lui était venue à l'esprit lorsqu'il se réveillait un jour, une combinaison de sa couleur préférée et de sa fleur préférée, mais son le co-scénariste (et batteur de Shondells) Peter Lucia, Jr. a déclaré que c'était une phrase qui lui était venue alors qu'il regardait un match de football au lycée du New Jersey entre Morristown Crimson et Hopatcong, une équipe dont les uniformes étaient vert trèfle.
Quel que soit le responsable du titre, le résultat final était un morceau épique - mais il a fallu si longtemps à James pour assembler le morceau qu'il n'était pas encore terminé lorsque Roulette est venue chercher un nouveau single, alors il s'est acheté un peu plus de temps. en leur donnant « Faites-moi quelque chose » comme mesure provisoire. Après avoir rassemblé un premier mix de la chanson, James l'a fourni à Morris Levy, cadre supérieur de Roulette Records, mais il est également passé à la station de radio de Chicago WLS quelques jours plus tard, pour connaître leur réaction. Ce qu'il n'a pas réalisé, cependant, c'est que lorsqu'il leur a diffusé le single hors antenne, la station l'a enregistré puis l'a diffusé. (Pouvez-vous même imaginer le procès qui en résulterait si une station faisait quelque chose comme ça de nos jours ?) Bien que Levy soit furieux, tout comme James, qui n'avait pas encore terminé sa production finale sur la chanson, l'énorme réponse de l'auditeur a conduit Levy à simplement sortir la chanson sous sa forme brute de mixage. Évidemment, cela a payé, mais vous pouvez imaginer les grognements de James lorsqu'il a appris la nouvelle de Levy. Avant de conclure, nous serions négligents si nous ne mentionnions pas que « Crimson and Clover » a continué à avoir une vie assez importante même après la version de James, notamment grâce à Joan Jett et The Blackhearts, qui ont repris la chanson . sur son deuxième album I Love Rock 'N' Roll et a propulsé le single au 7e rang aux États-Unis, au 6e rang en Australie et au 4e rang au Canada.
Par Tina Benitez-Eves Sur :
https://americansongwriter.com/meaning-behind-song-lyrics-crimson-and-clover-tommy-james-and-the-shondells/
En 1969, le groupe de pop psychédélique Tommy James et The Shondells avaient déjà un certain nombre de succès dans leur catalogue croissant, y compris leur reprise de 1966 des Raindrops, « Hanky Panky », et d'autres succès du Top 10 comme « I Think We're Alone ». Now », sorti en 1967, atteignant la première place 20 ans plus tard avec la reprise de Tiffany, et la sortie de 1968 « Mony Mony » – la version live de Billy Idol également en tête des charts en 1987.
Le groupe a encore frappé fort, en tête des charts avec la chanson titre de leur sixième album : « Crimson and Clover ». Initialement sortie en décembre 1968, la chanson atteint la première place en 1969 et se vend à cinq millions d'exemplaires, ce qui en fait la chanson la plus vendue de Tommy James et des Shondells.
Parlant lyriquement
Le mélange de « Crimson » et « Clover » explore un amour qui pourrait se transformer en des mouvements beaux et émouvants pour garder quelqu'un. Au niveau des paroles, l'histoire se déroule plus directement :
Paroles de chansons Tommy James - Crimson and Clover
Oh
Now I don't hardly know her
But I think I could love her
Crimson and clover
Ah
I wish she'd come walking over
Now I've been waiting to show her
Crimson and clover
Over and over
Yes (da-da, da-da, da-da)
My my, such a sweet thing (da-da, da-da, da-da)
I want to do everything (da-da, da-da, da-da)
What a beautiful feeling (da-da, da-da, da-da)
Crimson and clover (da-da, da-da, da-da)
Over and over
Crimson and clover, over and over
Crimson and clover, over and over
Crimson and clover, over and over
Crimson and clover, over and over
Crimson and clover, over and over
Crimson and clover, over and ove
Traduction de chanson Tommy James - Crimson and Clover en français
Oh
Maintenant, je ne la connais guère
Mais je pense que je pourrais l'aimer
Crimson et trèfle
Ah
J'aimerais qu'elle vienne en marchant
Maintenant, j'ai attendu de lui montrer
Crimson et trèfle
Encore et encore
Oui (da-da, da-da, da-da)
Mon mon, une chose si douce (da-da, da-da, da-da)
Je veux tout faire (da-da, da-da, da-da)
Quelle belle sensation (da-da, da-da, da-da)
Crimson et trèfle (da-da, da-da, da-da)
Encore et encore
Crimson and Clover, encore et encore
Crimson and Clover, encore et encore
Crimson and Clover, encore et encore
Crimson and Clover, encore et encore
Crimson and Clover, encore et encore
Crimson et trèfle, encore et encore
Littéralement parlant
Le titre de la chanson était assez simple. Le « pourpre » est associé à la couleur rouge, une teinte également associée à l'amour, tandis que le « trèfle » est une espèce de fleur spécifique. L'amour s'épanouit.
Écrit par Tommy James et Peter Lucia Jr., alors batteur des Shondells, les deux écrivains avaient des origines différentes pour la signification du titre. Lucia Jr. a déclaré que « Crimson » était basé sur son équipe de football du lycée de Morristown, dans le New Jersey, The Crimson, tandis que le pourpre, qui est associé à la couleur rouge, était la couleur préférée de James, et la combinaison avec « Clover » est apparue dans sa tête.
« Ce ne sont que deux de mes mots préférés qui se sont réunis », a déclaré James. « En fait, c'était un matin alors que je me levais du lit, et ces deux mots m'est venu à l'esprit, et ça sonnait si poétique. Je n'avais aucune idée de ce que cela signifiait, ni si cela signifiait quelque chose. … Mike Vale (bassiste de Shondells) et moi avons en fait écrit une autre chanson intitulée « Crimson and Clover », et ce n'était tout simplement pas tout à fait là. J'ai fini par écrire "Crimson and Clover" avec mon batteur, Pete Lucia, décédé depuis.
Lucia Jr. est décédée à l'âge de 39 ans en 1987 après avoir subi une crise cardiaque sur un terrain de golf à Van Nuys, en Californie. "Pete était le meilleur ami que j'ai eu au cours des 21 dernières années", a déclaré James. "Sa mort a été un choc total, et je ne pense pas avoir jamais souffert aussi gravement ou aussi profondément de toute ma vie."
La création de la chanson
Pendant un certain temps, on a dit que Bo Gentry avait écrit la chanson, qui a été démystifiée par l'ancien claviériste et choriste des Shondells, Kenny Laguna. Gentry avait co-écrit certains morceaux précédents de Shondells, dont « Mony Mony », mais avait arrêté de travailler avec leur maison de disques, Roulette, en raison d'un désaccord de paiement. Joan Jett , dont le producteur et manager de longue date est Laguna, reprendra plus tard « Crimson and Clover » et sortira la chanson sur son deuxième album I Love Rock 'n Roll en 1981 ; la chanson a atteint la 7e place du classement Hot 100 pour Jett. En 2009, Prince a enregistré sa propre reprise de la chanson sur son triple album Lotusflow3r .
Cinq heures
En studio, « Crimson and Clover » a été enregistré en cinq heures et demie environ avec James chantant et jouant de plusieurs instruments, Vale à la basse et Lucia Jr. à la batterie. "Nous avons écrit la chanson, nous avons produit le disque, nous avons fait tout ce que nous devions faire", a déclaré James à propos de la liberté artistique du groupe lors de la réalisation de Crimson and Clover. "Nous avons conçu la couverture de l'album, nous sommes arrivés au point où nous avons presque intégré le processus créatif directement dans le magasin de détail."
Il a ajouté : « L’une des choses qui étaient formidables avec la roulette, c’est qu’elle nous a donné la liberté de faire ces choses. Il n’y a jamais eu de main autour de notre gorge. … Nous avions tous les budgets, ce dont nous avions besoin, nous pouvions prendre notre temps, peu importe ce que nous pouvions devenir… et nous avons eu l'attention du public assez longtemps pour nous lancer dans la deuxième phase de notre carrière.
Top 40 pour faire du rock
Réduit à deux minutes et demie pour être diffusé à la radio AM, la chanson a aidé le groupe à passer du genre pop au rock. "Crimson and Clover' était très important pour nous car il nous a permis de passer du Top 40 AM à l'album rock", a déclaré James. "Je ne pense pas qu'il y ait une autre chanson sur laquelle nous ayons travaillé, aucun autre disque que nous ayons fait qui aurait fait cela pour nous de cette façon."
Sur :
https://www.citizenjazz.com/Colette-Magny-3480346.html
Nous sommes en 1969 et il s’en passe dans le monde. Les tremblements des sociétés de l’époque n’en finissent pas de créer des ondes de choc. En France, après les pavés de 68, c’est tout un peuple qui se range derrière la locomotive de la consommation et de la politique en costume gris. Mais une poignée d’irréductibles continue de dénoncer les inégalités et la bêtise. Colette Magny fait partie de ceux-là.
Accompagnée de sa guitare, portant loin sa voix de stentor, elle déclame ses textes sur ces mélodies déstructurées et libres. Beb Guérin arpège derrière pour donner du corps à la musique.
Ce concert assez court est complété par 4 pistes enregistrées à la radio en 1964 tandis que la photo de couverture est de 1972. Et ce patchwork de Magny est une bonne nouvelle, tant qu’on la célèbre.
Nina Simone 1969 Auteur compositrice interprète américain
Nina Simone, ici en juillet 1969 lors d'un concert dans le cadre du festival panafricain d'Alger. AFP PHOTO/ELEONORE BAKHTAZE
En 1969, Nina Simone est à l'apogée de ses pouvoirs artistiques. On est en plein dans le mouvement des droits civiques, et sa voix est directement associée à la cause depuis le chef-d'œuvre de 1964 « Mississippi Goddam ». Pourtant, son activisme s'intensifie et son engagement prend peu à peu le pas sur le la musique, se montrant plus proche des arguments du révolutionnaire Malcolm X que de ceux de la résistance pacifique de Martin Luther King, avec tout le respect qu'elle avait pour le Dr King. En 1967, deux ans avant ce concert, elle enregistre un de ses tubes, « I Wish I Knew How It would Feel To Be Free », de Billy Taylor, sur son album Silk and Soul.
https://www.medici.tv/fr/jazz/nina-simone-live-at-olympia-part-i
Réalisé par : Bernard Lion
Lieu : L’Olympia (Paris, France)
Année de production : 1969 Production : © Office national de radiodiffusion télévision française (ORTF)
En 1969, pendant un concert à Harlem (New York), Nina Simone lance un appel à l’émeute, à la révolution : « Vous êtes prêts à faire ce qui est nécessaire ? » lance-t-elle au public. Et celui-ci de ne répondre que par un cri d’enthousiasme, comme si la chanteuse faisait seulement le spectacle. Pourtant elle attend bien un renversement, une rébellion.
Nina Simone chante "Revolution" au Festival culturel de Harlem en 1969
Jack Whatley
@JackWhatley89 14 juin 2020 Royaume-Uni sur https://faroutmagazine.co.uk/nina-simone-revolution-harlem-cultural-festival-1969/
Alors que les hippies et les excentriques folk se dirigeaient vers Woodstock en 1969, un autre événement spécial avait lieu cette année-là. Le Harlem Cultural Festival qui, entre autres, a accueilli sur scène Mme Nina Simone pour ce qui allait devenir un set mythique.
Le Harlem Cultural Festival était une série de six concerts gratuits organisés à l'extrémité nord de Central Park à New York au cours de l'été 1969. C'était une célébration de la jeunesse, de la culture et du pouvoir noir que certains ont surnommé le « Black Woodstock ». Le NYPD a refusé d'assurer la sécurité des concerts, alors les Black Panthers l'ont fait et ont donné le ton à un événement révolutionnaire.
En plus de s'être déroulé sans trop de problèmes, l'événement a montré que la revendication des droits civiques des années soixante n'était qu'un début – quelque chose qui semble aujourd'hui d'autant plus important.
Au milieu des tensions et des luttes raciales, la musique a toujours été un élément unificateur de la société. Ici, Nina Simone monte sur scène non pas exactement pour unir les habitants de New York et du monde, mais pour permettre à sa voix de devenir celle d'innombrables Afro-Américains à travers le monde occidental.
Montant sur scène, Simone a déclaré : « Êtes-vous prêts, les Noirs ? Es-tu prêt? Êtes-vous prêt, homme noir, jeune noir, femme noire, tout le monde noir ? Êtes-vous vraiment, vraiment, vraiment prêt ? C’était un appel aux armes de la part de Simone qui était, à ce stade, devenue une figure de proue de l’égalité raciale et de la fierté noire. Même si sa performance à l’époque était parsemée de succès, une chanson semble bien plus pertinente que les autres. 'Révolution'.
Écrit par Simone et Weldon Irvine, le morceau joue non seulement sur les racines jazz et la puissance vocale époustouflante de Simone, mais met également en lumière la véritable voix du chanteur sur le racisme et la place de la société noire dans l'Amérique des années 60. Malheureusement, c'est une histoire similaire jusqu'à aujourd'hui. Pourtant, le morceau offre une vision du futur remplie d’espoir et de changement.
La performance est souvent considérée comme l'une des plus grandes de Simone, car non seulement elle semble toujours amoureuse de son contenu, mais elle se sent véritablement engagée et absorbée par l'événement. Malgré une large participation et des performances époustouflantes, grâce au racisme institutionnel de l'Amérique, le Festival culturel de Harlem n'aura plus jamais lieu.
Paroles et traduction des paroles de la chanson Revolution de Nina Simone
Paroles et traduction en Français
And now we got a revolution Et
maintenant nous avons une révolution
Cause i see the face of things to come
Parce que je vois le visage des choses à venir
Yeah, your Constitution
Oui, votre Constitution
Well, my friend, its gonna have to bend
Eh bien, mon ami, ça va devoir se plier
Im here to tell you about destructio
Je suis ici pour vous parler de la destruction
Of all the evil that will have to end.
De tout le mal qui devra mettre fin.
Some folks are gonna get the notion
Certaines personnes vont comprendre
I know theyll say im preachin hate
Je sais qu'ils diront que je prêche la haine
but if i have to swim the ocean
mais si je dois nager l'océan
well i would just to communicate
Eh bien je voudrais juste communiquer
its not as simple as talkin jive
ce n'est pas aussi simple que talkin jive
the daily struggle just to stay alive
la lutte quotidienne juste pour rester en vie
Singin about a revolution
Singin une révolution
because were talkin about a change
parce qu'on parlait de changement
its more than just evolution
son plus que juste l'évolution
well you know you got to clean your brain
Tu Sais tu dois nettoyer ton cerveau
the only way that we can stand in fact
la seule façon que nous pouvons supporter en fait
is when you get your foot off our back
lorsque vous enlevez votre pied de notre dos
UN HYMNE AU DROIT À LA DIFFÉRENCE
Sur :
https://musee.sacem.fr/index.php/ExhibitionCMS/Chroniques/SimpleExhibitions?id=2611
Par : Jean-Pierre Pasqualini
Le métèque est commercialisé, en 45 tours. Le titre est parfaitement identifiable, au niveau de la musique (avec ses arpèges à la guitare acoustique d’inspiration grecque, dans un esprit sirtaki) comme du texte. Il n’y a qu’à regarder le poète la chanter avec ses cheveux hirsutes, sa barbe mal taillée et sa tenue négligée, pour y croire. De plus, le titre s’inscrit parfaitement dans l’esprit de ces années post-Mai 68, acoustiques et baba-cool. D’autant mieux que Georges l’interprète sans provocation ni honte – encore moins d’excuses -, presque de façon nonchalante.
L’orchestration d’Alain Goraguer fait aussi beaucoup pour le succès. Et si la direction artistique est signée du grand Jacques Bedos (qui s’occupe aussi de Reggiani et s’occupera plus tard de Le Forestier), le directeur de production n’est autre qu’Henri Belolo, futur roi du disco, qui aime l’efficacité populaire.
Quant à la promotion, elle n’aurait pas pu être mieux « ciblée ». En effet, le 9 février 1969, Georges fait l’émission de télévision idéale pour toucher le public de ce genre de titre : « Discorama » de Denise Glaser. Un bonheur n’arrivant jamais seul, à la même époque, José Artur la passe cinq fois de suite dans son « Pop Club » sur France Inter, tout aussi idéal sur « la cible » avant le mot. « Le métèque » devient un hymne à la tolérance, au droit à la différence.
La chanson est un tel succès qu’elle permet à Georges de publier un 30 cm dès l’été 1969 avec quelques autres grandes chansons : « Joseph » bien sûr, mais aussi « Il est trop tard », « Ma solitude », « Le temps de vivre »…
LE DÉBUT DE LA CARRIÈRE INTERNATIONALE POUR MOUSTAKI
Le 45 tours chanté en français par Jo (c’est le diminutif du vrai prénom de Georges, Joseph) sortira aussi en Espagne (classé 18 semaines), Pays-Bas (classé 3 semaines dès le 18 octobre 1969, dont une à la 31ème place), Allemagne, Grèce, Turquie, Canada, Japon… En Espagne, le 30 cm éponyme de Moustaki sortira aussi et se classera deux semaines – dont une à la place N°8 - dès le 8 septembre 1969.
Jo en grave aussi dès 1969 : une version allemande, « Ich bin ein Fremder », mais aussi italienne, « Lo straniero »…
Cette dernière terminera en tête du hit-parade italien toujours en 1969 (N°2 classé 16 semaines). La même année, la chanson remportera la Gondola d’oro (Gondole d’or) à la Mostra internazionale di musica leggera (festival de musique légère) à Venise.
En 1970, c’est au tour d’une version catalane, « El extranjero » (qui sort dans toute l’Espagne et en Argentine), et d’une portugaise, « O Estrangeiro » d’être enregistrées par Moustaki.
Si la chanson voyage autant, c’est que son éditeur, les Editions Continental, trouve des sous éditeurs dans le monde entier.
D’autres artistes de par le monde l’enregistreront aussi en d’autres langues encore : espagnol : « El extranjero » ou « El mestizo », hollandaise : « Vrij als een vogel in de lucht » (il y aura même plusieurs textes), turque : « Hasret Tuba Önal » ou « Özledigim Svegili », grecque : « O Metikos », anglaise : « Le meteque (Without A Worry in The World) », finnoise : « Hän, Joka Harvoin Hymyilee », roumaine : « Strainul » …
Ceci dit, c’est au Québec que la version française sera vraiment beaucoup reprise, en France, personne n’osant passer après le créateur.
Et comme l’idée du texte a été respectée dans la plupart des adaptations, gageons que ces mots ont aidé des déracinés des quatre coins du monde à se sentir moins seuls ou mieux acceptés.
Il était moins inaccessible que Georges Brassens et musicalement plus large. Il était le trait d’union entre ce qu’était la chanson française dans les années 1960 et ce qu’elle est devenue avec le passage du folk song avec des chanteurs comme Bob Dylan ou Joan Baez. Certaines de ses chansons sont proches de la perfection.
Maxime Le Forestier
C'était en 1969
Dernière mise à jour le 26 octobre 2023 / Par Jerry Holt sur https://oldtimemusic.com/the-meaning-behind-the-song-river-man-by-nick-drake/
Nick Drake était un chanteur et compositeur folk anglais qui est encore célébré aujourd'hui pour son talent unique et ses paroles introspectives. Bien qu'il soit décédé en 1974, sa musique continue d'inspirer de nouvelles générations de musiciens et de fans. L'une de ses chansons les plus populaires est « River Man », qui est sortie sur son premier album « Five Leaves Left » en 1969. La mélodie envoûtante et les paroles poétiques de la chanson en ont fait une chanson préférée des fans, ainsi qu'un incontournable des films. Émissions de télévision et publicités.
Nick Drake a écrit « River Man » à l’âge de 21 ans, alors qu’il était encore étudiant à l’université de Cambridge. Dans une interview avec NME en 1974, il révéla que la chanson était inspirée par un rêve :
« J'ai vécu une expérience à la fin de mon adolescence où je me suis retrouvé à dériver sur une rivière, sans savoir où j'allais. Et c'est un sentiment assez étrange, parce que vous vous sentez si impuissant et si seul. J’ai donc écrit la chanson sur cette expérience.
Le rêve de Drake l'a inspiré à écrire une chanson qui capture le sentiment d'être à la dérive, à la fois physiquement et émotionnellement. Les paroles de « River Man » sont pleines d’images et de métaphores, dressant un portrait riche et complexe d’une personne égarée.
Mary Fahl interprète en direct le classique "River Man" de Nick Drake
Les paroles de « River Man » sont peut-être parmi les plus énigmatiques et poétiques de Nick Drake. Ils décrivent une personne qui s’est égarée, dérivant sur une rivière sans aucun but ni direction. Voici quelques-unes des lignes les plus remarquables de la chanson :
"Betty a dit qu'elle avait prié aujourd'hui
pour que le ciel s'envole
ou peut-être pour rester.
Elle n'en était pas sûre"
Ces lignes décrivent une personne, peut-être un ami ou un amant du narrateur, aux prises avec des sentiments de tristesse et d'incertitude. Ils espèrent que quelque chose changera, pour le meilleur ou pour le pire, mais ils n’arrivent pas à décider lequel.
"Et s'il te révèle tous ses secrets,
il dormira avec un pistolet à côté de lui
et toutes les rues sentent le charme tropical"
Ces lignes dressent le portrait d’une personne réservée et secrète, peut-être même dangereuse. La juxtaposition de l’image violente d’une arme à feu avec le parfum exotique de fruits tropicaux crée une atmosphère étrange et troublante.
"La rivière qu'elle coule
coule et grandit
La rivière qu'elle coule
Jusqu'à la mer"
Ces lignes forment le refrain de la chanson et parlent de la métaphore centrale de «River Man». La rivière représente le passage du temps, le flux de la vie et l’inévitabilité du changement.
« River Man » a consolidé sa place dans l'histoire de la musique en tant que l'une des chansons les plus emblématiques et les plus durables de Nick Drake. Sa mélodie envoûtante et ses paroles introspectives en ont fait un favori parmi les fans, ainsi qu'une source d'inspiration pour d'innombrables musiciens et artistes. La chanson a également été reprise par de nombreux artistes, de Brad Mehldau à Norah Jones, consolidant ainsi son statut de classique intemporel.
Nick Drake a écrit « River Man » après avoir fait un rêve dans lequel il se retrouvait à flotter sur une rivière sans aucun sens ni but. La chanson explore le sentiment d’être à la dérive à la fois physiquement et émotionnellement.
"River Man" est sorti sur le premier album de Nick Drake "Five Leaves Left" en 1969.
Le refrain de « River Man » parle de la métaphore centrale de la chanson. La rivière représente le passage du temps, le flux de la vie et l’inévitabilité du changement. « River Man » a consolidé sa place dans l'histoire de la musique en tant que l'une des chansons les plus emblématiques et les plus durables de Nick Drake. Sa mélodie envoûtante et ses paroles introspectives en ont fait un favori parmi les fans, ainsi qu'une source d'inspiration pour d'innombrables musiciens et artistes. En plus de « River Man », « Five Leaves Left » comprend des morceaux tels que « Time Has Told Me », « Way to Blue » et « Fruit Tree ». « River Man » a été repris par de nombreux artistes, de Brad Mehldau à Norah Jones, consolidant ainsi son statut de classique intemporel. « River Man » est souvent classé comme folk ou folk-rock, même si ses paroles poétiques et introspectives la distinguent de nombreuses autres chansons de ce genre.
« River Man » n'a pas été un succès commercial lors de sa première sortie, mais il est depuis devenu l'une des chansons les plus appréciées et les plus durables de Nick Drake. Nick Drake a été fortement influencé par des poètes tels que William Blake et WB Yeats, ainsi que par des musiciens de jazz et de blues comme John Coltrane et Blind Lemon Jefferson. Son style unique d'écriture de chansons reflète ces influences variées. L'héritage de Nick Drake continue d'inspirer les nouvelles générations de musiciens et de fans. Ses paroles introspectives et son paysage sonore unique ont fait de lui l’un des auteurs-compositeurs les plus célèbres et appréciés du XXe siècle. Nick Drake est décédé en 1974 à l'âge de 26 ans. La cause officielle du décès était une surdose d'antidépresseurs, bien que sa mort ait également été attribuée à un suicide. Le titre « Five Leaves Left » fait référence à l’idée que la vie est comme une cigarette, avec cinq feuilles avant qu’elle ne s’éteigne. La pochette de l'album, qui présente une photographie d'une feuille solitaire, est un clin d'œil à cette métaphore.
Dernière mise à jour le 26 octobre 2023 / Par Jerry Holt sur https://oldtimemusic.com/the-meaning-behind-the-song-river-man-by-nick-drake/
Jerry Holt
Jerry Holt est un contributeur fréquent à OldTimeMusic. OldTimeMusic , votre source incontournable d'informations musicales depuis 1998. Nous sommes une communauté passionnée de passionnés de musique et de joueurs d'instruments talentueux, partageant le sens et les émotions des chansons, mettant en valeur les meilleurs morceaux et albums de l'histoire de la musique, ainsi que fournissant le dernières nouvelles musicales et conseils sur les instruments.
Nick Drake —
Paroles et traduction des paroles de la chanson River Man
Paroles
Betty came by on her way
Said she had a word to say
About things today
And fallen leaves.
Said she hadn’t heard the news
Hadn’t had the time to choose
A way to lose
But she believes.
Going to see the river man
Going to tell him all I can
About the plan
For lilac time.
If he tells me all he knows
About the way his river flows
And all night shows
In summertime.
Betty said she prayed today
For the sky to blow away
Or maybe stay
She wasn’t sure.
For when she thought of summer rain
Calling for her mind again
She lost the pain
And stayed for more.
Going to see the river man
Going to tell him all I can
About the ban
On feeling free.
If he tells me all he knows
About the way his river flows
I don’t suppose
It’s meant for me.
Oh, how they come and go
Traduction des paroles
Betty est venue en chemin
A dit qu'elle avait un mot à dire
À propos des choses aujourd'hui
Et les feuilles tombées.
A dit qu'elle n'avait pas entendu les nouvelles
N'avais pas eu le temps de choisir
Une façon de perdre du
Mais elle croit.
Je vais voir la rivière
Va lui dire tout ce que je peux
À propos du plan
Pour lilas temps.
S'il me dit tout ce qu'il sait
Sur la façon dont sa rivière coule
Et tous les spectacles de la nuit
En période estivale.
Betty a dit qu'elle priait aujourd'hui
Pour le ciel de souffler
Ou peut être rester
Elle n'était pas sûre.
Quand elle a pensé à la pluie d'été
Appelant à nouveau pour son esprit
Elle a perdu la douleur
Et est resté pour plus.
Je vais voir la rivière
Va lui dire tout ce que je peux
À propos de l'interdiction
Sur de se sentir libre.
S'il me dit tout ce qu'il sait
Sur la façon dont sa rivière coule
Je ne pense pas que
Il est fait pour moi.
Oh, comment ils vont et viennent
la version contemporaine de “Oh Happy day”
Sur : https://gospel-event.com/origine-du-chant-oh-happy-day
L’histoire de cette chanson incontournable du répertoire gospel démarre au 18ème siècle avec la création d’un hymne religieux par le théologien anglais Philipp Doddridge, un cantique sur le thème de l’amour traditionnel et la fraternité. Il sera arrangé une première fois par le musicologue Edward F. Rimbault qui y rajoute un chœur. Sa version sera enregistrée en 1913 par le groupe « The Trinity Choir » sous le label Victor. Très apprécié, le chant et alors fréquemment utilisé pour des cérémonies religieuses comme les baptêmes ou les professions de foi, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis.
La version Gospel devenue célèbre est née de l’arrangement d’Edwin R. Hawkings, chef de chœur d’une chorale gospel d’Oakland en Californie, the Northern California State Youth Choir, composée de 46 chanteurs entre 17 et 25 ans.
Cette version d’Edwin R. Hawkings ne conserve que le désormais fameux refrain de Raimbault (« Oh Happy Day, Oh Happy Day, when Jesus washed my sins away! He taught me how to watch and pray, and live rejoicing every day »), tandis que les versets originaux disparaissent.
Utilisée pour la promotion locale de la chorale, le chant est repris par un dj de la radio KSFO de San Francisco et arrive jusqu’aux oreilles du label Buddah Records. Une aubaine pour cette chorale rebaptisée « The Edwin Hawkins Singers », le titre « Oh happy day » est enregistré en 45 tours avec la voix soliste de Dorothy Morisson. La chanson fait le tour de la planète en 1969 en grimpant dans le Top 5 des charts aux Etats-Unis, une première pour un chant gospel.
Ensuite repris par les groupes légendaires du gospel comme The Golden Gate Quartet, The Brooklyn Tabernacle Choir ou The Sisters of Glory, le chant « Oh happy day » devient une référence mondiale de la musique gospel. Il est repris par de grandes icones comme Joan Baez à Woodstock en 1969, Glen Campbell en 1970, Aretha Franklin, Ray Charles ou Elvis Presley…
En France, ce « tube » rencontre un engouement en même temps que la musique gospel dans les années 80 avec les tournées européennes de groupes comme The Golden Gate Quartet.
Le succès de la chanson sera définitivement propulsé par Whoopi Goldberg et les deux films Sister Act, qui font de ce chant le gospel le plus populaire dans le monde entier.
Découvrez cette version Gospel enregistrée en 1969 par The Edwin Hawkins Singers » chef de chœur d’une chorale gospel d’Oakland en Californie,
Découvrez aussi la version originale du vieil hymne - O Happy Day (chanson avec paroles). écrit par Philip Doddridge en 1755. Des années plus tard, ils ont proposé une nouvelle version de la chanson par le musicologue Edward F. Rimbault qui y rajoute un chœur. Sa version sera enregistrée en 1913 par le groupe « The Trinity Choir » sous le label Victor.
Traduction de Oh Happy Day
The Edwin Hawkins Singers
Paroles et Traduction en Français
Oh Happy Day
Bonne Journée
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
Oh when he washed (When Jesus washed)
Oh, quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
He washed my sins away (Oh happy day)
Il a lavé mes péchés (Bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
Oh when he washed (When Jesus washed)
Oh, quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
He washed my sins away! (Oh happy day)
Il a lavé mes péchés (Bonne journée)
Oh it's a happy dayOh
c'est une bonne journée
(He taught me how to watch and fight and pray)
(Il m'a appris à regarder et à combattre et à prier)
(Fight and pray)
(Combattre et à prier)
(And He'll rejoice in things everyday)
(Il va se réjouir des choses tous les jours)
(Everyday)
(Tous les jours)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
Oh when he washed (When Jesus washed)
Oh, quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
He washed my sins away! (Oh happy day)
Il a lavé mes péchés (Bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
(He taught me how to watch, fight and pray)
(Il m'a appris à regarder et à combattre et à prier)
(Fight and pray)
(Combattre et à prier)
(And He'll rejoice in things everyday)
(Il va se réjouir des choses tous les jours)
(Everyday)
(Tous les jours)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
(Oh happy day...)
(Oh, bonne journée...)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
Oh happy day (Oh happy day)
Oh, bonne journée (Oh, bonne journée)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
Oh when he washed (When Jesus washed)
Oh, quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
When Jesus washed (When Jesus washed)
Quand Jésus a lavé (Quand Jésus a lavé)
He washed my sins away! (Oh happy day)
Il a lavé mes péchés (Bonne journée)
Oh it's a happy day (Oh happy day)Oh,
c'est une belle journée (oh, bonne journée)
Oh no (Oh happy day)
Oh no (oh, bonne journée)
Mmm good guy (Oh happy day)
Mmm bon garçon (oh, bonne journée)
Mmm yeah (Oh happy day)
Mmm ouais (oh, bonne journée)
Mmm no (Oh happy day)
Mmm non (oh, bonne journée)
Profitez de cette version originale du vieil hymne - O Happy Day (chanson avec paroles).
Cela a été écrit par Philip Doddridge en 1755. Des années plus tard, ils ont proposé une nouvelle version de la chanson.
Les paroles/texte de la chanson originale sont les suivants :
Verset 1 : Ô jour heureux, qui a fixé mon choix Sur Toi, mon Sauveur et mon Dieu ! Eh bien, puisse ce cœur ardent se réjouir, Et raconter ses ravissements à l'étranger. CHŒUR : Bon jour, bon jour, Quand Jésus a lavé mes péchés ! Il m'a appris à veiller et à prier, Et à vivre en me réjouissant chaque jour : Bonne journée, bonne journée, Quand Jésus a lavé mes péchés !
Verset 2 : Ô lien heureux, qui scelle mes vœux À Celui qui mérite tout mon amour ! Que des hymnes joyeux remplissent sa maison, tandis que je me dirige vers ce sanctuaire sacré. CHŒUR : Bon jour, bon jour, Quand Jésus a lavé mes péchés ! Il m'a appris à veiller et à prier, Et à vivre en me réjouissant chaque jour : Bonne journée, bonne journée, Quand Jésus a lavé mes péchés !
Verset 3 : « C'est fait, la grande affaire est faite ! — Je suis au Seigneur et il est à moi ; Il m'a dessiné et j'ai suivi ; Charmé d'avouer la voix divine. CHŒUR : Bon jour, bon jour, Quand Jésus a lavé mes péchés ! Il m'a appris à veiller et à prier, Et à vivre en me réjouissant chaque jour : Bonne journée, bonne journée, Quand Jésus a lavé mes péchés !
Verset 4 : Maintenant repose-toi, mon cœur longtemps divisé, Fixé sur ce centre de félicité, repose-toi ; Ici j'ai trouvé une partie plus noble ; Ici, les plaisirs célestes remplissent ma poitrine. CHŒUR : Bon jour, bon jour, Quand Jésus a lavé mes péchés ! Il m'a appris à veiller et à prier, Et à vivre en me réjouissant chaque jour : Bonne journée, bonne journée, Quand Jésus a lavé mes péchés !
Verset 5 : Le ciel élevé, qui a entendu le vœu solennel, Ce vœu renouvelé exaucera quotidiennement, Jusqu'à ce qu'à la dernière heure de la vie je m'incline et bénisse dans la mort un lien si cher.
La Rua Madureira, sortie à l’origine en 1969 en face B du 45 Tours Je vends des robes. C’est l'un des morceaux les plus forts et les plus émouvants de Nino Ferrer
Par Isadora Dartial
Publié le 04/02/2020 Mis à jour le 27/11/2020
Sur : https://www.nova.fr/news/nova-classic-la-rua-madureira-de-nino-ferrer-35405-04-02-2020/
Nous sommes en 1969 lorsque l’auteur de « Telefon » sort « La rua Madureira », du nom d’un quartier de Rio de Janeiro. Avant lui, Henri Salvador s’était déjà frotté à la musique brésilienne et avait ouvert le bal, dans les années 50, avec sa « Chanson douce ».
Nino Ferrer, reprend un air de bossa pour chanter une histoire d’amour arrêtée en plein vol, un texte mélancolique et même tragique, en rupture avec sa discographie dont les textes sont d”ordinaires plutôt drôles et gais. Un morceau composé par Daniel Beretta, dont on entendait également sur nos ondes le morceau « La drogue », avec Richard de Bordeaux.
Une bossa qui traduit le saudade brésilienne, une mélancolie renforcée dans ce morceau par l’utilisation des violons, probablement inspirée d’un violoniste brésilien peu connu ici mais qui a connu une grande carrière au brésil dans les années 50. Son nom ? Fafa Lemos.
on revit ce coup de coeur qui a inspiré de nombreux artistes puisque « La Rua Madureira » a été reprise souvent, et notamment dernièrement par Bon Entendeur.
Nino Ferrer est l’auteur du texte, et le compositeur de cette mélodie s’appelle Daniel Berreta.
En 1969 Nino Ferrer sortait La rua Madureira, devenue quelques décennies plus tard un classique bossa nova francophone.
Cette chanson d’amour à l’issue tragique apparait aujourd’hui encore comme une énigme dans la discographie plutôt joyeuse du chanteur du Sud. La rua Madureira a connu de nombreuses vies : après Bon Entendeur, Benjamin Biolay, Pauline Croze, Prattseul s’attaque à l’adresse brésilienne. Ecoutez ci-dessous
Rémy 9 février 2021
Sur https://www.opus-musiques.fr/lhommage-a-nino-ferrer-chante-par-prattseul/
Nous somme en 2023 et Il y a 54 ans, du 15 au 18 août 1969, près de 500 000 (dix fois plus qu'attendu) jeunes Américains se rassemblaient dans un champ de la ville de Bethel aux Etats-Unis pour assister à un festival de musique qui allait entrer dans la légende : Woodstock.
Woodstock, ce sont trois jours de musiques qui ont marqué l'histoire, en 1969. Le festival voulait célébrer la musique et la paix, dans une époque marquée par la guerre du Vietnam.
Présentation d'un festival musical historique à Woodstock
Texte rédigé par l'équipe de Perspective monde sur https://perspective.usherbrooke.ca/bilan/servlet/BMEve/465
Joan Baez
Des centaines de milliers d'Américains sont réunis à Bethel, près de Woodstock, dans l'État de New York, afin d'assister à un festival musical qui constituera un des moments forts de l'histoire du mouvement de la contre-culture qui s'est développé en Occident au cours des années 60.
L'arrivée de la génération des baby-boomers à l'âge adulte, au cours des années 60 et 70, s'accompagne de bouleversements sociaux d'une envergure sans précédent (libéralisation des moeurs, lutte pour les droits civiques, émancipation des femmes, éclosion du mouvement hippie, contestation de l'intervention américaine au Vietnam, etc.) Ce vent de changement prend une forme unique à Bethel, dans l'État de New York, lors d'un festival musical qui se déroule entre les 15 et 17 août 1969. Contre toute attente, des centaines de milliers de personnes se déplacent pour assister à l'événement au cours duquel performent des artistes comme Jimi Hendrix, Janis Joplin, Joan Baez, Jefferson Airplane et les Grateful Dead. Ce qui ne devait être qu'un événement musical devient une expérience collective unique. Des centaines de milliers de personnes se côtoient dans une atmosphère festive, libertaire, dénuée de violence, pendant ces trois journées qui demeureront une référence dans l'histoire du mouvement de la contre-culture en Amérique du Nord.
Ils voulaient changer le monde
Le Journal de Québec - (Extraits du )
Yves Leclerc - 27 jul 2019 / RTS
- 09 sep 2019 / Geo -
Emeline Férard – 17 aoû 2022
Du concert de Joan Baez qui s’est terminé sous des trombes d’eau, à celui de Jimi Hendrix donné alors que le public partait, ce sont trois jours de musique et de chaos, qui n’avaient à priori rien d’idyllique malgré son message utopiste de paix et d'amour. Woodstock tranchait avec la décennie finissante, faite de violentes manifestations et d'assassinats, sur fond de guerre du Vietnam ... Un contexte historique grave, après le massacre des étudiants par l’armée à Mexico. Le 2 octobre 1968, plusieurs milliers d’étudiants mexicains, en lutte depuis 123 jours et réunis en meeting à Mexico, avaient été mitraillés par la troupe ; plus de 300 personnes étaient massacrées et plusieurs centaines (nombre inconnu) arrêtées et « disparues ». Dix jours plus tard, le régime dictatorial du président Diaz Ordaz devait accueillir les Jeux Olympiques. Les assassinats de Martin Luther King (4 avril 1968) et de Robert Kennedy (5 juin 1968), la guerre du Vietnam … 540.000 jeunes Américains sont dans le bourbier vietnamien quand 500.000 migrent vers Woodstock. À l'heure où cette guerre fait rage, que porter des cheveux longs est un acte de rébellion et que le rock est encore jeune, on ne s’attendait pas à ce que l'événement, avec son incroyable succès, ses excès et son utopie frénétique, devienne l'emblème d'une génération.
Impossible de mentionner tous les « moments uniques à l’origine du mythe ». Citons l’ouverture par Richie Havens sur Freedom,; Country Joe McDonald seul en scène scandant F.U.C.K. ; Joe Hill, de Joan Baez … Incontournable également Carlos Santana ; Janis Joplin (Pearl, de son surnom) avec Summertime ; Sly and the Family Stone transportant le public au son de « Higher ! and Higher ! » (leitmotiv de I Want To Take You Higher) ; Joe Cocker, ne serait-ce que pour With a Little Help From My Friends ; avant l’emblématique The Star-Spangled Banner de Jimi Hendrix. Des groupes confirmés côtoyaient des artistes en devenir, dans un désordre sans équivalent. … Seules trois femmes ont joué sur la scène de Woodstock !
Les grands absents : les Beatles, qui n’ont plus joué en concert depuis 1966 ; les Stones, jugés trop violents par les organisateurs… Parmi les groupes qui ont refusé l’invitation, on retrouve Simon & Garfunkel, Led Zeppelin, The Byrds, Chicago, The Moody Blues, Frank Zappa, Jethro Tull et les Doors.
La foule de centaines de milliers de personnes en musique, la pluie, la boue et les gens nus ; ces trois jours font date dans l’histoire du rock. Un événement culturel considéré comme un point culminant de la contre-culture des années 60 et de la culture hippie.
